Otras músicas. Otros mundos.

Klaus Schulze - MIRAGE

2012-02-15T07:11:00.000-08:00

1. Velvet Voyage (28:28)

2. Crystal Lake (29:15)

Todos los fans de un músico suelen tener uno o varios discos favoritos y recurrentes con los que comparar el resto de su obra. En el caso de Klaus Schulze, por ahora tengo la impresión de que sus seguidores suelen apuntar hacia este Mirage (1977) como su álbum de referencia. Yo no pierdo nada por ser sincero, y tengo que decir que, aunque no tengo nada contra el disco en cuestión, tampoco me parece destacable del grueso de su discografía; eso sí, teniendo muy en cuenta que Schulze siempre (incluso hoy) mantiene un nivel excelente. Mi favorito personal sigue siendo X, aunque quizá deba dar más oportunidades a Mirage, en vista de su aceptación popular.

Cuando uno empieza a escuchar obras de este estilo musical que acuñaron los alemanes en los setenta, llámese krautrock en términos demasiado generales, Escuela de Berlín para ser más precisos, o música cósmica si hablamos en plata, la tendencia es pensar que todo suena muy parecido. La tendencia era publicar álbumes con un par de temas, cuatro o cinco como mucho, largos, de ritmo empecinado y orientados al trance. Y gustan, por supuesto, pero a la hora de la verdad hay que profundizar muy mucho en cada título, y en cada artista, para empezar a vislumbrar las diferencias entre unos y otros. Klaus Schulze se caracteriza, al menos a mi entender, por ser uno de los músicos del movimiento con más tendencia a la frialdad y a la creación de atmósferas inquietantes. También suele echar mano de algún instrumento acústico, sobre todo el violonchelo.

Mirage podría considerarse un álbum de una segunda etapa dentro de su trayectoria personal, bastante menos oscurantista que sus primeros trabajos Irrlicht y Cyborg; incluso algo tardío respecto a los trabajos más representativos del movimiento, como los pertenecientes a los "años rosas" de Tangerine Dream. No obstante, Mirage no tiene nada que ver con lo que ya tramaba la troupe de Edgar Froese de cara a los ochenta, o Jean Michel Jarre encerrado en casa con sus trastos. Se trata de un trabajo muy electrónico, un juego constante entre ambientes estáticos bien trabajados y ritmos de secuenciador (mitades primera y segunda respectivamente del primer tema, Velvet Voyage), y lentos y fascinantes fraseos cristalinos (segunda pieza, Crystal Lake). Cada uno de los dos temas de Mirage está dividido en distintos movimientos que difícilmente puede uno ir distinguiendo según los escucha.

Interesante vídeo abstracto inspirado en el tema Crystal Lake.

Velvet Voyage se compone en teoría de los sub-temas 1984, Aeronef, Eclipse, Evasion, Lucid Interspace y Destination Void, mientras que Crystal Lake contendría Xylotones, Chromewaves, Willowdreams, Liquid Mirrors, Springdance y A Bientot. La edición en CD de 2005 incluye un tema extra, In Cosa Crede Chi Non Crede?, que no formaría parte del álbum estrictamente hablando. La verdad es que los fans no se pueden quejar de los remasters de esta discografía, ya que suelen meterles estos temas inéditos que rondan la media hora o más. A eso le llamo yo "bonustrack".

Comentado Mirage, y para concluir, quizá valdría la pena explicar a los neófitos qué tienen de bueno o de interesante estos álbumes tan raros de música electrónica, que tanto se alejan de la música convencional de hoy en día, incluso de la electrónica del momento. Lo que a mi me gusta es tanto los álbumes en sí como las cosas a las que te obligan. Te obligan a relajarte previamente (ojo, no es música de relax) para apreciarlos, porque no son álbumes que contengan detalles: son todo detalles acumulados, puras sutilezas técnicas más allá de melodías o estribillos. Hay que estar tranquilo, libre de obligaciones y totalmente entregado para juzgar con justicia uno de estos trabajos, y no vale andar leyendo revistas o cosas así mientras se escuchan. No sirven como música de fondo para ninguna otra cosa, porque para dejarlos entrar en nuestra mente exigen dedicación absoluta durante el tiempo que duran. Cada álbum y la situación a la que nos invita, esa es la experiencia completa. Quizá sea por la vida tan ajetreada que llevamos muchos, por lo que estos pequeños refugios artísticos nos son tan preciados.

Velvet Voyage.

John Williams ha cumplido 80 años. Larga vida al Maestro.

2012-02-11T04:46:00.000-08:00

El más importante, influyente y conocido compositor de bandas sonoras de todos los tiempos, y uno de los músicos favoritos de este blog, ha cumplido 80 años. Pensar en la cantidad de títulos que lleva a sus espaldas, la mayoría de ellos tan conocidos que forman parte de nuestro día a día como ciudadanos de este planeta, hace tragar saliva copiosamente.

John Williams es la persona que más candidaturas a los Oscar ha conseguido, solamente superado por Walt Disney. Ha ganado 5 estatuíllas doradas en toda su carrera por las partituras originales de Tiburón (1975), Star Wars (1977), E.T. el extraterrestre (1982) y La lista de Schindler (1993), amén de por la adaptación de El violinista en el tejado (1971). Este año acumula dos nominaciones más gracias a Las aventuras de Tintín y Caballo de batalla, ambas tan espectaculares que siguen haciendo palidecer a cualquier posible aspirante a sucesor. No es probable que gane su sexto premio, pero vamos...

Equivocadamente, durante muchos años ha habido detractores que han querido ver en su música una encarnación de los valores grandilocuentes y avasalladores estadounidenses, soltados sobre el resto del mundo, vía salas de cine, en forma de fanfarrias espectaculares "cantabiles" y pegadizas asociadas a las grandes sagas de George Lucas y al cine palomitero (¿palomitero?) del primer Spielberg. Escuchar con seriedad cada una de sus obras, no obstante, nos demuestra en seguida que Williams se maneja igualmente en la acción y en la delicadeza, en la épica y en el drama. Las claves: un dominio inigualable de las posibilidades de la orquesta sinfónica y un talento casi milagroso para conectar perfectamente con cada una de las fibras sensibles del público masivo.

En Otras músicas. Otros mundos ya hemos realizado análisis exhaustivos de su música para las películas de Indiana Jones y Star Wars, además de otros títulos como Tiburón, Encuentros en la tercera fase y la reciente Tintín. Por eso me ha parecido oportuno aprovechar este feliz cumpleaños para comentar otras composiciones suyas con algo menos de alcance mediático pero igualmente magistrales.

Por ejemplo, podríamos hablar de su original melodía para los títulos de Atrápame si puedes (2004), en la que se aprecia una vertiente jazzística muy interesante.

Y en la poco conocida (para mí) Rosewood (1997), hay ejercicios de gospel apasionantes:

En ocasiones, pese a su sinfonismo neorromántico, John Williams ha optado por contar con intérpretes solistas sobre los que recayese el peso de la melodía, como el piano de Las cenizas de Ángela (2000)...

...El violonchelo de Yo-Yo Ma en Siete años en el Tibet (1998)...

...el violín de Itzhak Perlman y de nuevo el cello de Yo-Yo Ma en Memorias de una geisha (2007)...

...la guitarra y los cánticos de Munich (2005)...

...o las voces solistas de Lara Fabian en Inteligencia Artificial (2001)...

...y Sting en Sabrina (1995).

Terminamos con dos de mis composiciones favoritas de Williams, dos himnos: el himno de Los Angeles '84, que parece sacado de una película de romanos de las de antes y funciona como la seda en el ámbito ceremonial olímpico:

Y el Himno a los caídos de Salvar al soldado Ryan, absolutamente enorme en todos los sentidos. Mucho más que el tema central de una película:

Jorge Granda - MUZAK

2012-02-09T11:07:00.000-08:00

1. La buena estrella (3:23)

2. Un segundo en el tiempo (2:13)

3. Montmartre (1:38)

4. Rottenburg (3:10)

5. After the Rain (2:51)

6. Madrid-Zahara (3:13)

7. Los cineastas (1:31)

8. Final y muerte de Borja (1:02)

9. Parque del retiro (1:17)

10. El confesionario (1:11)

11. Los desiertos del mundo (1:56)

12. Mirada al sur (0:29)

13. Dioses (1:32)

14. Luz blanca (0:28)

15. Las palabras (0:52)

16. Parque de atracciones (1:03)

"Muzak" es un término peyorativo de origen anglosajón que se utiliza para referirse a la sosa e intrascendente musiquilla que escuchamos mientras empujamos el carrito en Mercadona, o mientras esperamos a que el dentista nos deje entrar en su potro de tortura. Pero Jorge Granda, un músico joven nacido en Oviedo, ha titulado así a su segundo álbum, en el que parece que se ha volcado de cara a lo que le depare su carrera en el futuro. No creo que conciba su música como "melodía de fondo para ascensores".

Granda es especialista en crear música para fines específicos, tanto de videojuegos como de campañas publicitarias, aunque indagando en su web personal se nota que su debilidad son las bandas sonoras cinematográficas. De momento, este compositor se mueve en el mundillo de los cortometrajes, y precisamente como sucede con la mayoría de estas películas en miniatura, incluso las mejores, necesita un extra de promoción que le ayude a dar a conocer su trabajo. El álbum Muzak (2011), bastante cortito en duración pero muy intenso en su variedad, viene a ser algo así -y no es que lo diga yo- como un muestrario que el buen vendedor ambulante va mostrando puerta a puerta. Al parecer, es una recopilación de los trabajos que hasta el momento ha realizado para diversos cortos, algunos de éxito.

Con una sólida formación académica, Jorge Granda ha formado parte de un par de grupos de rock gracias a sus dotes a la guitarra, y no es de extrañar que algunos de los cortes de Muzak tengan a este instrumento como protagonista. Tampoco se queda atrás el piano, del que también posee un amplio manejo. Aunque podría haberse decantado por la música electrónica pura (parece que es experto en informática), se nota que ha elegido decantarse por un sonido más cálido que solamente la música acústica puede proporcionar; aunque no desdeña las posibilidades de unos buenos arreglos sintéticos, como es natural.

Hay más fotos de Jorge Granda en Internet, pero sí él utiliza esta en su página... pues esta pongo yo.

Los temas recolectados en Muzak son esencialmente composiciones melódicas, tanto que en algún momento se acercan peligrosamente a alguna clase de pop "íntimo". No obstante, se termina imponiendo un tratamiento minimalista bastante más interesante que las meras posibilidades de su música para acompañar a una hipotética voz solista. En este sentido, y pese a su solidez estructural, creo que quizá La buena estrella no era la mejor elección para abrir el álbum, ya que puede producir la sensación equivocada de estar ante una mera propuesta de easy listening, como dicen los anglosajones, cuando Muzak es bastante más que eso. Sin ir más lejos, Un segundo en el tiempo, con su seguramente involuntaria reminiscencia del One of These Days de Pink Floyd, me parece un tema mucho más redondo. Y Montmartre es cautivador, cálido, con un ritmo exótico sobre un elegantísimo piano. Rottenburg va en una línea parecida al anterior, con una guitarra no muy bien ensamblada a nivel de edición que, sin embargo, resulta muy fresca en su espontaneidad. After the Rain es una estupenda pieza incidental y meditativa, y con ella nos vamos metiendo en el núcleo duro del disco: Madrid-Zahara, que tiene algo de la magia del Gustavo Santaolalla de la película Babel, con mucho nervio y efectismo; Los cineastas, que posee el encanto inexplicable de, digamos, el Angelo Badalamenti de alguna rareza de David Lynch; y Final y muerte de Borja, cuyo título hiperdramático casa con su desarrollo in crescendo. Parque del retiro parece pertenecer al mismo universo que La buena estrella, aunque es más festiva y tiene un toque naïf de película española antigua que le va muy bien. El confesionario tiene un alma rockera oldie y simpática que desconcierta respecto a lo que el título puede sugerir. Añaden exotismo posteriormente la horizontal y evocadora Los desiertos del mundo y la aflamencada Mirada al sur, antes de encarar la recta final con la poderosa y rockabilly Dioses, la enigmática Luz blanca, la clásicamente minimalista Las palabras y la soñadora Parque de atracciones.

Como decía antes, y haciendo balance de virtudes y defectos, quizá en algún punto parece estar pidiéndose a gritos que alguien empiece a cantar, aunque la habilidad para la evocación y el viaje sonoro quedan más que demostrados. Lo peor que se puede decir de Muzak es que, primero por su brevedad y segundo, por su carácter de sampler, no es fácil encontrar un único hilo conductor que nos ayude a disfrutar del conjunto como un todo coherente, si bien el 99% de su contenido es de altísima calidad. Lo mejor que puedo decir de Muzak, y con esto debemos quedarnos, es que Jorge Granda parece bullir de creatividad y ser plenamente consciente de sus posibilidades como compositor. Es difícil encontrar hoy en día una colección instrumental con tanta riqueza melódica en todos y cada uno de sus temas, y al final, por mucho que nos empeñemos en las atmósferas y los efectos, la belleza de las melodías sigue siendo -afortunadamente- un valor seguro. Otro músico español para tomar nota.

Pincha aquí para visitar la web del autor, donde podrás también escuchar algunos temas y adquirir el CD. Aquí, un reproductor con una buena selección de temas:

MUZAK LP by jorgegranda

Satisfacción Lab: el ruido premeditado.

2012-02-07T07:22:00.000-08:00

Hace un par de meses recibí un EP de Jorge Marredo, músico patrio que se mueve bastante -al parecer- al cobijo de las indudables posibilidades de Internet para difundir nuevas creaciones. Se titula Ad nutum, y es entendido por el autor, que publica bajo el seudónimo de Satisfacción Lab, como una sutil mezcla de realidad y fantasía a través de sonidos "cotidianos". Entiéndase esto último a un nivel más bien inconsciente, como perteneciente a las pequeñas escapadas mentales que realizamos cuando nos quedamos un momento... digamos en blanco. No estamos hablando de música que ilustre un mundo realista, ni un mundo fantástico, sino pura abstracción que exige un importante esfuerzo de concentración por parte del oyente. Tampoco es que se trate de música concreta en términos ortodoxos, pero sí que hay algo en ella muy de cada día: ruido.

Imagen promocional del EP Ad Nutum, de Satisfacción Lab, de Zeronoize.

El ruido molesta, el ruido irrita o desconcierta, aunque existe una rama en la música vanguardista actual que, con resultados variables, explora sus posibilidades como forma de expresión artística. Ruido intencionado, premeditado. Se conoce oficialmente como Noise ("ruido" en inglés, literalmente) y suele consistir en variaciones sobre espesos fondos de ruido de interferencias estáticas creadas en estudio, algo así como si grabásemos lo que suena en una televisión o un aparato de radio sin sintonizar, para luego añadir una variedad de sampleados sutiles, percusiones, efectos en cinta magnética o incluso voces. Buscando en páginas de consulta, descubriremos que el noise es una manifestación de aquella vanguardia de comienzos del siglo XX que fue el Futurismo, y que partía de la admiración hacia la tecnología como base para la creación artística y literaria. Ya estamos bastante lejos de componer una oda a la máquina de vapor o a las autopistas, pero seguimos nadando en un universo de electricidades y ondas varias que nos siguen a todas partes y que, aun sin que nos demos cuenta, nos envuelven por completo. Vivimos, por así decirlo, en la ciencia ficción que imaginaron algunos pioneros. No es de extrañar que haya músicos fascinados por la posibilidad de convertir el ruido de las máquinas en arte.

Fotografía artística de Jorge Marredo.

En Otras músicas. Otros mundos hemos comentado ya varios discos de dark ambient ("psicodelia oscura" también lo llaman por ahí, que personalmente me parece lo mismo aunque sean términos distintos) que inciden en las posibilidades del noise, como aquel tan estupendo de Lustmord o, hace unos días, el último de Marc Broude. Creo que Ad Nutum, el EP que comentaba al principio y que contiene un único tema, va mucho más allá en su grado de exigencia de cara al oyente. Debí comentarlo hace mucho, pero no he querido hacerlo hasta estar plenamente convencido de qué quería decir sobre él, para lo que he tenido que informarme mucho más a fondo sobre el noise y sus aledaños: la música industrial, la "música del tercer mundo", etc. Al final me he quedado un poco igual que al principio, porque Ad Nutum, como ejemplo claro de noise, me sigue desconcertando. ¿Realmente estoy escuchando algo que Satisfacción Lab ha plasmado ahí? ¿O soy yo quien oigo lo que quiero oír? No puedo responder a estas cuestiones, pero sí puedo recomendaros este enlace donde escuchar Ad Nutum y, de paso, plantearnos si el noise es o no ruido, y si el ruido puede ser o no bello. Por cierto, en este otro enlace podemos escuchar otras muy interesantes piezas del mismo autor. Habrá que seguirlo.

Penguin Cafe Orchestra - SIGNS OF LIFE

2012-02-04T02:44:00.000-08:00

1. Bean Fields (4:26)

2. Southern Jukebox Music (4:39)

3. Horns of the Bull (4:35)

4. Oscar Tango (3:15)

5. The Snake and the Lotus (The Pond) (2:56)

6. Rosasolis (4:22)

7. Dirt (4:49)

8. Sketch (4.22)

9. Pepetuum Mobile (4:28)

10. Swing the Cat (3:26)

11. Wildlife (10:57)

Érase una vez, en medio de la ciudad más gris del país más gris del continente más gris, una cafetería de fachada gris en cuyo interior sucedían cosas maravillosas. Uno podía ir caminando hacia su gris empleo en una mañana gris de otoño y detenerse, quizá por casualidad, a tomar un café en su interior. Allí se encontraría con que el local estaba regentado por pingüinos que no solamente servían las mesas con su divertido y torpe caminar, sino que tenían una pequeña banda, poco más que un grupito de cámara cuyas melodías apenas destacaban sobre el tintineo de las cucharillas en las tazas y el arrastrar de las sillas. El café le sabría a gloria y, adormecido por los tambores y violines, no tardaría en encontrarse caminando por verdes pastos bajo un cielo azul intenso, correteando con la candidez de la infancia entre simpáticos pingüinos músicos y despojado de todo pudor absurdo, de todo anhelo simplón del día a día en la gris oficina. Véase este enlace, posible influencia para toda esta iconografía.

Así podría empezar alguna clase de fantástica biografía de la Penguin Cafe Orchestra, el genial proyecto de Simon Jeffes, autor de una breve serie de álbumes que suponen el acercamiento más bonito y accesible realizado hasta ahora al mundo -a veces un poco espeso- del minimalismo musical contemporáneo. Ya comentamos hace mucho Music from the Penguin Cafe (1976), Penguin Cafe Orchestra (el homónimo, 1981) y Broadcasting from Home (1984), los tres primeros trabajos de la formación; y ahora le toca el turno al no menos magistral Signs of Life, de 1987. Preguntarnos si este trabajo es mejor o peor que este o aquel es perder el tiempo, porque cada uno de los títulos de la Orchestra es un hallazgo igualmente maravilloso para quien se lo topa por primera vez. Me remitiré, eso sí, a los tópicos habituales que describen las obras de Jeffes: folk insultantemente simple de un país imaginario, aproximación libérrima de la música académica a otras expresiones musicales más accesibles que parecen surgir de expresiones mínimas, sencillísimas; placer de explorar, innovar y enloquecer de pura belleza.

Portada de otra edición (la primera vez que la veo).

Simon Jeffes y su gente no eran la clase de músicos que destacan por su amplio anecdotario, de modo que tampoco hay demasiado que contar sobre la gestación o la promoción de Signs of Life. En todo caso, podríamos hablar de su frescura compositiva y su estructura muy bien equilibrada, con temas alegres e íntimos bien intercalados, piezas de largo desarrollo como la conclusiva y atmosférica Wildlife o pequeños milagros "made in Penguin" como la cuasi-mexicana Bean Fields o mis favoritas, las indescriptibles Rosasolis y Dirt. Para mucha gente, eso sí, Signs of Life es el álbum que contiene uno de los clásicos de la banda, Perpetuum Mobile, que a mi me suena un poco a versión clasicista con alguna variación del Music for a Found Harmonium de su álbum anterior.

Perpetuum Mobile, en vivo.

Como elemento ligeramente distintivo en el concepto, en todo caso se podría afirmar que Signs of Life es un álbum de plena madurez en el que la banda se atreve incluso a sonar más clásica y sobria de lo habitual en cortes como Oscar Tango o Southern Jukebox Music, sin perder un ápice de su sentido de la maravilla. Un disco imprescindible que hay que conocer sí o sí, aun con el peligro de pasarnos una semana tarareando entre dientes alguna de sus melodías. Está en Spotify.

Marc Broude - NREM

2012-02-03T01:30:00.000-08:00

1. Cure (3:08)

2. Bury Me in Plains of Silent Plants (4:36)

3. Maladaptive Daydreaming (13:53)

4. Breaking the Silence of the Soul (9:25)

5. Rites of Death (38:53)

En mi opinión, hay una manera muy interesante de distinguir entre todas las personas que hay en el mundo: las que tienen miedo de enfrentarse consigo mismas en soledad y las que gustan de hacerlo de vez en cuando. Yo pertenezco al segundo tipo, y precisamente por eso valoro, en esta realidad de cada día que es un follón constante, ese lujo que es el silencio. Creo que discos como NREM (2012) son lo inmediatamente posterior al silencio, en lo que a música se refiere.

Marc Broude, que promociona este álbum experimental enviándolo -como en mi caso- a diversas webs afines a su estilo, afirma que es su tercer y último disco. Ya comentamos por aquí su anterior Medicine (2009), aunque NREM me ha resultado incluso más rupturista. Como mínimo, cualquiera notará que ha aumentado su grado de oscurantismo lúgubre, y que los pocos "instrumentos" que podían distinguirse entonces a duras penas aquí se reducen casi del todo a ruidos capturados del entorno inmediato no musical (música concreta, por así decirlo) y todo tipo de trucajes artesanales a base de grabaciones en cinta y percusiones modificadas. Una marcianada que, la verdad, cuesta mucho recomendar a los neófitos.

Pero nadie ha dicho que Broude se dedique a los neófitos, y estoy seguro de que los aficionados al dark ambient y las atmósferas góticas y opresivas van a saber valorar NREM con justicia. El músico afirma que este álbum es una incitación hacia el subconsciente, una obra conceptual sobre diversos estados de ánimo para los que los esquemas musicales tradicionales no sirven en absoluto. Es el oyente el que va construyendo el significado de cada pieza musical según la escucha y la hace llegar a su psique; casi como si interpretase esas ambiguas manchas de tinta de los tests de Rorschach. Se diría, no obstante, que Broude apunta certeramente a las zonas más oscuras de nuestra mente, aquellas donde los temores humanos primarios permanecen latentes hasta que, en esos momentos de introspección a los que me refería al comienzo de esta entrada, afloran y nos topamos con ellos sin desearlo.

Esquizofrenia pura en esta imagen promocional.

Cure es el primer tema, una recitación maléfica a cargo de la artista conceptual Susanne Hafenscher que parece una psicofonía, con ruidos de fondo indefinibles y pitidos. Bury Me in Plains of Silent Plants ("Entiérrame en llanuras de plantas silenciosas", toma título) contiene casi en su totalidad ruido de fondo analógico con algún sobresalto estridente, bastante interesante en general. De Maladaptive Daydreaming existe una versión demo el doble de larga, aunque el original ya cumple bien su cometido: seguir aturdiéndonos con su negrura y sus efectos sonoros desasosegantes como de animales grotescos. Breaking the Silence of the Soul ("Rompiendo el silencio del alma") es otra progresión de ruidos y fondos difusos, igualmente impactante que lo anterior aunque no necesariamente distinta, salvo por un tramo final escalofriante; y finalmente la larguísima Rites of Death, que es más de lo mismo pero más largo y profundo. Estoy seguro de que tras varias escuchas resultará más fácil encontrar detalles distintivos entre los temas, aunque al principio todo suena como si fuese un solo corte, salvo quizá el tema inicial.

NREM es, en resumen, una puerta tenebrosa que no sabemos si queremos atravesar, un viaje en medio de la oscuridad hacia quién sabe qué sentimientos lúgubres. Dante se habría sentido identificado. Lánzate si te atreves, pero yo no me hago responsable de lo que halles al final de ese sendero.

Cómo perder el miedo a los verracos del rock progresivo.

2012-01-28T03:55:00.000-08:00

A ver cómo empiezo esto... Demos por sentado (a nivel teórico, al menos) que el rock progresivo, aquella evolución hacia el gigantismo de las formaciones de bajo-batería-guitarra que floreció en los setenta, ha muerto. Se suicidó, según parece, a causa de sus propios excesos: álbumes dobles o triples con temas de 25 minutos, pasajes indescifrables de algarabía instrumental desmedida, guitarristas que o rivalizaban con Hendrix o no eran nadie, teclistas virtuosos con quince dedos en cada mano, letras exquisitamente retorcidas, metafóricas, alegóricas, trascendentales. Si el rock era la voz mundial de la juventud, ningún joven se sentía identificado con lo que llegó a ser el rock progresivo, el rock predominante durante aquella bastante lejana década. Los jóvenes querían sentir que ellos también podían hacer rock, y no se resignaban a la aparente verdad de que había que nacer genio para estar ahí arriba iluminado por los focos.

Cayó el rock progresivo, pero como muchos mitos del siglo XX (y alguno del XXI) murió joven y dejó un bonito cadáver en forma de álbumes majestuosos, megalómanos, que, precisamente por la pátina de misterio que otorga la distancia en las fechas y el recuerdo de lo que fueron, siguen reeditándose en mil versiones para aficionados de a pie o coleccionistas babeantes. En esta entrada realizaré un breve análisis de algunos de los álbumes dobles más importantes y conocidos del prog-rock en términos absolutos, en orden cronológico, sobre todo para que quienes de verdad tengan interés por lo que se hacía en aquella época les pierdan un poco el miedo y se atrevan con ellos de una vez por todas.

Portada de Tales from Topographic Oceans, obra de Roger Dean.

Podríamos empezar con Tales from Topographic Oceans de Yes. Salió a la venta en 1973 y, a pesar de ser todavía fechas tempranas respecto al desarrollo de su género, ya tenía atisbos de "canto del cisne" por su enorme longitud, repartida únicamente en cuatro temas larguísimos de los que es difícil seleccionar un fragmento como ejemplo representativo. No fue especialmente bien recibido, aunque ha adquirido carácter de "álbum de culto".

Despliegue de portada y contraportada.

Se trata de un trabajo conceptual inspirado en el shastra, algo así como los pies de página de los escritos sagrados del budismo. Jon Anderson, Rick Wakeman, Chris Squire, Alan White y Steve Howe se recrearon en sus habilidades con pasajes interminables de recitación y ambientación instrumental, extrañamente fascinantes por su atmósfera como de ciencia-ficción o fantasía. Nunca está de más manejar las portadas del genial Roger Dean para meterse de lleno en el universo musical de cada trabajo de Yes.

Portada de The Lamb Lies Down on Broadway, obra de Storm Thorgerson.

El siguiente título a considerar es The Lamb Lies Down on Broadway, de Genesis. Publicado en 1974, narra la historia de Rael, un inmigrante puertorriqueño llegado a Nueva York que experimenta un viaje onírico-psicodélico en busca de su hermano, en el que se sucederán multitud de escenas surrealistas hasta el "renacimiento" final del protagonista. El argumento venía narrado en el interior de las tapas del LP. Los propios miembros del grupo no terminan de estar convencidos con el trabajo, sobre todo porque Peter Gabriel adquirió un protagonismo excesivo (incluso se afeitó una calva, casi una tonsura monacal, porque decía poder comunicarse mejor así con Rael) al ser prácticamente el único autor de las letras, y porque todo se realizó deprisa y corriendo.

Despliegue de portada y contraportada.

No obstante, crítica y público lo siguen alabando como una obra maestra por lo misterioso de su contenido y por su ambientación, mezcla de la creatividad casi milagrosa de Genesis en su mejor momento, y por la producción de Brian Eno. Destacan por su popularidad los temas Cuckoo Cocoon y, sobre todo, el inconmensurable The Carpet Crawlers (o Carpet Crawl, en alguna edición), que para muchos es la mejor canción individual que dio jamás el prog-rock, amén de un favorito personal. A continuación:

¿Cómo disfrutar de un álbum así? Se aconseja leer la historia del viaje de Rael, o mejor ir leyéndola sobre la marcha, aunque si uno se limita a sumergirse en el peculiar sonido abigarradamente melódico de Genesis (y si encima somos capaces de entender las letras) es prácticamente como leer un libro. De hecho, ya he comentado varias veces en el blog que, durante los años setenta, la música era el primer medio de entretenimiento, por encima incluso de la televisión.

Portada de Works Vol.1. Existen variantes según la edición, con o sin el logo de ELP.

En 1977 se publicó Works Volume 1, probable obra magna de Emerson, Lake & Palmer o ELP. Es un despiporre de egos desaforados, con cada miembro del grupo haciendo lo que le venía en gana. La primera cara es un concierto clásico para piano de Keith Emerson; la segunda una pequeña colección de temas lentos con fastuosos arreglos orquestales y corales, cantados por Greg Lake, la tercera una serie de versiones de clásicos por parte de Carl Palmer; y la cuarta, la única en la que el grupo toca como tal un par de temas muy complejos. Precisamente en esta última sección se encuentra uno de los himnos de ELP, su versión instrumental del tema de Aaron Copland Fanfare for the Common Man. Exceso, exceso y más exceso, aunque todo parte de la base indudable del genio de los tres músicos. Poco después se publicaría Works Vol. 2, aunque más que una secuela, se trata de un álbum de descartes del primero. Seguramente sea el trabajo que peor ha envejecido de los aquí comentados, aunque sigue siendo muy interesante.

Portada original de The Wall, de S. Thorgerson. Después se le añadiría el título a lo graffiti...

Finalmente, y compartiendo muchas características con los anteriores, está The Wall, de Pink Floyd, lanzado en 1979. A medio camino entre el desvarío surrealista de Genesis y las óperas rock que habían instituido The Who (Tommy, Quadrophenia), es una autobiografía no del todo encubierta de Roger Waters , quien ya sacaba la cabeza a la fuerza por encima del resto de la banda. Narra la vida de una estrella del rock, desde una infancia trágica marcada por la muerte del padre en la Segunda Guerra Mundial hasta una adultez en la que los excesos de la fama están a punto de conducirlo a la locura.

...Tal que así.

Obra oscura y árida donde las haya, The Wall es uno de los trabajos más políticos y explícitos de Pink Floyd, una banda que hasta entonces había trabajado mucho más en la línea de "el arte por el arte" y que sorprendió a todo el mundo al convertirse en el tercer álbum más vendido de todos los tiempos pese a su alto precio al ser doble; y, sobre todo, por ir a contracorriente, al estar la música mundial ya plenamente inmersa en la moda punk. Como ya sabemos, el director Alan Parker realizó una versión cinematográfica. Destacan aquí Hey You, Comfortably Numb, Run Like Hell y especialmente la archiconocida Another Brick in the Wall Part 2, curiosamente todas ellas compuestas a dos manos entre Waters y David Gilmour, que siempre ha tenido un mayor sentido de la comercialidad.

El vídeo de Another Brick in the Wall Part Two, también el single más vendido de Pink Floyd.

En todos los casos hablamos de álbumes conceptuales que no fueron igualmente acogidos por los fans, y que incluso amenazaron con -o directamente lograron- destrozar a los propios grupos desde dentro. Lo mejor que tiene escuchar discos así en la actualidad es comprobar cómo el aficionado a casi cualquier género puede encontrar algo interesante en ellos, desde el jazz y la música clásica a las nuevas músicas, pasando por el pop, las baladas rock y hasta por algo de heavy. Excesos, sí, pero también talento y creatividad. No creo que haya necesidad de que la música actual vuelva a hacer estas cosas, pero tampoco estaría de más que se recuperase algo de aquella magia. Ya veremos qué nos trae el futuro.

Hevia - TIERRA DE NADIE

2012-01-25T09:03:00.000-08:00

1. Busindre Reel (4:37)
2. Naves (4:38)
3. Si la Nieve (5:00)
4. Gaviotes (3:41)
5. El Garrotín (4:36)
6. El Ramu (3:01)
7. La Línea Trazada (3:30)
8. Llaciana (3:26)
9. Sobrepena (4:23)
10. Barganaz (3:32)
11. Añada (4:39)

Uno de los mayores fenómenos en ventas en nuestro país, me atrevería a decir que de todos los tiempos, fue el causado por este audaz lanzamiento del gaitero asturiano José Ángel Hevia, allá por 1998. No es que su propuesta fuese nada del otro mundo (fusionar la música celta con ritmos electrónicos), pero lograr que un disco instrumental venda un millón de copias en España y otro millón en el extranjero no es cualquier cosa. El pequeño milagro mainstream de Hevia se tituló Tierra de nadie, subtitulado en algunas ediciones internacionales como No Man's Land, y creo que su autor puede estar orgulloso de haber colocado este trabajo en el pequeñísimo olimpo de las "músicas no convencionales" españolas que consiguen asomar la cabeza en los auditorios del gran público.

Imagen interior de la carcasa del CD.

Huelga decir que los noventa (la segunda mitad, sobre todo) fueron una época de esplendor para los practicantes de la música celta, que obtuvieron enormes éxitos con álbumes recopilatorios de calidad variable, con músicos de otros ámbitos que hacían aquí sus pinitos o simplemente tomaban prestado y, en fin, con manifestaciones culturales del mundo celta que se extendían al cine en forma de películas tan conocidas como Braveheart, o a espectáculos musicales como Riverdande o Lord of the Dance. Internacionalmente les fue muy bien a vacas sagradas como The Chieftains o Liam O'Flynn, que vivieron una especie de segunda juventud -sobre todo los primeros-. Y en nuestra piel de toro, sobre todo en la zona norte, surgieron importantes figuras que, lejos de desaparecer con el cambio de las modas, parecen haber asentado el folk de la cornisa cantábrica (perdón por este término reduccionista) como una plaza bien fuerte en la música española. Ahí estuvieron dando la cara Carlos Núñez, Luar Na Lubre, el vasco Kepa Junkera, Berrogüetto, Cristina Pato, Javier Paxariño, los imprescindibles Milladoiro y un largo etcétera, más ortodoxos unos, más progresistas otros, supervivientes con la cabeza bien alta la gran mayoría. José Ángel Hevia parece haber quedado opacado últimamente, pero no dudo de que sigue en activo, y es posible que un momento dado vuelva con fuerza a la palestra.

El single Busindre Reel.

Tierra de nadie no fue el primer trabajo de Hevia, sino que ya había publicado otro en 1991 como premio al ganar un concurso de música tradicional. No es un músico que surgiera de la nada para dar el pelotazo de turno, sino que estaba bien curtido desde la infancia en el arte de su instrumento clave: la gaita. No obstante, su gran aportación a la música tradicional es ser co-creador de la gaita electrónica multitímbrica MIDI, una gaita como las de toda la vida, pero que no necesita ser soplada, y cuyo sonido es bastante sofisticado. Para hacer una descripción aproximada, su gaita es lo que una guitarra eléctrica a una acústica. Hevia aprovechó la innovación técnica para crear esta agradable propuesta de música celta hiper-tecnológica, acertando de pleno si entendemos que la gaita MIDI queda bastante mejor en un ambiente apropiado que colocada en un contexto del todo tradicional. Hay que admitir, cosa buena, que los arreglos electrónicos son elegantes y nada excesivos, así que por lo menos yo (que para algunas cosas soy un purista) no pienso quejarme.

Contraportada de la edición internacional.

Muchos de los temas de Tierra de nadie fueron publicados como singles, obteniendo tremendos éxitos incluso en las radiofórmulas más convencionales gracias a sus melodías sencillas y muy dinámicas, tal vez un pelín repetitivas para mi gusto, pero en todo caso acertadas de cara al consumidor medio. Un tema sonó incluso en la Vuelta ciclista a España. Los más conocidos son Busindre Reel y El garrotín, aunque hay algún otro que también nos sonará a todos. Uno de los detalles "cultos" que más me gustan del disco, teniendo en cuenta que tampoco es un trabajo especialmente profundo o sesudo en su conjunto, es la inclusión de pequeños fragmentos de cánticos en asturiano, se diría que cancioncillas salidas directamente de los labios de ancianos de esos pueblos norteños envueltos en nieblas. No tengo claro si son sampleados de archivo o fueron cantados para la ocasión, pero en cualquier caso añaden una capa de tradición que da bastante sabor a la mezcla. De hecho, Hevia ha sido nombrado académico de honor de la Academia de la Llingua Asturiana, que sin duda es un buen motivo de orgullo para el músico.

Edición especial con remixes.

Tampoco hay mucho más que decir, tratándose de un disco tan conocido. Es un álbum importantísimo por su trascendencia comercial y su impacto popular, y aun no siendo totalmente satisfactorio ni para los aficionados a la música celta más auténtica, ni para quienes gusten de algo artísticamente más denso, Tierra de nadie ha envejecido notablemente bien. No suceden muchos fenómenos como este en la música de nuestro país, y aunque solamente fuese por eso, Tierra de nadie y Hevia ya merecerían nuestro más sincero respeto y admiración. Por cierto, es un disco genial para escuchar mientras se conduce. Pero en el coche no hay Spotify.

Vídeo oficial de Busindre Reel.

Música de Vangelis para operaciones de columna.

2012-01-23T09:16:00.000-08:00

No es mi intención apuntarme el tanto del hallazgo (podéis ver la fuente original en el blog The Growing Bin, entre los enlaces a la derecha), pero no he podido pasar por alto algo tan rarísimo y sorpresivo como esto. Me he encontrado con que el bueno de Vangelis Papathanassiou, que está por aquí día sí, día no, grabó en 1998 un montón de horas de música para una colección de vídeos sobre cirugía de la columna vertebral. El autor de los vídeos es el Dr. Stergios Tegos, y el músico les aplicó su técnica de composición-interpretación instantánea con resultados atmosféricos, no muy melódicos. La idea fue hacer más llevadero este material técnico tan árido, aburrido y desagradable a los profesionales de la neurocirugía que se empeñen en verlo.

El Dr. Tegos comenta, en los textos que acompañan el pack de vídeos, que pidió a Vangelis 1) un electroencefalograma y 2) música para los vídeos de las operaciones. El músico no accedió al punto 1, pero sí al 2, comentando por su parte unas cuantas cosas sobre la conexión entre la naturaleza, la vida y la música. El doctor intenta también describir la técnica espontánea del compositor mediante términos neurológicos. Los textos han sido escaneados en uno de los archivos que podemos descargar en el blog referido.

Imagen incluida en el estuche de los vídeos.

Según comentan en The Growing Bin (está en inglés), alguien anónimo se ha pasado las navidades haciendo malabares con la edición de los tres vídeos VHS originales para regalarnos esta tremenda cantidad de material desconocido a los seguidores del griego, que para más alegría resulta tener una enorme calidad tanto en la composición como en el sonido. Para que os hagáis una idea, en total hay colgados 35 archivos para descargar, y los que he bajado por el momento están entre los 15 y los 25 minutos cada uno, lo que nos da una idea de lo que hay ahí. La página Vangelis Collector, que hace tiempo ya informaba de la existencia de esta publicación, habla de un total de 12 horacas de música. Completistas, al ataque.

Imagen procedente de Vangelis Collector. Agradecimientos a The Growing Bin.

Steve Hackett - BAY OF KINGS

2012-01-16T11:38:00.000-08:00

1. Bay of Kings (4:57)

2. The Journey (4:15)

3. Kim (2:25)

4. Marigold (3:39)

5. St. Elmo's Fire (3:08)

6. Petropolis (2:46)

7. Second Chance (1:59)

8. Cast Adrift (2:15)

9. Horizons (1:47)

10. Black Light (2:32)

11. The Barren Land (3:46)

12. Calmaria (3:23)

13. Time Lapse at Milton Keynes* (3:57)

14. Tales of the Rivebank* (2:02)

15. Skye Boat Song* (1:37)

*Bonustracks incluidos en la reedición del álbum en la discográfica del artista, en 1994.

"...la guitarra acústica es una pequeña orquesta que cobija a otros instrumentos. Pianos, cellos y arpas están escondidos en su interior..."

Texto incluido en la contraportada de la edición en CD.

Bay of Kings (1983) no es el primer álbum de Steve Hackett que comentamos en el blog, pero podría haberlo sido, por su calidad y su carácter único. Se trata del primer álbum completamente instrumental que publicó el ex-guitarrista de Genesis, y posee unas cualidades sonoras sobresalientes que lo convierten en una pieza imprescindible para los amantes de la música "inusual". Ojo, porque Bay of Kings no es un disco hermético o cerrado al público masivo, sino una obra delicada y hermosa que, por su carácter meditativo y centrado en la guitarra, se aleja un poco -que no una barbaridad- de lo que podía esperarse de un músico curtido en el mundo del rock progresivo más clásico. Hackett realizaría después obras geniales en una línea semejante, pero por alguna parte se empieza. Pero... ¿empezó aquí la cosa?

Contraportada del LP original.

¡No! Porque ya estando en Genesis, nada menos que en mítico LP Foxtrot (1972) ya podíamos encontrar una pedazo de joya instrumental titulada Horizons que, pese a su brevedad, adquirió una notoriedad especial dentro del álbum. Todo el mundo, por un motivo u otro, ha escuchado Horizons; y a quien no recuerde dóndem (incluso porque no lo ha hecho), seguramente le parecerá que la conoce igualmente. En varios de sus compases se inspira en una conocida pieza de J. S. Bach, aunque el sabor es genuinamente Hackett. Horizons no falta, en una nueva versión, dentro de este álbum de guitarra que estamos comentando.

Horizons en la versión de Foxtrot.

Cuando lo escuché por primera vez, tuve la impresión de que Bay of Kings era precisamente un álbum recopilatorio, o de versiones instrumentales de temas de este artista, pero no lo es. Se trata realmente de una aproximación al mundo de la música clásica que supone todo un ejercicio de riesgo y valentía por parte de un músico popular. De hecho, se sabe que este trabajo tuvo problemas a la hora de su publicación, ya que la compañía de Hackett no lo veía batiendo récords de ventas, de modo que el músico, que se negó a alterar el concepto original del álbum, se marchó de la compañía y publicó Bay of Kings en Lamborghini Records, la compañía discográfica del dueño de esta casa de coches de lujo.

Portada original, un retrato de Kim, la esposa de Steve Hackett.

Personalmente, nunca he sido aficionado a escuchar álbumes dedicados a un instrumento solista. Suelen volverse para mí rutinarios, pesados, insufribles según pasan los minutos y el virtuoso de turno sigue dándole al piano o al violín... Pero Bay of Kings es diferente, y no por la minucia de que las guitarras se vean sutilmente acompañadas por sintetizadores ambientales o alguna flauta, sino por el ambiente que logra recrear el autor. Sí, son 45 minutos de un tipo tocando la guitarra acústica, pero ¡qué guitarra! ¡Y qué producción! Se queda uno embelesado con los maravillosos efectos de eco de los temas de Hackett, con la exquisitez de la ejecución y la composición, que exprime al máximo esa calidez especial inherente al instrumento.

Fotografía utilizada en la contraportada del CD.

Los temas son todos maravillas sin parangón, desde los alucinantes Bay of Kings y The Journey con su sabor mediterráneo hasta el ejercicio de música descriptiva titulado St. Elmo's Fire, pasando por la dulzura como de cuento de Second Chance (perteneciente a una serie de televisión); todos perfectos, todos redondos, a la vez sobrios y cautivadores. Es la clase de música que parece emanar de la placidez pura, de la felicidad y la plenitud personal, de los sueños tal vez. Está completo en Spotify, aunque no puede seleccionarse el álbum como lista de reproducción autónoma. Maravilla.

The Journey, en vivo.

Nusrat Fateh Ali Khan / Michael Brook - NIGHT SONG

2012-01-12T11:04:00.000-08:00

1. My Heart, My Life (5:30)

2. Intoxicated (7:34)

3. Lament (5:14)

4. My Comfort Remains (6:39)

5. Longing (5:35)

6. Sweet Pain (6:28)

7. Night Song (4:47)

8. Crest (6:14)

Todo en la vida del cantante pakistaní Nusrat Fateh Ali Khan, cuyo ambiente familiar estaba ligado a la música desde hacía siglos, indicaba que su destino era erigirse como fiel defensor de la música religiosa sufí, de la tradición Qawwali. Pese a ser un estudioso, no se quedó en la pura erudición, sino que se unió al "ensemble" familiar y llegó a convertise, no solamente en máxima figura en su género dentro de su región geográfica, sino en un auténtico exportador de las sonoridades de Oriente Medio al resto del mundo. Aunque falleció en 1997, sigue siendo venerado como uno de los mayores mitos que ha dado la conocida como World Music.

Por supuesto, contribuyó mucho a su éxito su carácter abierto, entrañable para sus conocidos, que no se ahogó en purismos culturales o religiosos, sino que le hizo buscar la fusión con otros sonidos. Muchos artistas occidentales contaron con él para amalgamar sus cánticos ultraterrenos con estilos más accesibles en Europa y Estados Unidos, y Night Song (1996) es quizá su trabajo más representativo en este sentido. Unió aquí su buen hacer al del guitarrista y productor Michael Brook, invitados ambos por el sello Real World de Peter Gabriel. Mientras Brook se ocupa en Night Song de la instrumentación y los arreglos (junto a algunos otros invitados que se encargaron de instrumentos étnicos), Khan se limitó a hacer lo que convierte su música en una experiencia inconfundible: dejarse llevar en mitad del cántico, abandonarse en un éxtasis de virtuosismo del que solamente puede salir airoso quien tiene total confianza en su perfección técnica. Las múltiples filigranas que despliega el cantante en sus temas son sobrecogedoras, imposibles de copiar por su complejidad, tal como pueden serlo -a otro nivel- los quejíos del mejor flamenco, o qué sé yo.

Sir Nusrat Fateh Ali Khan y Michael Brook.

En general, Night Song puede considerarse un álbum más orientado a occidente que a oriente, sobre todo porque la voz de Khan es copiosamente arropada entre ritmos y fondos electrónicos de vanguardia. De hecho, hay quienes se quejan de que hasta bien entrado el disco no disfrutamos plenamente de uno de sus arrebatos vocales. El anterior trabajo de ambos en Real World, Mustt Mustt (1990), es algo más ortodoxo, más purista, seguramente porque se buscó un mayor grado de fidelidad al estilo originario de Khan; pero Night Song es más suave, más comercial incluso, si es que preferimos hablar claro. La página oficial de Michael Brook explica que la grabación del álbum se llevó a cabo aprovechando cada rincón de los estudios Real World, no solamente las salas específicas para ello; y que algunos de los músicos que intervienen en los temas fueron "reclutados" sobre la marcha, prácticamente según los veían pasar por allí. La idea era dotar a Night Song de frescura y variedad, aunque Khan tuvo la sabia y ortodoxa idea de contactar con varios poetas de Pakistán para que realizasen las letras de las canciones. Como anécdota, se comenta que el cantante se quedó prendado de los sonidos de un órgano Korg, nada del otro mundo, en detrimento de los instrumentos tradicionales de su banda.

Por destacar algunos temas, yo mencionaría el inicial My Heart, My Life, los muy sofisticados e interesantes Intoxicated y My Comfort Remains, y la poderosa Longing. Aviso: no es fácil escuchar el álbum, ya que no está completo ni en Spotify, donde pueden escucharse los temas sueltos en recopilatorios, ni en YouTube, de donde he rescatado un montaje de fotografías sobre My Heart My Life para que sirva como ejemplo de lo que contiene Night Song, al final de la entrada. Mejor bajárselo o comprarlo (no nos arrepentiremos en el segundo caso). Mencionar por último que se publicó un álbum titulado Star Rise en 1997 con remezclas bastante interesantes de ambos álbumes de Khan y Brook, aunque advierto que no en todas las páginas de Internet donde hay temas colgados tienen claro si son los temas originales o sus remixes.

Enigma - 6: A POSTERIORI

2012-01-10T10:43:00.000-08:00

1. Eppur Si Muove (3:41)

2. Feel Me Heaven (4:50)

3. Dreaming of Andromeda (4:26)

4. Dancing with Mephisto (4:25)

5. Northern Lights (3:39)

6. Invisible Love (4:55)

7. Message from Io (3:09)

8. Hello and Welcome (5:08)

9. 20.000 Miles Over the Sea (4:23)

10. Sitting on the Moon (4:21)

11. The Alchemist (4:41)

12. Goodbye Milky Way (5:58)

Hace ya bastante tiempo que comentamos el quinto trabajo de Enigma, titulado Voyageur. La verdad es que no pensaba tardar tanto en comentar el sexto, pero me ha venido a la cabeza de pronto, y ya va tocando. A Posteriori (2006) es el primer intento abiertamente cósmico de la formación que lidera Michael Cretu. Su argumento, un pelín difuso, trata sobre la astronomía en general y sobre la futura colisión de la Vía Láctea con la galaxia de Andrómeda. Está dedicado "a todos los visionarios de la raza humana".

Despliegue del libreto.

A Posteriori fue precedido con bastante antelación por un sencillo de escasa repercusión titulado Hello & Welcome lanzado en 2005 para promocionar un combate de boxeo (?), y que es uno de los pocos singles editados por Enigma que no estuvo relacionado directamente con ningún álbum. Fue incluido en A Posteriori de manera quizá algo postiza, aunque remezclado para facilitar el encaje en el contexto del álbum. Se puede escuchar todo el contenido del single en Spotify. A continuación, el vídeo oficial -con el tema original del single- en apoyo del boxeador con pinta de macarra Felix Sturm:

El conjunto del disco me agrada bastante. No es que A Posteriori sea un trabajo imprescindible, ya que se enmarca en los años de decadencia de Cretu y los suyos, pero se siente en él todavía mucha frescura, mucha imaginación y, sobre todo, mucho afán por seguir ampliando los horizontes conceptuales de la formación alemana. Es una obra muy electrónica, alejada casi del todo del etnicismo, el erotismo light y la pseudo-religiosidad de sus primeros discos; sustentada sobre todo en la elaboración de patrones rítmicos por encima de melodías. De hecho, el tema elegido como single promocional, Goodbye Milky Way es una de las canciones más flojas y carentes de chispa en toda la trayectoria del proyecto. Es en esencia un álbum instrumental con algún tramo cantado, aunque sí merece la pena destacar la muy bonita Sitting on the Moon, en la que el propio Cretu se defiende más o menos bien como vocalista tras muchos intentos mediocres en trabajos previos.

Imagen del interior del estuche del CD.

A Posteriori es, sobre todo, un estupendo ejercicio de creación de atmósferas cósmicas, muy actuales y electrizantes, de altísima tecnología (Cretu estrenaba para la ocasión un nuevo estudio móvil con sonido 5.1 llamado Alchemist), perfecto para quienes gustamos de deleitarnos con la nitidez y perfección de la música electrónica de más alta calidad. Es un gran placer para los sentidos dejarse llevar por temas como el inicial Eppur Si Muove ("Y sin embargo, se mueve", como dijera Galileo cuando salvó el cuello ante los inquisidores), Dreaming of Andromeda o Message from Io, aunque en general no se puede decir que el álbum tenga mucho material de relleno. En todo caso, hablaríamos de que hay en él algunos temas más resultones que otros. No falta algún que otro sample clásico.

Trasera del CD.

El sexto álbum de Enigma tuvo también alguna variante en Internet, lanzándose una versión remezclada en iTunes que se tituló A Posteriori Private Lounge Remix, con todos los temas revisados para darles un ambiente más discotequero, más de pub. Se publicó, además, una versión en dvd del álbum original con algún remix añadido e imágenes de acompañamiento. No lo he visto, pero supongo que irá en la línea de otros vídeo-álbumes del grupo, muy dado a este formato desde sus inicios. Por cierto, he encontrado en YouTube algunos vídeos interesantes con una entrevista a Cretu, aquí y aquí.

Portada alternativa (¿De una edición especial? ¿De los remixes?).

Resumiendo, podríamos decir que A Posteriori es un buen disco en la medida en que sigue caminando hacia adelante respecto a lo que Engima había realizado antes, aunque quizá le falte algo de ambición y peque de una cierta desgana en algún momento. No hay en él temas comerciales fuertes que lo catapultasen en su momento al estrellato, con lo que seguramente será siempre uno de los discos menos populares de la formación de Michael Cretu. Y sin embargo, se mueve. En Spotify.

Hans-Joachim Roedelius - WENN DER SÜDWIND WEHT

2012-01-05T05:48:00.000-08:00

1. Wenn Der Südwind Weht (4:11)

2. Weinchenwurzeln (5:01)

3. Mein Freund Farouk (4:14)

4. Mutee (4:11)

5. Freudentanz (2:00)

6. Goldregen (1:00)

7. Auf Leisen Sohlen (3:47)

8. Saumpfad (8:30)

9. Sonnengeflecht (3:25)

10. Felix Austria (4:21)

"Cuando sopla el viento del sur" es el poético título del séptimo álbum en solitario de Hans-Joachim Roedelius, ex-componente de los estupendos Cluster. Ya habíamos comentado por aquí Durch Die Wüste (1978), su primer álbum, que es bastante menos accesible que éste y, sin embargo, podría guardar con él alguna clase de extraño parecido que se intuye por sus portadas.

No tengo ni idea de si hay conexión o es pura casualidad, pero de entre los discos de Roedelius que podría haber comentado, me ha gustado ir a por este. Wenn Der Südwind Weht se publicó en 1981, un año relativamente tardío respecto a los mejores embites del krautrock y la Kosmische Musik (música cósmica alemana). Cluster ya había tenido pleno contacto con Brian Eno y había internacionalizado su sonido, y otros clásicos del gremio como Tangerine Dream caminaban ya hacia nuevas etapas algo más prosaicas de su trayectoria. Roedelius parece hacer en este álbum una especie de amalgama entre lo antiguo y lo contemporáneo, ya que Südwind mezcla por un lado la sencillez primitiva, "a pelo" de los primeros tiempos de la música electrónica teutónica -pensemos en álbumes como Autobahn de Kraftwerk- con estructuras musicales menos estáticas, menos basadas en texturas que la música cósmica clásica setentera.

Hans-Joachim Roedelius

Si en los largos álbumes electrónicos y conceptuales de la década anterior predominaba un afán de buscar el trance, la sutil progresión a través de piezas de veintitantos minutos de duración, en Südwind se aprecia que Roedelius seguía considerando a su banda Cluster como su mayor inspiración, amén del trabajo de otros artistas como los músicos ambientales y new age norteamericanos, e incluso álbumes de moda como Oxygene. Tanto Cluster como Jarre y los antes mencionados Kraftwerk solían decantarse más por las piezas cortas e intensas que por los largos desarrollos, y Roedelius mantiene estas ideas a comienzos de los ochenta, utilizando toda la sabiduría tecnológica de que disponía para lograr un álbum maravilloso y, sobre todo, comprensible para un público masivo.

Los temas de Wenn Der Südwind Weht son como pequeños paseos en un tiovivo, luminosos, divertidos y soñadores, con una transparencia cristalina y una belleza naïf que parecen renunciar al experimentalismo en favor del puro disfrute sensorial. Añade Roedelius a cada corte la dosis necesaria de distorsión, de "lijado" para que los sonidos no sean estridentes, sino dulces y sinuosos, amén de un poco retro. Se nota que entre Cluster y Eno se intercambiaron muy buenos consejos. Cada tema del álbum es una exquisitez en sí mismo, pero personalmente me he dejado cautivar por la imaginativa Auf Leisen Sohlen y Felix Austria, que en sus compases esconde un alma de vals. Otras piezas como Mutee o Sonnengeflecht nos hacen pensar, entusiasmados, en lo mucho que estas obras electrónicas han influido (directa o indirectamente) en la música vanguardista y electrónica actual. Un disco no muy conocido, pero excelente a todos los niveles y muy muy optimista. Vale la pena descubrirlo y disfrutarlo. En Spotify. Debajo, el tema homónimo del álbum montado sobre bonitas imágenes de archivo en B/N.

Lisa Gerrard / Patrick Cassidy - IMMORTAL MEMORY

2012-01-02T13:53:00.000-08:00

1. The Song of Amergin (5:27)

2. Marantha (Come Lord) (3:43)

3. Amergin's Invocation (6:19)

4. Elegy (6:41)

5. Sailing to Byzantium (5:04)

6. Abwoon (Our Father) (4:12)

7. Immortal Memory (4:28)

8. Paradise Lost (7:03)

9. I Asked for Love (5:00)

10. Psallit in Aure Dei (9:01)

Superadas ya las chorradillas de la última entrada, vamos con algo muy serio. Muy muy serio. Se trata de Immortal Memory (2004), álbum de la ex-componente de Dead Can Dance Lisa Gerrard y el compositor Patrick Cassidy.

En primer lugar, dejaremos claro que no se trata de un álbum fácil de escuchar, aunque tampoco es una de esas obras opacas para los muy expertos que asustan un poco al neófito. Immortal Memory es un disco oscurantista, tan solemne que llega a sonar casi funerario de no ser por algunos momentos épicos que nos transportan a una especie de Edad Media mítica de guerreros y batallas entre las nieblas del norte de Europa. Gerrard y Cassidy se conocieron más o menos en la época en que la primera intervenía en la banda sonora de Gladiator (2000). Quienes recordéis esa película, probablemente recordaréis también su banda sonora, obra bastante representativa del chunda-chunda de Hans Zimmer de no ser por la inusual abundancia en ella de cortes mucho más íntimos, sorprendentemente delicados, en los que Lisa Gerrard puso voz y también algo más de espíritu que el que tuvieron todas aquellas fanfarrias de Zimmer, calcadas de clásicos unas, pedestres otras.

Lisa Gerrard

Immortal Memory podría entenderse, a modo meramente descriptivo, como una profundización en ese ambiente de la parte espiritual de Gladiator, aunque el compañero bloguero Faustinger explicaba en su excelente página Nuevas Músicas que tuvo como impulso inicial un encargo de Mel Gibson para La Pasión de Cristo que no llegó a cuajar. Es muy probable, teniendo en cuenta las letras en arameo de algún pasaje; y considerando que el álbum fue promocionado por sus autores como una narración musical cíclica sobre el nacimiento, la muerte y la vuelta a la vida.

Lo cierto es que, si en los mejores trabajos de Dead Can Dance nos sumergíamos en atmósferas góticas intemporales, vanguardistas incluso, en Immortal Memory nos recreamos en algo más "de época", quizá menos telúrico, pero de un calado igualmente hondo. Ayuda bastante el que Patrick Cassidy (a quien no debemos dejar en segundo plano) se haya especializado en crear melodías pseudo-medievales que han funcionado bien en algunas películas de éxito más o menos recientes. La excepción podría ser el primer tema del álbum, The Song of Amergin, que podría encajar perfectamente con algún desolado paisaje post-apocalíptico con tanta facilidad como en un episodio de la leyenda artúrica. Su tuétano es celta (Amergin era un druida, uno de los primeros patriarcas del pueblo irlandés), pero el resto es digno del paisajismo gótico inexplicable que ha hecho famosa a la Gerrard, así como de su capacidad para mimetizarse con diferentes estilos étnicos que hace suyos sin dificultades.

Portada alternativa.

Hay algún momento no tan sobrio en Immortal Memory, como las más bien marciales Amergin's Invocation y Sailing to Byzantium, pero el núcleo duro del álbum está encarnado en sus invocaciones y cánticos elegíacos, entre los que destacan entre otros el "gladiatoriano" Abwoon y el etéreo Paradise Lost.

No recomendaría Immortal Memory a personas con tendencia a la depresión, pero sí a quienes nos gusta retirarnos con la imaginación a lugares remotos que, más allá de paisajes, personas o hechos concretos, están asociados con una emoción imposible de reproducir en el mundanal ruido del presente. Estaríamos hablando casi de un cuadro impresionista casi perfecto, de no ser porque la música, cuando suena sin el acompañamiento de la voz solista, revela su naturaleza algo más artificial de lo deseable, demasiado "soundtrack" muchas veces, demasiado sintética y descafeinada otras. Habría funcionado todo mucho mejor si Gerrard y Cassidy hubiesen contado con una verdadera orquesta sinfónica para sus pasajes más clasicistas, porque en algún momento se ve el cartón. Aun así, creo que es un trabajo recomendable que posee muchas más virtudes que defectos, y con un nivel musical lo bastante alto como para empezar el año en buena forma. En Spotify.

Video-montaje amateur sobre el tema Immortal Memory.

Lo que llegará en 2012.

2011-12-28T08:12:00.000-08:00

Ración de noticias para el año que está a punto de comenzar. Parece que vuelven casi todos los músicos favoritos de este blog con un proyecto u otro, así que muy atentos a las novedades que vayan surgiendo.

- Hecho un chaval después de sus recientes trabajos con Spielberg, John Williams ha sido anunciado formalmente como autor de la banda sonora de la nueva película de Roland Emmerich (Independence Day, El día de mañana), con quien ya trabajó en El patriota (2000). La película, basada en un videojuego clásico mundialmente conocido, trata sobre la aparición de enormes bloques poligonales de colores sobre la ciudad de Moscú, después en otras ciudades del mundo, que irán girando misteriosamente sobre sí mismos y cayendo sobre ellas a la velocidad de asteroides, sembrando el pánico y la destrucción mientras van encajando unas sobre otras. El músico estadounidense tuvo una gran repercusión en el género en los años '70, cuando puso música a diversas cintas de catástrofes como Terremoto o El coloso en llamas, así que ya sabe dónde se mueve. Williams ha declarado que en este momento se encuentra componiendo un leitmotiv para el bloque en forma de T, mientras que la fanfarria principal de la partitura (ya compuesta) corresponderá al bloque en forma de L.

Poster "teaser" del estreno en el Reino Unido.

- Jean Michel Jarre, en su línea de compromiso social como embajador de la UNESCO, lanzará en algún momento de 2012 su nuevo trabajo de estudio, que versará sobre la actual crisis económica y los recortes en derechos que están sufriendo distintos sectores de la sociedad. Indignado como el que más, Jarre ha compuesto una gran sinfonía para órgano Casio a pilas, en solidaridad con quienes han visto mermadas sus posibilidades laborales en tiempos recientes. Se rumorea que piensa sustituir el espectáculo láser de su actual gira europea por un show algo menos ostentoso.

Fragmento del cartel promocional de la gira.

- Edgar Froese y la enésima formación de Tangerine Dream publicarán en breve, únicamente en la página oficial y en iTunes, su nuevo trabajo. Movidos por el auge de la música en español y atendiendo a la línea de su sonido clásico de los ochenta, Froese y los suyos se recrearán en una serie de versiones de un conocido grupo tecno-pop de talla internacional. Aquí enlazo con uno de los temas que serán versionados en este nuevo álbum.

- A comienzos del verano se espera que Mike Oldfield continúe con sus reediciones de álbumes clásicos. Esta vez será el turno de Platinum y QE2. Para sorpresa de sus seguidores, Oldfield asegura que estará en posición de ofrecer el resto de su catálogo de los ochenta antes de 2013, ya que cuenta con un colaborador de lujo que se está encargando de las remezclas 5.1. Se llama Bobo, y es un orangután congoleño perfectamente adiestrado.

Mike Oldfield y su nuevo amigo y productor Bobo.

En palabras del genial creador de Tubular Bells: "he aprendido de los errores cometidos en Incantations. No puede dejarse un álbum tan complejo en manos de un macaco, así que esta vez he hecho que me manden al yate un simio superior. Tal vez en Amarok me atreva con un chimpancé; quiero un trabajo perfecto en este caso, y pienso dar lo mejor". Según fuentes del club de fans oficial, hay posibilidades serias de que el músico se retire definitivamente dentro de un año para dedicarse en exclusiva a sus mayores aficiones: el travestismo y la tortura ritual de animales de granja.

- La discográfica de Philip Glass ha anunciado el retraso de su nuevo trabajo para dos pianos, interpretado por él mismo junto al conocido pianista Richard Clayderman. Parece que Glass -diabético- ha sido ingresado en una exclusiva clínica neoyorquina con los niveles de azúcar en sangre por las nubes. No se conoce la fecha en que retomará el trabajo en el estudio de grabación, pero el virtuoso Clayderman ha aprovechado el lapso para publicar catorce nuevos CDs con versiones al piano del repertorio de Iron Maiden.

Fotografía tomada con motivo de la primera colaboración del dúo, a comienzos de los '70.

Glass comentaría con posterioridad: "tenía las almorranas garrapiñadas".

- El compositor norteamericano Yanni, famoso por crear obras poseedoras del "efecto Mozart" (que desarrolla la capacidad mental del oyente a largo plazo), publicará a mediados de febrero un álbum de título todavía desconocido en el que intentará aplicar las cualidades terapéuticas de su música a aquellas parejas que desean mejorar sus relaciones íntimas. Se habla ya del "efecto Siffredi". No es el primer artista que se pasa este año al campo de lo erótico, si consideramos que Klaus Schulze ha realizado el tema principal del filme alemán directo a dvd Peludas y meonas 5.

- ¿Echábamos de menos al prolífico Brian Eno? Pues resulta que vuelve en 2012 con una nueva entrega de su saga Ambient, la quinta esta vez. Parece que el proyecto nos toca muy de cerca, ya que Eno -habitual de Ibiza en invierno y de Benidorm en verano- se centrará en el folklore patrio como base para sus largos desarrollos instrumentales. Cinco piezas contiene Ambient 5: Balls of the Bull, tales como Manuel, Don't Get Close to the Wall, tratada como una gimnopedia de Satie; o My Small Yellow Water, en la que contará con la recitación de un texto por parte del poeta amigo Rick Holland en clave ecologista y en favor del reciclaje.

Portada del nuevo álbum de la serie Ambient.

Howard Shore regresa a la Tierra Media.

2011-12-22T11:58:00.000-08:00

Hoy me he levantado viendo el trailer de El Hobbit: un viaje inesperado, la próxima película de Peter Jackson que supone su regreso a la Tierra Media y a muchos de los personajes ya clásicos de El Señor de los Anillos. Pese a las desavenencias entre Jackson y el multipremiado compositor de la trilogía, Howard Shore, durante el rodaje de King Kong (2005), los créditos finales del avance desvelan que Shore retoma su trabajo con Gandalf y los hobbits donde lo dejó. Además, buena parte de la música del propio trailer podría pertenecer a la nueva banda sonora, ya que parece bien integrada en el contexto musical de la saga y (por lo menos yo) no logro identificarla con ninguna otra película, así que hay posibilidades de que estemos ante otra maravilla como las anteriores. Porque hay un trocito de mitad para el final que tiene saborcillo a tema central, y suena muy bien...

Queda exactamente un año para ver la película, aunque iremos sabiendo mucho antes qué artistas colaborarán con Howard Shore en esta banda sonora. Recordemos que en la trilogía de hace diez años estuvieron entre otros Sir James Galway, Sheila Chandra, Annie Lennox, La Filarmónica de Londres y las London Voices, Emiliana Torrini, Renée Fleming, Elizabeth Fraser, Miriam Stockley (acabamos de mencionarla en la crítica de Adiemus II) y la mismísima Enya, así que seguramente se involucrarán nombres interesantes en las sesiones de grabación.

P. D.: Ya sé que el trailer ha sido colgado en otros 50.000.000.000 blogs de todo tipo por unos motivos u otros, pero tonto el último.

Adiemus - (II) CANTATA MUNDI

2011-12-22T01:58:00.000-08:00

1. Cantus - 'Song of Tears' (9:01)

2. Chorale I (Za Ba Ma) (1:50)

3. Cantus - 'Song of the Spirit' (6:09)

4. Chorale II (Roosh Ka Ma) (1:50)

5. Cantus - 'Song of the Trinity' (6:11)

6. Chorale III (Vocalise) (2:20)

7. Cantus - 'Song of the Odyssey' (7:25)

8. Chorale IV (Alame Oo Ya) (2:59)

9. Cantus - 'Song of the Plains' (11:26)

10. Chorale V (Arama Ivi) (1:21)

11. Cantus - 'Song of Invocation' (8:45)

12. Chorale VI (Sol Fa) / Cantus - 'Song of Aeolus' (5:46)

13. Chorale VII (A Ma Ka Ma) (1:18)

Karl Jenkins es el cerebro tras Adiemus, la formación sinfónica y coral que llegó a publicar siete álbumes, sobre todo en los noventa. Ya comentamos hace mucho el primero de ellos, cuyo título era Songs of Sanctuary, y no había continuado con la saga al no haber tenido ocasión de escuchar el resto. Finalmente me he hecho con Cantata Mundi, el segundo álbum de la serie, y la verdad es que me ha gustado el reencuentro.

Karl Jenkins (de Wimbledon Choral Society).

Songs of Sanctuary (1994) fue un gran éxito en su momento, sobre todo gracias al single Adiemus y su amplia difusión en radio y televisión, ya sea a modo de videoclips con delfines o en campañas publicitarias. No fue aquella la primera formación que se centrase en grandes corales new age, ni sería la última, pero siempre tuvo un toque de distinción incluso para aquellos que, como yo, acabamos un poco hartos de tanto escuchar esos casi siempre irritantes coros de niños. El secreto estuvo en lo seriamente que Jenkins se tomó el trabajo, con unas orquestaciones muy cuidadas, atmósferas logradísimas y melodías bien maduradas. Cierto que quizá el primer álbum se hacía algo pesado al escucharlo completo de una sentada, pero cada una de sus partes aisladas y dosificadas valía un potosí. El segundo álbum, Cantata Mundi (1997), sale mejor parado en su audición continua.

Dos portadas distintas. Hubo casi una por cada país donde se publicó.

Karl Jenkins, que es un compositor clásico perteneciente a la esfera pop (no sé si se entiende el calificativo), se lo montó bien para dar a Adiemus II una estructura más elaborada, más organizada que a Songs of Sanctuary, de modo que su carácter programático lo convierte en una obra más llevadera. Cada uno de los temas "importantes" del álbum van precedidos por pequeñas piezas prácticamente a capella, ejercicios vocales poderosos y breves que dan dinamismo al álbum. Jenkins sabe cómo proyectar sus obras sinfónicas a una audiencia amplia gracias a su experiencia en composición de sintonías publicitarias, algunas veces realizando creaciones de corte neo-romántico, otras -como aquí- con pinceladas étnicas algo difusas. En Cantata Mundi se aprecian ecos orientales, aunque a este respecto no supone una evolución demasiado destacable respecto al trabajo previo.

Otras dos portadas. Hay alguna más por ahí.

Sí que hay alguna novedad en la instrumentación, como un mayor uso de instrumentos de viento, tanto exóticos como convencionales. Por ejemplo, el primer tema Song of Tears ("Canción de lágrimas") tiene algún pasaje con trompetas que recuerda mucho, y para bien, al estilo elegante de John Barry en las bandas sonoras de James Bond. El resto de temas se mueve entre la solemnidad de un himno religioso y la épica colosal, con excelentes interpretaciones de la Orquesta Filarmónica de Londres y la cantante solista Miriam Stockley, que ya estuvo en Songs of Sanctuary y no podía faltar. Los coros también son muy particulares, en parte infantiles, en parte femeninos, en parte tribales pseudo-africanos o polinesios, en parte religiosos. Como ya dije antes, pueden ser un pelín pesados por su omnipresencia, pero Jenkins sabe equilibrar las cosas y le sale un gran disco. En la edición de Estados Unidos se incluyeron dos temas extra: Cantilena y Elegia. No está mal para empezar las fiestas con el espíritu ensanchado. En Spotify.

Vuelve Vangelis. Seguramente. Esperemos...

2011-12-18T07:43:00.000-08:00

(fotografía de Efstathios Zalidis)

Parece que en poco tiempo tendremos nuevo material del compositor griego. Esta semana realizó uno de sus muy escasos conciertos, en Qatar, para inaugurar un anfiteatro ultramoderno situado en Doha y celebrar el cuarto foro de la Alianza de Civilizaciones de las Naciones Unidas. Según se comenta en varias fuentes, consistió en material totalmente nuevo compuesto para la ocasión bajo el título de Choral Fantasy, además de dos bises: Chariots of Fire y Conquest of Paradise (cómo no). Parece tratarse de una obra en tres partes sustentada tanto en coros adultos e infantiles como en voces líricas solistas, que reivindica los lazos culturales existentes entre Occidente y Oriente Medio. Me atrevo a decir que está en la línea de Mythodea (2001), aunque probablemente sea una obra algo más festiva, menos sobria.

La cosa incluye los rayos láser de Gert Hof (el del concierto de Mike Oldfield en Berlín), proyecciones enormes y a Jeremy Irons como maestro de ceremonias, todo muy pomposo y lleno de colorines al gusto de aquellos emiratos de por allí. Debajo, un vídeo de los ensayos.

Parece que el director de cine Hugh Hudson (Carros de fuego, Greystoke) ha filmado el evento para su edición en vídeo doméstico. Últimamente anda colaborando con Vangelis en más de un proyecto, incluyendo una película autobiográfica. Probablemente Choral Fantasy también se publicará como álbum en vivo, el primero en la carrera del músico si es que efectivamente estas informaciones son ciertas. Hay que decir que Vangelis ha realizado ya unos cuantos conciertos conmemorativos con música original, aunque nunca han sido publicados anteriormente salvo en el caso de Mythodea; por eso es mejor no dar nada por sentado. Si llega a estar disponible publicaré una reseña, por supuesto.

Por otra parte, en el Festival Vivacello de Moscú se presentó el pasado mes de septiembre la obra estrictamente clásica Elegy for Cello and Orchestra. Esta pieza, muy interesante, no tiene visos de ver la luz en CD. A continuación el vídeo, aunque seguramente muchos de vosotros/as ya lo hayáis visto.

Mike Oldfield - THE KILLING FIELDS

2011-12-13T13:54:00.000-08:00

1. Pran's Theme (0:44)

2. Requiem for a City (2:11)

3. Evacuation (5:14)

4. Pran's Theme 2 (1:41)

5. Capture (2:24)

6. Execution (4:47)

7. Bad News (1:14)

8. Pran's Departure (2:08)

9. Worksite (1:16)

10. The Year Zero (0:28)

11. Blood Sucking (1:19)

12. The Year Zero 2 (0:37)

13. Pran's Escape / The Killing Fields (3:17)

14. The Trek (2:02)

15. The Boy's Burial / Pran Sees the Red Cross (2:24)

16. Good News (1:46)

17. Étude (4:37)

El productor David Puttnam fue uno de los grandes nombres del cine británico en la década de los ochenta. Con su ayuda salieron adelante películas como Carros de fuego, Un tipo genial (Local Hero) o La misión, todas ellas caracterizadas, amén de por su calidad y sus éxitos en taquilla, por sus famosas bandas sonoras. No sé si fue cosa de Puttnam, pero el caso es que allí estuvieron Vangelis, Mark Knopfler o el mejor Ennio Morricone, amén de que fue él quien contó con una desconocida Enya para la película The Frog Prince. El primer éxito del director Roland Joffé se tituló Los gritos del silencio, y su productor David Puttnam llamó en este caso al popular músico inglés Mike Oldfield.

Mike Oldfield

Los gritos del silencio (The Killing Fields, 1984), logró hacerse con tres Oscars y fue una de las películas más celebradas de aquel año, aunque hoy en día no es especialmente famosa entre el público masivo. Una de las cosas que más vivas continúan del filme es su música, contenida en uno de los álbumes más raros del ya de por sí inclasificable Oldfield. No está entre sus discos más representativos, y seguramente tampoco es el favorito de muchos fans, pero The Killing Fields es su única banda sonora cinematográfica y uno de los mayores logros creativos de su carrera. En 2008 se publicitó Music of the Spheres como el primer álbum clásico de Mike Oldfield, y The Killing Fields seguía estando ahí para desmentirlo categóricamente.

Oldfield acababa de asentarse como músico en alza en los ochenta con los éxitos de Five Miles Out (1982) y sobre todo Crises (1983), que contenía su gran canción pop Moonlight Shadow. No sé muy bien por qué se le llamó precisamente a él, en aquel momento de su carrera, para poner música incidental a una película dramática que ni siquiera por su ambientación tenía mucho que ver con su universo musical. Probablemente se debió a una estrategia mercantil que aseguraría la asistencia a las salas de los fans del músico, que eran legión. La cosa es que Mike Oldfield estuvo a la altura del encargo, logrando una banda sonora rica en matices y muy variada en melodías y sonoridades.

Contraportada de la edición de Virgin en CD.

La composición fue realizada en un Fairlight (el sintetizador de moda, utilizado después a mansalva por Oldfield en una gira de conciertos), David Bedford se ocupó de la orquestación que le diese empaque clásico, y el alemán Eberhard Schoener de la dirección de la Orquesta del Estado de Baviera. David Bedford, por cierto, aportó la composición propia del tema The Year Zero. Y Mike Oldfield se reservó sus parcelitas no orquestales en varios de los temas, a fin de que se notase su presencia y el álbum pudiese ser mínimamente reconocible como suyo. Encima los productores le pidieron que grabase una segunda tanda de temas tras la primera entrega realizada, cuando Mike ya andaba en otras cosas, como el álbum cuasi-pop Discovery de aquel mismo año, lo que seguramente contribuyó a esta gran variedad tonal del álbum resultante.

Imagen del interior de la carpetilla del CD.

The Killing Fields, la película, narra la historia real de dos periodistas: Sydney Schanberg y Dith Pran, envueltos en los acontecimientos de la guerra en Camboya a principios de los setenta. Mientras el equipo norteamericano al que pertenecía el primero pudo escapar a Estados Unidos tras el golpe de estado de los Jemeres Rojos, el segundo -nativo camboyano- sobrevivió a duras penas a la barbarie de un campo de exterminio. La banda sonora tiene como principal leitmotiv la sencilla melodía que Oldfield crea para Pran, que se escucha con emotividad en Pran's Theme y con grandiosidad épica en Pran's Depature. La mayor parte del álbum corresponde, no obstante, a música incidental perteneciente a secuencias muy concretas para las que el músico se estruja los sesos conceptualmente hablando. En algún recopilatorio se recoge el tema Evacuation, muy interesante; y la mayoría de los demás temitas cortos logran un sonido peculiarmente asiático que funciona bastante bien en la película. Un buen ejemplo de estos esfuerzos puede verse en este vídeo, explicado en primera persona y en español por Roland Joffé y Mike Oldfield:

Hablábamos antes de las parcelitas que se guarda Mike para su propio lucimiento en The Killing Fields. Son pocas y breves, y prácticamente en ningún momento escuchamos su particular sonido de guitarra, salvo discretamente en Bad News. Por lo demás, lo más parecido a un tema Oldfield se encuentra en otros como Good News y sobre todo el tema principal del disco -que no de la película, donde brilla por su ausencia-, Étude. Aquí el vídeo en HD.

Este último está en casi cualquier recopilatorio de Mike Oldfield y en muchas antologías de bandas sonoras, aunque no se trata de una composición propia sino de una versión de los Recuerdos de la Alhambra de Francisco Tárrega que Mike añadió en un último barrunto. Es lo más conocido del disco, y en su momento llevó al álbum a obtener unas muy buenas cifras de ventas. Sonó bastante en radio y televisión.

Portada del single Étude.

Concluiré con una valoración personal. Escuché por primera vez este álbum junto con el anonadante Amarok, y debo decir que no le presté especial atención. Seguramente eso mismo ha pasado con la mayoría de seguidores del músico, aunque una audición relajada y exhaustiva de The Killing Fields revela en seguida un trabajo delicado y de una madurez tremenda. Oldfield no intenta en ningún caso destacar sobre la historia contada, y su música está del todo al servicio de las imágenes, saliendo incluso perjudicada por un uso algo superficial por parte del encargado del montaje. Creo que The Killing Fields es otra demostración de la versatilidad artística y la variedad de estilos que Mike Oldfield ha ido tocando con acierto a lo largo de su carrera, y como tal merece una atención preferente. Es realmente bueno. Terminamos con una suite made in YouTube:

Björk - BIOPHILIA

2011-12-10T09:09:00.001-08:00

1. Moon (5:45)

2. Thunderbolt (5:15)

3. Crystalline (5:08)

4. Cosmogony (5:01)

5. Dark Matter (3:22)

6. Hollow (5:50)

7. Virus (5:26)

8. Sacrifice (4:02)

9. Mutual Core (5:06)

10. Solstice (4:41)

La cantante y performer islandesa Björk tenía que pasar por aquí en algún momento, y si tenemos en cuenta que Biophilia (2011) es su disco más experimental hasta la fecha, creo que la elección ha sido la correcta. Esta mujer siempre ha sido una "rara avis", aunque la mayor parte de su producción musical hasta la fecha puede calificarse, en un sentido amplio, de pop electrónico vanguardista. Lo de Biophilia es más difícil de definir.

Biophilia contiene la voz inconfundiblemente traviesa y juguetona de Björk, sus quiebros imposibles y esa manera extraña suya de cantar casi sin cantar, como si hablase entonando sus palabras armónicamente y alargando algunas palabras con dramatismo. Pero no encontraremos unos patrones rítmicos o melódicos que, de nuevo en un sentido amplio, estaban presentes en sus anteriores trabajos. Aquí la música es minimalista y de reminiscencias infantiles -piensa uno en cajitas de música y cosas por el estilo-, nada recargada, dejando que la voz lleve casi todo el peso del trabajo. Además, parece que Björk cantase muy muy cerca del micrófono, cerca de nuestra oreja, susurrando más que otra cosa. Advierto desde ya que la escucha de Biophilia puede ser harto complicada.

Imagen promocional.

Pienso que hay dos motivos principales para esta "reducción" cuantitativa en la elaboración y producción de los temas. Por una parte tenemos el deseo de la cantante de expresar musicalmente ciertos procesos naturales, telúricos incluso, que resultan más creíbles si la música se reduce a su mínima expresión y artificio. Por otra parte, está la intención última de Biophilia, que es la de mostrar las no muy amplias posibilidades actuales del mundo digital a la hora de acercarse a la creación artística. Prácticamente todo en el álbum ha sido creado en un iPad mediante la tecnología de la empresa Apple, y Björk lo concibe como un proyecto que incluye tanto el propio álbum como una gira, promoción a mansalva mediante Facebook y Twitter, y sobre todo una serie de conferencias técnicas (lecciones magistrales, quizá) que llevará a cabo para explicar todo este jaleo informático que personalmente tanto me abruma. Es como si Björk, en el fondo, quiere decir que cualquiera puede hacer algo así en casa con un montón de cacharritos con puertos USB. Más información donde siempre.

En lo estrictamente musical, que es lo que interesa al fin y al cabo, decir que Biophilia es todo un delirio en lo referente a la experimentación sonora, ya que en él se utilizan "instrumentos" tan curiosos como un "gamelesta", mezcla de gamelán y celesta, ruidos no musicales indefinidos y hasta una lámpara Tesla (sí, de esas que lanzan rayos); y tanto los ritmos como ciertas aproximaciones sonoras hacen referencia directa -o responden con matemática precisión- a conceptos tan técnicos como la constante expansión del Universo, la estructura del átomo, el ADN, la rotación planetaria... Lo malo de todo esto es que, si no es porque te puedes informar gracias al tremendo volumen de información que circula sobre el álbum, no tendrías ni idea, ni en un millón de años, de que todo eso está ahí. Sí que está Björk, desnuda y descarnada, con sus típicos cánticos arrebatadoramente sentimentales, mezcla de sufrimiento y rito ancestral.

(Otra) imagen promocional.

Yo creo que, dejando a un lado tanto la devoción por los gadgets más caros como la afición de Björk por el Discovery Channel, Biophilia puede verse como un álbum loable por lo arriesgado, por estar dirigido a un público tal vez inexistente fuera de sus fans de toda la vida, interesante sobre todo por sus atmósferas enrarecidas y su carácter hermético. Una marcianada interesante pero que invita a la mayor de las cautelas. En Spotify. Para terminar, los vídeos oficiales de Crystalline y Moon. Björk sigue siendo mucho más fuerte en audio-vídeo que solamente en audio.

Deep Forest - BOHEME

2011-12-07T11:31:00.000-08:00

1. Anasthasia (1:48)

2. Bohemian Ballet (5:15)

3. Marta's Song (4:13)

4. Gathering (4:38)

5. Lament (3:09)

6. Bulgarian Melody (3:08)

7. Deep Folk Song (1:15)

8. Freedom Cry (3:17)

9. Twosome (4:06)

10. Cafe Europa (4:17)

11. Catharina (2:52)

12. Bohème (4:36)

Aunque no tenga excusa, he descubierto el segundo y más exitoso álbum de Deep Forest hace muy poco tiempo. Se titula Boheme, es de 1995 y es el trabajo de más éxito del dúo formado por Michel Sanchez y Eric Mouquet. El título hace referencia a un extenso territorio situado en la República Checa, seguramente porque es allí donde los de Deep Forest viajaron -musicalmente hablando- en este gran logro de su "música étnica electrónica". Les dieron el Grammy de aquel año en la categoría correspondiente.

Eric Mouquet y Michel Sanchez.

Generalmente, hablar de música étnica es sinónimo de irse a África, Sudamérica, Oriente Medio o el sureste asiático; se nos olvida que las manifestaciones culturales propias de los pueblos del mundo están en todas partes, por ejemplo en el este de Europa. Entre el amasijo étnico de aquella zona (limítrofe desde siempre entre varias civilizaciones) pueden rastrearse diversas formas de canto e interpretación instrumental, y muchos ejemplos de ello han sido grabados por estudiosos para su conservación como patrimonio cultural. Al igual que sucedió en el álbum debut de Deep Forest, aquí tiran de sampleados para confeccionar sus estimulantes temas electrónicos casi bailables, pero esta vez dotándolos de una frescura todavía mayor que la primera vez.

Otra vez podríamos estar hablando del carácter invasivo, colonialista incluso, de la música occidental; y sin embargo, el resultado que obtienen Sanchez y Mouquet en Boheme es tan colorista, tan hermoso, que no podemos pensar que la etnia gitana romaní, la más ampliamente representada en el álbum, pueda sentirse estafada. Se les mezcla con loops de todo tipo, ritmos potentes y arreglos sintéticos, sin faltar sus brevísimas y omnipresentes vocecitas africanas insertadas como guiños... y sin embargo en ningún momento quedan ocultas las almas de las canciones originales.

Márta Sebéstyen

El tema más conocido de Boheme es sin duda Marta's Song, titulado así porque actúa en él como vocalista la húngara Márta Sebestyén, presente también en Bulgarian Melody y Twosome. Su voz cristalina y dotada para la floritura melódica funciona muy bien en todos ellos y, de paso, ayuda a consolidar la coherencia interna del álbum. Se trata con todo merecimiento del tema más conocido de Deep Forest junto a Sweet Lullaby, y todo el mundo lo ha escuchado alguna vez, seguramente mediante algún anuncio de televisión (¿perfume?).

Trasera del CD.

No obstante, el resto de temas proceden de vocalistas no profesionales de todo tipo. Realmente suenan como personas normales (ancianos casi todos, me atrevo a decir) que estuviesen recitando viejas tonadillas alrededor del fuego, acompañadas por algunos instrumentos originales como el bonito acordeón de Deep Folk Song. Pero tampoco es que necesiten los Deep Forest recurrir siempre a las fuentes étnicas, ya que son capaces de crear maravillas sonoras de primera mano como la primera parte de Bulgarian Melody, justo antes de esa parte tan auténtica, delicada y hermosa con la que concluye; o la melodía de sintetizador de Bohème, el fantástico tema final del álbum.

Este exquisito trabajo es desde ya uno de los imprescindibles del blog. Para alegría nuestra, también está en Spotify. A continuación, el vídeo de Marta's Song y el tema Freedom Cry, también bastante popular.

Irene Papas / Vangelis - RAPSODIES

2011-12-05T07:05:00.000-08:00

1. Ti Ipermacho Stratigo / To my Champion and Commander (6:52)

2. O! Gliki Mou Ear / Oh, my Sweet Springtime (8:42)

3. Ton Nimfona Sou Vlepo / I See your Bridal Chamber All Bedecked (1:37)

4. Rapsodia / Rhapsody (5:26)

5. Tin Oreotita Tis Parthenias Sou /

The Beauty of your Virginity and the Splendor of your Purity (4:42)

6. Christos Anesti / Resurrection (7:23)

7. Asma Asmaton / Song of Songs (11:13)

La segunda colaboración entre la actriz Irene Papas y su compatriota girego Vangelis Papathanassiou data de 1986 y lleva como título Rapsodies. A diferencia del trabajo previo Odes (1978), centrado en los cánticos triunfales de la época de guerras entre Grecia y la Turquía otomana, Rapsodies se construye a base de himnos religiosos bizantinos, de tradición ortodoxa, propios de la Semana Santa griega. Pero este álbum es más que eso. Es una nueva demostración de que Vangelis parece haber sido elegido por el panteón olímpico para crear una sonoridad helénica plenamente actual, vanguardista y al mismo tiempo inexplicablemente arcana de la que el mundo griego en general puede sentirse orgulloso. Es una maravilla que pone la piel de gallina.

Irene Papas, en el interior del LP.

En ningún momento nos parece hallar en Rapsodies rastros de música futurista o cósmica pese a que la instrumentación y los arreglos son profunda y sofisticadamente electrónicos, sintéticos a más no poder. En 1986, estaba claro que Vangelis no pensaba formar parte del gremio convencional de la new age, y su sonido había encontrado hacía tiempo el equilibrio perfecto entre exuberancia digital y sobriedad clásica. Ninguna ráfaga tipo "viento", ninguna cortinilla de tintineos galácticos, ningún desvarío virtuoso de teclado opaca los profundos cánticos de Irene Papas y el carácter ritual de la obra. El mejor tema del álbum, O! Gliki Mou Ear ("¡Oh! Mi dulce primavera") es buen ejemplo de ello, amén de una de las composiciones más solemnes, más potentes y cautivadoras que soy capaz ya no solo de recordar, sino incluso de imaginar. La épica introducción instrumental Ti Ipermacho Stratigo ("A mi campeón y comandante") y la segunda mitad de Christos Anesti (o "Resurreción") tampoco se queda atrás.

Vangelis Papathanassiou, en el interior del LP. De Vangelis Movements.

Pero hablando de composiciones, debe apuntarse que Rapsodies es una mezcla de himnos tradicionales con creaciones de Vangelis para la ocasión, mezclando unas y otras de manera que, aunque el sonido está plenamente unificado y sin fisuras, es complicado saber qué es totalmente nuevo, qué ha sido arreglado y qué se mantiene intacto según la liturgia religiosa. Según leo en la estupenda web Vangelis Movements, parece que solamente el tema instrumental Rapsodia es del todo nuevo, y en los demás queda la incógnita.

Para entender la verdadera dimensión de la colaboración Papas-Papathanassiou es imprescindible mencionar la larga lista de colaboraciones llevadas a cabo entre ambos, quizá empujados naturalmente por el hecho de figurar entre los artistas griegos más populares mundialmente en sus respectivos campos. Irene Papas trabajó con Vangelis en dos álbumes como dúo, aunque también estuvo presente en el álbum de rock conceptual 666, del grupo Aphrodite's Child, en el que Vangelis era teclista y compositor principal. Lo que marca con más fuerza el carácter de Rapsodies es, sin embargo, la serie de montajes teatrales clásicos en los que Vangelis puso música a las actuaciones de la actriz. Entre ellas se encuentran las muy respetadas versiones teatrales de Medea, Elektra, Las Troyanas, Hécuba y Antígona, algunas estrenadas hace solo cinco o seis años.

Portada de la última reedición.

Se aprecia en Rapsodies que Irene Papas es antes actriz que cantante, por el dramatismo que aporta a cada una de sus intervenciones y la fuerza expresiva de su voz. Además, el hecho de no tratarse de una vocalista profesional otorga credibilidad a estos cantos religiosos que son propios del pueblo "llano" durante los ritos pascuales. Si los cantase una soprano o alguien por el estilo, perderían su esencia. Al final, Vangelis e Irene consiguen que su trabajo conjunto sea un duelo interpretativo entre genios que dan lo mejor de sí mismos. Qué barbaridad. Está en Spotify.

Vídeo montado con el tema Christos Anesti como fondo. Espectacular.

Este otro, con O! Gliki Mou Ear, tampoco está mal.

Paraísos musicales en la Red: el blog de Chief Dundee.

2011-12-04T12:48:00.001-08:00

Cabecera del blog, con fotos de los grandes músicos del cine.

Hace tiempo que sigo el blog de Chief Dundee, y la verdad es que cada día me gusta más. Para quien no lo conozca, decir que este señor francoparlante se ha especializado en las bandas sonoras de cine, o mejor dicho, en trabajar un poco con ellas para crear algo nuevo y muy interesante. Su web no solamente ofrece la posibilidad de conseguir scores de cine descatalogados o ediciones "extendidas" o "completas" en plan bootleg, sino que su plato fuerte son sus "suites", en las que realiza resúmenes de álbumes originales mediante una muy sutil y acertada selección de los temas centrales, reordenados con una coherencia que da carácter completo a las piezas. Estas remezclas reeditadas, de unos treinta minutos, son auténticas exquisiteces que funcionan a la perfección a la hora de redescubrirnos aquellas bandas sonoras que ya nos son familiares, con mucha frescura y sin las partes menos... menos esenciales. Casi siempre da en el clavo de lleno, y con un respeto tal hacia las obras originales que en ningún caso nos sentimos agredidos los más aficionados al género de la música de cine.

Lo mejor de todo es que las suites pueden ser descargadas libremente por los usuarios, con una calidad de sonido más que aceptable (incluso en formato .flac). Creo que incluso acepta encargos. Está en mi lista de blogs desde el principio, y también aquí. A disfrutar.

Tangerine Dream - CYCLONE

2011-12-01T10:10:00.001-08:00

1. Bent Cold Sidewalk (13:05)

2. Rising Runner Missed by Endless Sender (5:00)

3. Madrigal Meridian (20:28)

Todas las discografías de los mejores grupos tienen por lo menos una oveja negra. En el caso de Tangerine Dream, formación alemana estandarte de la electrónica Escuela de Berlín, esa oveja se llama Cyclone. En general, y a falta de entrar en más detalles, Cyclone fue un patinazo coyuntural que, sin embargo, con los años ha ido recuperando su imagen pública para formar hoy en día parte del mejor ramillete de aquel grupo mítico. Hay, por supuesto, quien todavía se resiste.

Tangerine Dream, en una foto promocional del álbum (creo).

Cyclone (1978) tiene como mayor defecto la incursión de letras cantadas por primera vez en un álbum de Tangerine Dream. Teniendo en cuenta la fecha de publicación, no sería raro considerar que la banda de Edgar Froese pudiese estar interesada en pasarse al rock progresivo vía "space-rock". Los monstruos de los setenta como Yes o Genesis estaban entrando ya en la decadencia tras su mejor época, viéndose obligados a la decisión de renovarse o morir ante la incursión del fenómeno punk y el "tú también puedes reunir a los colegas en un garaje y gritar contra el sistema" que los acababa de convertir en dinosaurios de la noche a la mañana; y vienen los de Tangerine Dream, que iban para arriba sin tropiezos, a apuntarse a una liga en horas bajas en la que tenían muchísima personalidad que perder y -quizá- algún dinerillo que ganar. Es una forma de verlo, aunque hay otras posibles.

Acababa de irse de la banda Peter Baumann, y fue sustituido por Steve Jolliffe, que se encargó de cantar esta especie de himnos electrónicos extraños de Cyclone. No tiene una gran voz, la verdad, y seguramente debió limitarse a su faceta como experto en instrumentos de viento. Bent Cold Sidewalk, el primer corte del álbum, comienza con una introducción ampulosa que en seguida entra de lleno en la canción, para después moverse entre las clásicas notas de secuenciador de TD y las flautas de Joliffe. Para cuando llega este segundo tramo del tema, más de un fan ya había lanzado el vinilo por la ventana como si fuese un frisbee. Rising Runner Missed by Endless Sender es igual de controvertido, perfectamente Tangerine en su estructura pero de nuevo con alma prog, además de unas voces muy agresivas, todavía menos acertadas. De no ser por ellas y por la preponderancia de lo melódico sobre las texturas electrónicas, habría sido un clásico instantáneo.

Madrigal Meridian al completo.

La redención llega con Madrigal Meridian, un largo tema instrumental que ocupa toda la segunda cara del LP. Es tan hipnótico como siempre (y mejor), tan electrónico como siempre (y mejor), tan Tangerine Dream como siempre (y mejor), llevando a la banda hacia otro movimiento en pos de lo melódico bien entendido, que viene a casar equilibradamente los ritmos repetitivos con las atmósferas cósmicas. Supone un prometedor avance tras el ya estupendo Stratosfear, su anterior álbum de estudio si exceptuamos la banda sonora de Sorcerer. Absolutamente estupendo, vibrante y cósmico, Madrigal Meridian es la prueba de que Cyclone fue en realidad un error de planteamiento, de concepto, que no un desastre en cuanto a creatividad se refiere. Froese, Franke y Jolliffe quisieron innovar con algo realmente original, y erraron el tiro de la mejor manera posible: realizando una obra fallida aunque imprescindible que alcanzó la fama de "álbum maldito", nunca de "álbum malo".

Trasera del LP.

Esto nos lleva, para concluir, a la obligada reflexión sobre el integrismo inmovilista de los fans de la música popular. Hay muchísimos grupos y solistas en el mundo que llevan treinta o cuarenta años haciendo más o menos lo mismo porque saben que si intentan salirse del tiesto los seguidores de toda la vida se los comen. El miedo de los fans, por supuesto, consiste en pensar que el nuevo rumbo se va a mantener y la banda ya no va a volver a ser la misma. Quizá sea por aquello que dicen algunos músicos: "yo soy mi último disco y los anteriores no importan", que no deja de ser verdad, pero que parece querer invalidar carreras completas solamente por una puntual salida de tono. Desde luego, Tangerine Dream volverían al redil para nuestra tranquilidad. Cyclone está en Spotify.

Las sinfonías de los planetas.

2011-11-25T13:30:00.000-08:00

Portada del estuche con la colección completa, en 5 CDs.

No creo que haya comentado nunca una obra musical que se ajuste de forma tan perfecta al título del blog. Y lo de "obra musical" es aquí más discutible que nunca, considerando que se trata de una grabación de campo realizada por las sondas espaciales Voyager, con arreglos (llamémoslos así) de la NASA.

¿Y qué rayos es esto? Pues se trata literalmente de la música de las esferas que Platón, Cicerón, Kepler o Newton intuyeron desde el punto de vista de la ciencia. La vida imita al arte, y resulta que los planetas emiten ondas que pueden ser registradas como sonidos audibles por el ser humano. Los campos electromagnéticos de las atmósferas, el viento solar, el plasma del vacío interplanetario, las gigantescas mareas de la gravedad en los gigantes gaseosos y sus lunas heladas más allá del cinturón de asteroides... todo ello fue dejando una impronta sonora en los sensores de las sondas Voyager durante las décadas de los setenta y ochenta mientras se aproximaban poco a poco hacia el vacío interestelar, fuera de nuestro Sistema Solar, en el que se encuentran ahora. No perderemos del todo el contacto con ambas sondas hasta alrededor de 2025, y de momento ya han llegado mucho más allá de lo que cualquier ser humano puede siquiera imaginar. Alguien tuvo la feliz idea de editar estos sonidos para crear estas extrañas sinfonías que son el summum total de la música concreta.

Portada del primer CD, en la edición individual. ¿Se vendieron por separado los 5 CDs?

Escuchar las largas grabaciones contenidas en esta colección pone los vellos como escarpias, ya que los sonidos reales del espacio parecen surgir de ese mundo eternamente solitario y abismal con la misma capacidad "relajante" que poseen esos sonidos de ballenas y oleajes que todos conocemos de la new age de toda la vida. Pero aquí los zumbidos, los chasquidos de estática, los vientos que llegan y se van, están producidos por esferas tan enormes que nuestro planeta cabe en su interior varias decenas de veces, por el sutil y perfecto roce que los astros producen al vagar por sus invisibles raíles en el vacío. Sé que me estoy poniendo dramático, pero aseguro que la cosa es para tanto, y para mucho más.

Escuché estas sorprendentes grabaciones gracias al desaparecido blog Zamboni Soundtracks, hace un par de años, y desde entonces he estado preguntándome si debía reseñar en mi página unos álbumes que ni siquiera sabía si los lectores podrían conseguir. He confirmado que Symphonies of the Planets (1992) está descatalogado, pero veo que es muy fácil de descargar en multitud de sitios web, así que os invito a descubrir la colección en su totalidad. Es impagable, e incluso produce vértigo.

El disco de oro de las sondas Voyager.

Como curiosidad, recordar que las sondas Voyager 1 y 2 llevan acopladas en sus carcasas dos placas de oro en forma de disco, con grabados que "envían un saludo" a otras civilizaciones que puedan interceptarlas durante su viaje, idea de un comité científico presidido por Carl Sagan. La curiosidad a la que me refiero es que las sondas contienen también un muestrario de sonidos de nuestro planeta en la otra cara del disco, tanto naturales como musicales (música clásica y étnica, sobre todo, para que esas otras civilizaciones nos conozcan mejor) que se reproducen como un LP convencional, y no deja de ser interesante que el universo, al menos su parte no habitada, ya nos ha enviado a cambio su propia música. En Spotify tienen un buen trozo, y en YouTube puede escucharse buena parte (tal vez la totalidad) de las grabaciones, como por ejemplo esta muestra:

Toto / Brian Eno - DUNE

2011-11-24T10:41:00.000-08:00

1. Prologue (1:51)

2. Main Title (1:21)

3. Robot Fight (1:12)

4. Leto's Theme (1:46)

5. The Box (2:40)

6. The Floating Fat Man (The Baron) (1:24)

7. Trip to Arrakis (2:37)

8. First Attack (2:46)

9. Prophecy Theme (4:26)

10. Dune (Desert Theme) (5:31)

11. Paul Meets Chani (3:07)

12. Prelude (Take my Hand) (1:01)

13. Paul Takes the Water of Life (2:52)

14. Big Battle (3:08)

15. Paul Kills Feyd (1:53)

16. Final Dream (1:24)

17. Take my Hand (2:41)

Puestos en faena con las bandas sonoras más curiosas de los ochenta, no puede faltar esta pequeña joya realizada para la controvertida adaptación del clásico de ciencia-ficción Dune, a cargo del perro verde David Lynch. En este caso es muy necesario ponernos en antecedentes para ver cómo llegó el proyecto a manos del grupo de pop-rock progresivo Toto. Sé algo sobre la película, y estoy en posición de hacer mi propia crítica de esta banda sonora que he escuchado muchísimas veces, aunque sobre Toto no sé demasiado, así que remito a los interesados a la Wikipedia o similares, si lo que quieren es ilustrarse sobre la vida y milagros de sus componentes. Total, es probable que no saquen mucho en claro respecto al álbum, ya que es una rareza absoluta en su discografía.

La idea de adaptar Dune, la aclamada novela de Frank Herbert sobre el enfrentamiento de las casas Atreides y Harkonnen en el año 10.000 y pico en el desértico planeta Arrakis, surgió en los setenta como proyecto soñado del polifacético Alejandro Jodorowsky, que planeaba una especie de epifanía psicodélica encarnada en una película grandiosa, carísima, con Dalí y Orson Welles en el reparto, y con música de... sí, otra vez sacamos a colación a Pink Floyd. Con el tiempo, y habiéndose quedado la cosa en agua de borrajas al colapsarse por su propio peso insostenible, Dino De Laurentiis tomó cartas en el asunto y ofreció lo poco que se había hecho en muchos años con Dune a Ridley Scott, que la rechazó para rodar Blade Runner, y cayó en manos de Lynch, que a su vez rechazó para ello la realización de El retorno del jedi. Su película Dune se estrenó en 1984 tras muchas reescrituras del guión, problemas con el montaje y mil problemas más que la convirtieron en un disparate narrativo y un fracaso comercial muy sonado. No obstante, hay muchas cosas que se salvan de aquella película, como su banda sonora, y con los años ha ido ganando pedigrí entre los cinéfilos.

Portada de una edición expandida.

¿Por qué demonios Toto? Primero porque era una alternativa "barata" (que no se me enfaden los fans) a Waters, Gilmour y compañía; segundo, porque en los ochenta estaban de moda las bandas sonoras raritas con elementos pop, desde el Flash Gordon de Queen a la ya comentada Lady Halcón, con Andrew Powell y Alan Parsons, pasando por el batiburrillo que montó Giorgio Moroder para la restauración del clásico mudo Metrópolis o los experimentos fílmicos de Tangerine Dream en Legend o Mike Oldfield en Los gritos del silencio. Simplemente se llevaba probar cosas nuevas, y no todas salieron igual de bien. Pero esta sí, porque la música de Toto (que probablemente se asustaron bastante ante la escala del encargo) casa de manera casi milagrosa con las atmósferas enrarecidas de David Lynch, tanto en las partes más ambientales como en las fanfarrias épicas rockeras. El propio cineasta metió mano en más de un momento, no siempre para bien, pero el balance general es mucho más que positivo. Se puede decir incluso que su música ha ayudado a Dune a convertirse en película de culto mucho más que otras cosas, precisamente por su excelente efectividad.

Uno de los carteles de la película.

La música de Dune es una exquisita fantasía musical de ciencia-ficción, mezcla de música electrónica, música clásica (aportada por la Orquesta Sinfónica de Viena, nada menos) y algo de rock, aunque tan discreto es este último toque que las guitarras eléctricas parecen estar presentes mucho más para dar empaque a la orquesta que para reivindicar el sonido de una banda del género. El conjunto es estupendo, una gozada que hace volar la imaginación de manera sorprendente, desde el Main Title hasta la algo convencional -pero resultona- balada instrumental para los créditos finales. Por el camino nos encontramos maravillas como Leto's Theme, solemne y delicada, The Floating Fat Man con su sabor como a Bach, la ominosa Trip to Arrakis con sus coros, la espectacularísima Big Battle, las geniales piezas de acción con toques tribales Robot Fight y Paul Kills Feyd... incluso en las composiciones incidentales como The Box los de Toto dan en el clavo rotundamente. Mención aparte merecen Dune (Desert Theme), que desentona bastante y no creo que se incluyese en la película; y Prophecy Theme, obra ambiental bastante lograda de Brian Eno, que ahonda en el misticismo mesiánico de Paul Atreides y añade profundidad al conjunto pese a que se nota que es un añadido. Ediciones posteriores del álbum la han eliminado, por lo que recomiendo la adquisición de la versión original, cuya portada encabeza esta entrada.

Estupendo montaje amateur sobre el tema de Brian Eno. No perdérselo. Ni este.

Tal y como sucede con la propia película, que posee una versión extendida bastante interesante, circulan algunas versiones expandidas de su banda sonora. Esto puede deberse tanto a que el álbum original estaba muy recortado, como a que algunas de las ediciones en CD tenían una calidad de sonido pésima. Este disco es todo un descubrimiento para quien no lo conozca, así que lo recomiendo fervientemente. Es de los gordos. En Spotify.

Andrew Powell / Alan Parsons - LADYHAWKE

2011-11-22T01:47:00.000-08:00

1. Main Title (2:59)

2. Phillippe's Escape (1:40)

3. The Search for Philippe (3:25)

4. Tavern Fight (Philippe) (2:08)

5. Tavern Fight (Navarre) (2:38)

6. Pitou's Woods (4:04)

7. Phillippe Describes Isabeau (1:11)

8. Bishop's Procession (2:50)

9. Wedding Music (1:41)

10. Navarre's Ambush (4:53)

11. Imperius Removes Arrow (1:33)

12. Chase / Fall / Transformation (2:06)

13. Cezar's Woods (5:29)

14. She Was Sad at First (2:06)

15. Navarre Returns to Aquila (1:36)

16. Turret Chase / The Fall - Film Version (2:46)

17. Wolf Trapped on Ice (2:34)

18. Navarre and Isabeau's Duall Transformation (2:06)

19. Navarre and Marquet Duel (4:22)

20. Marquet's Death (1:59)

21. Bishop's Death (2:26)

22. Final Reunion / End Title (8:14)

23. Ladyhawke Theme (Single Version) (3:35)

Lady Halcón (1985) es una de esas películas que felizmente recordamos como "estupendos divertimentos de los ochenta", una de esas películas que sin ser maravillas absolutas del séptimo arte eran capaces de reunir unos aspectos formales muy cuidados con una historia original y entretenida. No en vano, su director Richard Donner fue responsable también de uno de los colosos generacionales de la época, Los Goonies.

Ambientada en una Edad Media realista pero con importantes pinceladas mágicas, Lady Halcón es una de las mejores películas del subgénero espada-y-brujería que recuerdo. Hoy en día suelen hacerse cosas bastante más convencionales y esquemáticas en el cine comercial, como siguiendo una línea previamente marcada para que el público no se sienta agredido. Aquí no es que se asuman grandes riesgos, pero sí alguno que otro. Por ejemplo, una banda sonora que mezcla pop y rock progresivo con instrumentación clásica tradicional. La polémica está servida.

El encargo de la música de Lady Halcón cayó en manos de Andrew Powell, orquestador de lujo que ha trabajado con músicos tan conocidos como Al Stewart, Kate Bush, David Gilmour o Chris Rea. Sin embargo, tengo clarísimo que los productores de la película contrataron a Powell porque con él iba de la mano el mítico Alan Parsons. No en vano, y pese a las colaboraciones antes mencionadas, Powell era el tercer elemento de cualquier disco de The Alan Parsons Project, justo detrás del tándem Parsons-Woolfson, e incluso a la par de ambos en algún punto. Suya es la larga suite instrumental The Fall of the House of Usher de Tales of Mystery and Imagination. Edgar Allan Poe, y las estupendas piezas instrumentales que jalonan todos los álbumes del Project son también cosa suya.

Rutger Hauer y Michelle Pfeiffer como Navarre e Isabeau, en una foto de la carpeta del CD.

La banda sonora de Ladyhawke está compuesta por Powell y cuenta con el inconfundible sonido del productor Alan Parsons, con los arreglos de sintetizador, guitarra eléctrica y batería sobre cuerdas sinfónicas que siempre han sido definitorios de The Alan Parsons Project. El Main Title, o Ladyhawke Theme, es la mejor prueba de que esta banda sonora, vaya quien vaya por delante en los créditos de la portada, es un producto de este equipo creador de obras conceptuales setenteras. Ni siquiera tiene una melodía, sino que es una simple base rítmica muy poderosa sobre la que se van añadiendo diferentes arreglos, y el resultado es genial. Ya desde que suena al principio de la película sabes que no vas a ver cualquier cosa.

Durante el resto de la partitura seguimos encontrando pinceladas estilo Parsons, aunque son los tratamientos orquestales de toda la vida los que ganan la partida en más de una ocasión. Y son muy bonitos, por cierto, muy melódicos en la línea del cuento fantástico que narran las imágenes. Pero hay que hacer honor a la verdad, y decir que Ladyhawke fue muy vilipendiada en su día por su música discordantemente anacrónica, a veces capaz de sacarte por completo de la ambientación de las escenas. Según algunos, e incluso vista desde el punto de vista del fan del rock progresivo, la B.S.O. de Lady Halcón es muy simple, casi ramplona a ratos en sus pasajes de sintetizador. Este álbum ni siquiera ha sido reeditado con demasiada regularidad, ya que en algunos casos las críticas en su contra se han elevado al tono del chiste.

Portada de la edición original, algo más corta.

Personalmente, escuché el disco en mi etapa de descubrimiento del progresivo, y teniendo en cuenta que The Alan Parsons Project siempre me ha resultado agradable, no puedo hablar mal de Ladyhawke. Quizá no funciona bien en la película, y quizá (admito) no sea una maravilla como mezcla de rock y música orquestal, ni uno de los trabajos más emblemáticos bajo el sello de Alan Parsons, pero siento decirlo: este disco me gusta.

Suzanne Ciani - SEVEN WAVES

2011-11-18T01:45:00.001-08:00

1. The First Wave: Birth of Venus (5:03)

2. The Second Wave: Sirens (7:18)

3. The Third Wave: Love in the Waves (5:16)

4. The Fourth Wave: Wind in the Sea (3:47)

5. The Fifth Wave: Water Lullaby (5:48)

6. The Sixth Wave: Deep in the Sea (7:04)

7. The Seventh Wave: Sailing Away (6:34)

Los inicios de todo músico vanguardista son difíciles por definición. Y si encima eres mujer, peor que peor. Que se lo digan a Suzanne Ciani, que antes de convertirse en una de las primeras figuras internacionales de la new age tuvo que andar dando tumbos entre diversas ocupaciones que la colocasen en la línea de salida.

Para empezar, y pese a ser una estudiosa académica de la música clásica que llegó a especializarse -académicamente también- en el uso de sintetizadores cuando todavía esta tecnología estaba en pañales, Ciani se vio obligada a tomar la decisión de crear su propia productora, a la vista del recelo que su condición femenina suscitaba en el gremio técnico del pop-rock. Su modesta compañía Ciani/Música se dedicó a componer pequeñas piezas para publicidad y jingles para marcas comerciales con relativo éxito, y la artista tuvo que sacar tiempo de donde no lo había para realizar un primer álbum de estudio propio. Con los años, esta artista que un día fue una sagaz experimentadora se ha acomodado con solidez dentro del mainstream instrumental actual.

Suzanne Ciani en sus años mozos.

Seven Waves (1982) es el resultado de los esfuerzos iniciales de Suzanne Ciani, y uno de sus álbumes más conocidos. Se enmarca plenamente en lo que podríamos denominar "new age norteamericana", en general caracterizada por su carácter ambiental y romántico, más bien sosete (que no malo, ojo) y orientada básicamente al relax. Seven Waves es un caso importante, ya que su aparición temprana dentro del movimiento lo convierte, por deducción diría yo, en uno de los álbumes definitorios del género. Ella se lo guisó y ella se lo comió, junto a varios miles de japoneses que lo convirtieron en nº1, otorgándole un sólido espaldarazo de cara a continuar una carrera que la ha puesto donde está hoy en día.

Portada alternativa.

El sonido de Seven Waves es dulce, dulcísimo incluso, melódico, clasicista y tan efectivamente predecible como todo trabajo new age puro debe ser. Sabes que no va a haber sorpresas, y eso no es malo si lo que deseas es tumbarte y dejarte llevar por los oleajes y sedas sintéticas de esta interesante autora italoamericana. Puedes perderte en las acuarelas marinas de Seven Waves con la misma facilidad con que nuestra mente se ve transportada al poner la oreja sobre la boca de una caracola. En el álbum escuchamos, por cierto, el sonido del sintetizador que la propia Ciani diseñó en sus años universitarios a través de la inspiración de Don Buchla, pionero de la electrónica y mentor suyo, que fue bautizado en su honor como "Buchla".

Sin aristas puntiagudas ni filos cortantes, Seven Waves sigue siendo visto hoy en día como uno de los álbumes fundamentales de la new age en todo el mundo, un pelín descafeinado tal vez para quienes gusten de algo con más fondo, pero sin duda muy meritorio y digno de alabanza y atención en cada escucha. En Spotify.

Marc Broude - MEDICINE

2011-11-16T11:37:00.001-08:00

1. Mineral Water (4:12)

2. Face Covered in Shit (5:39)

3. Fire on the Water (5:55)

4. Happy Like Jazz (7:48)

5. For the Flies (5:55)

6. War of the Worlds (6:25)

7. Muerte (6:44)

El joven músico norteamericano Marc Broude, un artista de vanguardia musical en pleno crecimiento, se puso en contacto conmigo hace unos días para enviarme un enlace a su álbum Medicine (2009) y proponerme que comentara su música en este blog. Lo hago felizmente por tres motivos: que me encanta que alguien me envíe su música para analizarla por aquí; que su música se ajusta perfectamente al concepto un poco vago de "otras músicas" que solemos manejar en el blog; y que, francamente, Medicine me parece un trabajo muy interesante.

Se podría decir, para situarnos al menos, que Medicine encaja de forma no del todo exacta -pero suficiente- en el género llamado "dark ambient". No es igual a otros trabajos aquí comentados como alguno de Lustmord, pero tiene cosas en común: una apuesta por la creación de oscuros paisajes musicales que se autodefinen espacialmente, una aproximación interesante a la música concreta y un gusto evidente por juguetear con el mismo concepto de música. Las piezas de Medicine... ¿realmente son obras musicales? ¿O se trata más bien de experimentos sonoros? La verdad es que las opiniones pueden divergir, pero yo pienso que es música propiamente dicha, sobre todo porque hay alguna tenue estructura cuasi-jazzística que evita el mero carácter de "ruido fascinante" que planteamientos como los de esta obra de Broude podrían suscitar.

Marc Broude

La verdad es que la escucha de este álbum no es precisamente fácil. Requiere concentración y atención exclusiva, sobre todo si queremos apreciar la complejidad de cada pieza, los ruidos (naturales o artificiales) ocultos con mayor o menor relevancia, los sonidos de baja frecuencia, las pinceladas de música industrial, los sofisticados collages de estudio... no hay muchos sonidos reconocibles en Medicine, aunque sí que podemos escuchar alguna campana, piano, violín, sintetizadores, bajo y algún sonido vocal humano, amén de un sample de la famosa transmisión de Orson Welles de La guerra de los mundos. No diría yo que los títulos de los temas ayuden demasiado a sacar nada en claro, salvo quizá en este último caso.

¿Y esto cómo se come? Yo recomiendo una escucha con mente abierta, teniendo en mente que no es música convencional, sino algo absolutamente radical, complicado y retador. Lo que vale es la experiencia, más que la valoración posterior sobre las cualidades musicales-no musicales del trabajo. Para descubrir.

Ryuichi Sakamoto de gira por España.

2011-11-15T01:19:00.001-08:00

Ryuichi Sakamoto

El compositor japonés Ryuichi Sakamoto, uno de los artistas predilectos de esta web, se encuentra en estos momentos de gira por nuestro país. Madrid (día 15 de noviembre), Barcelona (18), Cartagena (16) y Valladolid (20) serán las ciudades españolas en las que el autor ganador de un Oscar por El último emperador realizará conciertos "íntimos" al piano con sus grandes éxitos, acompañado por el violonchelo de Jaques Morelenbaum (le acompañó en su homenaje a Jobim, llamado Casa y comentado en el blog) y la violinista Judy Kang. Parece que su intención es recrear el álbum 1996, publicado en el año ídem.

La segunda intención de la gira, quizá la más importante, es presentar su autobiografía. España es uno de los países con más seguimiento popular de la obra de Sakamoto, sin contar con que fue él quien compuso la música oficial de la ceremonia inaugural de Barcelona '92, y la banda sonora de Tacones lejanos, de Almodóvar. No es de extrañar que sea uno de los primeros países en los que saldrá a la venta el libro.

Portada del libro.

Se titula La música os hará libres. Apuntes de una vida, y está escrito en colaboración con el periodista Masafumi Suzuki, quien le conoce desde la infancia y le entrevistó de modo exhaustivo para la ocasión. Sakamoto no solamente habla de su carrera personal desde la infancia y como músico de vanguardia dentro y fuera de la Yellow Magic Orchestra, sino que se hace eco de los profundos cambios que ha experimentado el país del sol naciente desde los años sesenta. Vivió en sus carnes la revolución ideológica de mayo del '68 mientras luchaba por hacer una música que no sonara exclusivamente japonesa; estuvo allí para beneficiarse del ascenso de Japón como potencia económica mundial en los '80 y el empuje que eso podía dar a la música hecha allí; e incluso presenció en persona los atentados del 11-S.

Si alguno de los lectores del blog tiene la suerte de presenciar una de sus cuatro actuaciones en España, me encantará recoger sus impresiones y compartirlas con todos. Seguramente merezca mucho la pena.

Pink Floyd - WISH YOU WERE HERE

2011-11-11T11:18:00.000-08:00

1. Shine On You Crazy Diamond (Parts I-V) (13:30)

2. Welcome to the Machine (7:31)

3. Have a Cigar (5:08)

4. Wish You Were Here (5:40)

5. Shine On You Crazy Diamond (Parts VI-IX) (12:31)

¿Alguna diferencia?

Siéntate, chaval. Coge un puro, son de los buenos. Lo último que publicaste, el disco ese, fue un pelotazo que te cagas. Yo creo... la compañía cree que ese es el camino, y confiamos en que puedas repetirlo. Tus compañeros tocan bien, y estáis en la cresta de la ola. Yo te sugiero grabar diez o doce canciones esta vez. Basta con que haya tres o cuatro pegadizas, como para sonar en la radio, y con el resto podéis hacer lo que os guste, esas cosas electrónicas vuestras. Os vais a forrar entre discos, actuaciones y demás, no queremos que terminéis quemados. ¿Estamos de acuerdo? Choca esos cinco. ¿Sabes? Vas a llegar lejos.

La perfección es tan difícil de alcanzar que el refranero ha terminado por asumir que alcanzarla es imposible. De lo mejor que producen la tecnología o el arte se suele decir que roza, que se acerca a la perfección, y probablemente sea con sinceridad en muchos casos. Pero hay momentos muy concretos en los que alguien lo logra, en los que se produce una confluencia improbable de circunstancias que dan lugar -poquísimas veces- a una obra perfecta, inmejorable dentro del contexto en el que surge; una obra maestra que no solamente satisface todas las expectativas de quienes la disfrutan, sino que ensancha las posibilidades de su propio campo creativo y lo cambian para siempre. El álbum de Pink Floyd Wish You Were Here (1975) es un ejemplo.

El nadador que se lanza y no salpica.

Chaval, no es fácil mantenerse en la cima mucho tiempo. Yo de ti me agarraría a esa teta y chuparía-chuparía-chuparía hasta dejarme los morros. Tampoco hay que pensar en repetir el éxito de la última vez; ahí sonó la campana... A ver, no digo que fuera casualidad, pero vamos... se juntaron un montón de cosas y ¡voilá! Yo creo que a estas alturas ya tenéis un público consolidado, y no arriesgaría demasiado. No me desviaría del camino. Os vais a forrar sin necesidad de partiros la cabeza, y dentro de unos años, cuando todo esto pase... bien, cada uno en su mansión, y a pasear en yate los domingos.

Grabado cuando la banda se encontraba en la cima absoluta de su popularidad gracias al superventas The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here es uno de esos raros casos en los que los seguidores de un grupo piden la luna a sus ídolos de cara a su siguiente y prometedor lanzamiento, y éstos se la entregan en mano, impecable. Tanto su estructura como sus letras o sus melodías son tan magníficas, tan impresionantes en todos los sentidos y a la vez tan originales e imaginativas, que la escucha de este disco de principio a fin es un placer que no decae con los años. Como los clásicos del cine, Wish You Were Here ha superado con creces los rigores del óxido y las telarañas, y sigue vivo como un icono de la mejor época de la historia de la música popular.

El apretón de manos robótico.

La promoción lo es todo aquí, chaval. Anuncios en la radio, en los periódicos, en la tele... Yo creo que os vendría bien una sesión de fotos para la portada y todo eso, porque ahora mismo os conocen por el nombre más que por otra cosa, y la imagen lo es todo en una banda pop. Perdón, rock.

El concepto del álbum giró en torno a dos ideas principales, bastante bien trenzadas una con otra: la añoranza del idealismo del grupo en sus orígenes y el carácter pesetero y meramente empresarial de la industria musical. Storm Thorgerson y el resto de equipo creativo se afanaron en revestir Wish You Were Here de múltiples imágenes surrealistas que sirviesen para explicar estos conceptos sin hacerlos demasiado obvios, añadiendo misterio iconográfico a una obra que sigue manteniendo ocultos muchos de sus misterios: el nadador en el desierto, el nadador clavado en el agua, el velo rojo arrastrado por el viento, el apretón de dos manos metálicas, los empresarios saludándose del mismo modo en la portada, en uno de tantos gestos vacíos y superficiales como se atesoran hoy en nuestra sociedad. Uno de ellos arde, quizá en referencia a los grupos musicales que se queman, que terminan como bueyes tirando del arado de su propia marca y nunca llegan a sacar la cabeza.

El nadador en el desierto.

Sinceramente, no me van los temas largos. El rollo ese del Bohemian Rhapsody o Stairway to Heaven... muy bonito, pero son todo pegas. Los singles hay que recortarlos casi siempre, y los discjockeys de la radio no siempre tienen diez minutos de sobra para esas paridas. Perdona la sinceridad, siempre os he respetado y creo que a vuestro lado todos los demás son principiantes. Están muy verdes.

El disco se estructura de principio a fin sobre el esqueleto del tema largo Shine On You Crazy Diamond, que suena al principio y al final como si fuese una doble suite en forma de espejo que acentúa su perfecta redondez, con tres temas bien distintos formando sus vértebras centrales: Welcome to the Machine, Have a Cigar y Wish You Were Here. La larga introducción de Shine On... lo convierte en uno de los temas más cósmicos de Pink Floyd, mitad blues y mitad vals, toda una demostración tanto del dominio instrumental de Wright y Gilmour como del habitual pulido obsesivo de los acabados. Welcome to the Machine habría funcionado incluso como una canción con música concreta de fondo (maquinaria en una fábrica), aunque no escapa a la perfección por su atmósfera tensa. Have a Cigar es un tema canalla de ritmo potente y sinuoso, las palabras de un empresario lanzadas a los oídos ilusionados de un joven músico al que anima a comerse el mundo. Por su parte, Wish You Were Here es un tema con sabor folk, casi country en sus orígenes, perfecto por su sencillez y su bella melodía, y sus letras en homenaje al líder primitivo del grupo.

El velo rojo.

Bonito, ¿verdad?

Mira, chaval, a veces hay que cortar por lo sano. Vuestro amigo... yo creo que se metía de todo, y por eso se le fue la cabeza. Hay que controlar y no meterse en ese rollo. Tú... tú pareces listo, y tienes carisma de líder. Quizá termines siendo tú quien parta aquí el bacalao, sobre todo si los demás se terminan convirtiendo en un lastre. Pero no lo diré muy alto por si los otros se lo toman a pecho. Ya sabes, no es nada personal, jajajaja.

Syd Barrett fue quien plantó la semilla de Pink Floyd, y era justo que sus compañeros le rindieran tributo en el mejor momento de su carrera, mucho tiempo después de que aquel visionario se perdiese entre delirios ácidos y tratamientos para el trastorno mental. Todo el disco está lleno de referencias a aquel diamante loco que tanto brilló y tan rápidamente (y lógicamente) se apagó. Parece que un Barrett irreconocible visitó a la banda precisamente mientras grababa Wish You Were Here, y el momento fue de los que ponen un nudo en la garganta. Pero el álbum también parece ser un anuncio de los tiempos por venir, de la incipiente megalomanía de un todavía generoso Roger Waters que en pocos años convertiría a sus ahora compañeros en su banda de acompañamiento; una comparsa para sus sucesivas autobiografías musicales The Wall (1979) y The Final Cut (1983).

Los singles Wish You Were Here ("dos almas perdidas nadando en una pecera") y Have a Cigar.

En fin... Firma aquí, y también aquí... muy bien. Vaaale, lee la letra pequeña si quieres. No tenemos prisa, pero recuerda que ni soy el demonio ni me voy a llevar tu alma metida en una maleta. Mírame a la cara y dímelo: ¿confías en mí? Graba con nosotros, vende con nosotros, hazte rico y famoso con nosotros. No te arrepentirás.

Mírame a la cara y dímelo: ¿confías en mí? Portada del estuche de lujo "Immersion".

Wish You Were Here (cuyo título es una típica frase de postal anglosajona, "ojalá estuvieras aquí", dirigido a Barrett) se reedita estos días en dos ediciones especiales, una que contiene versiones en vivo y demos, otra con multitud de chorradillas para coleccionista en una caja de lujo que vale un dineral pero seguramente vale igualmente la pena. A continuación, algo de material en vídeo-audio:

Un raro vídeo-montaje atribuido a S. Thorgerson.

Un muestrario de música del álbum.

Soft Machine - THIRD

2011-11-09T11:48:00.000-08:00

1. Facelift (18:45)

2. Slightly All the Time (18:12)

3. Moon in June (19:08)

4. Out-Bloody-Rageous (19:10)

No podía dejar de hablar en algún momento de Soft Machine (o The Soft Machine, "máquina suave"), el grupo más representativo de la llamada escena de Canterbury, que vivió sus años de auge entre finales de los sesenta y principios de los dorados setenta. En la ciudad inglesa de Kent y sus alrededores se creó todo un movimiento musical que reunía influencias como el jazz y el primer rock progresivo de las islas y algo de psicodelia -no tanta como en Londres- y que fue la cuna artística de gente como Dave Stewart, Karl Jenkins, Kevin Ayers, Mike Ratledge o Steve Hillage. En mayor o menor medida, grandes grupos del rock sinfónico-progresivo de los setenta como Genesis o Pink Floyd poseen cualidades sin las que los avances de estilo y técnica de Canterbury difícilmente habrían sido posibles.

Third (1970) es el disco que más me gusta de Soft Machine. Se trata de un doble LP con una larga pieza musical en cada cara de ambos discos. Suena bastante improvisado, quizá solo en apariencia, aunque las composiciones poseen una untuosidad muy especial, con un toque liberal e independiente de etiquetas que poco tiene que ver con lo que toda la vida hemos entendido como jazz. No obstante, está oficialmente admitida la influencia directa de los trabajos que el gran Miles Davis andaba publicando en aquella época.

Fotografía de la carpeta doble del LP.

Es más bien un batiburrillo de ideas bastante originales y frescas que parecen haber sido ensambladas mediante una técnica feroz de collage, a base de tramos grabados en vivo, otros grabados en distintos estudios que los dotan de distintas acústicas (que se notan perfectamente), piezas con letra y largas secciones instrumentales y, en general, de un efecto corta-pega muy artesanal que añade carisma a esta obra vanguardista. Es como si los músicos y su ingeniero de sonido fuesen en todo momento conscientes de lo agradable que resulta en el oyente esta imperfección que añade un plus por su cercanía. No parece que se haya hecho el menor esfuerzo por eliminar ciertos ruidos y el zumbido de fondo de algunos fragmentos. Third se presenta ante nuestros oídos como una obra enorme en sus ambiciones, extensísima en su ejecución, intrincada... pero indudablemente cálida.

Pese a que por Soft Machine ha pasado mucha gente, este disco cuenta con los siguientes miembros titulares: Robert Wyatt a la batería, Mike Ratledge a los teclados, Elton Dean con el saxo y Hugh Hopper al bajo. Colabora esporádicamente Jimmy Hastings tocando varios instrumentos de viento, y también algún otro que no pasa del simple cameo testimonial.

Despliegue de portada y contraportada.

Habiendo descrito el contenido musical del álbum a groso modo, creo que no voy a explicar el contenido de cada tema por separado, entre otras cosas porque, al margen de que los cuatro cortes tienen nombres propios, la separación de estos podría responder simplemente a la necesidad de coger el disco de vinilo y darle la vuelta. Tan solo Slightly All the Time parece tener una estructura definida, con melodías que se retoman aquí y allá. De hecho, el corte está divivido en tres sub-secciones llamadas Noisette, Backwards y Noisette Reprise.

Ni siquiera sé por qué me gustó este disco cuando lo escuché por primera vez, ya que hasta hoy soy incapaz de dar un paso atrás para ver el mosaico completo y comprenderlo del todo. Se ha quedado fijado en mi mente a otro nivel no del todo definible, como algo misterioso y atractivo que he dejado ahí pendiente para el día en que de verdad sienta el jazz y sepa apreciarlo como merece. Suena bien incluso si no se le está prestando atención, como música de fondo. Lo bueno es que, cuando te centras en su escucha, resulta ser todavía mejor. Otro para la lista de recomendaciones del blog. Puede escucharse entero y de una tacada en YouTube, pero prefiero recomendar otras formas de audición.

Jean Michel Jarre - REVOLUTIONS

2011-11-06T23:58:00.000-08:00

1. Industrial Revolution (16:33)

Overture, Part 1, Part 2, Part 3

2. London Kid (4:34)

3. Revolutions (5:01)

4. Tokyo Kid (5:22)

5. Computer Weekend (5:00)

6. September (3:52)

7. The Emigrant (3:56)

Otro disco que estaba pendiente era este Revolutions (1988), sobre todo porque hace siglos que comentamos por aquí Waiting for Cousteau, disco que -al menos en mi modesta opinión- podría ser la cruz de la misma moneda. ¿A qué me refiero? Pues a que me parece que mientras Cousteau era un álbum de corte ecologista, Revolutions es claramente humanista y social, seguramente inducido en su génesis por la experiencia internacional que convirtió a Jarre en embajador de buena voluntad de la UNESCO, y por la responsabilidad como creador que ello debe suponer.

En su momento, Revolutions fue un rotundo éxito de ventas (nº 2 en Gran Bretaña), aunque debo decir que siempre me ha parecido uno de los trabajos menos atrayentes del francés. Es como si Jarre comenzase el álbum con ideas muy claras sobre su desarrollo conceptual y sonoro, para terminar quedándose a medio gas antes de tiempo y rellenando su segunda mitad con retales sin excesiva coherencia. Tras los trabajos épicos que fueron sus lanzamientos hasta Zoolook (1984) y el puntual revival de lo mismo que fue Rendez-Vous (1986), era lo justo y deseado que Jean Michel diese un nuevo salto hacia adelante en su carrera, y Revolutions me parece que se quedó en una serie de ideas demasiado fáciles como para sorprender al personal de la época. Por supuesto, esta apreciación es puramente superficial, y más adelante añadiré alguna matización.

Jarre continúa su labor educativa y cultural en la actualidad. Foto de unesco.org

Seriamente, hay que admitir que Revolutions comienza francamente bien. Los cuatro primeros temas forman un sólido conjunto que retrata de forma magistral, impresionante, la idea que todos tenemos sobre lo que fue la Revolución Industrial. Quizá el mundo actual comenzó precisamente allí, en aquellas sucias fábricas británicas donde miles de obreros se hacinaban para cumplir con jornadas de 20 horas de trabajo, hombres, mujeres y niños todos por igual, mientras los empresarios (no necesariamente malvados negreros sino más bien hábiles emprendedores de su tiempo con los escrúpulos justitos) exportaban al mundo entero las maravillas de la producción en cadena, los avances colosales de los nuevos inventos como la máquina de vapor o su hijo el ferrocarril. Surgieron los sindicatos de trabajadores y la sociedad de clases tal y como la conocemos, desplazando para siempre un mundo rancio y basado en el abolengo por otro en el que la economía, el empleo y los derechos sociales adquiridos marcaban la diferencia entre unas personas y otras.

Jarre comienza con una obertura que nos habla de trabajadores utilizando maquinaria pesada de forma repetitiva, y bajo estos estruendos metálicos, se va imponiendo una melodía dramática. Es un himno mecanicista. Industrial Revolution Part 1 es casi un scherzo clásico tras un primer tramo de jadeos de agotamiento, pujante y colosal, capaz de mostrarnos musicalmente un mundo de maravillas tecnológicas decimonónicas dignas del mejor Julio Verne. Industrial Revolution Part 2 parece transportarnos, gracias a los pequeños e intrincados detalles de sus arreglos electrónicos, a la era de los ordenadores y la informática, quizá incluso a la era espacial. No decae la grandiosidad, sino que va incluso a más. La mini-sinfonía industrial concluye a la perfección con una Part 3 que parece asomarse al otro lado de la cortina triunfalista de los adelantos de la civilización, a una masa humana explotada hasta la extenuación que parece recibir solamente pequeños atisbos de tanto logro, materializados mediante una interpretación lenta y cansada de la melodía de Part 1. Hará las delicias de los aficionados a la estética "steampunk".

Portada del single Revolutions (o Revolution, Revolutions).

El resto del disco, como decíamos, sigue manteniendo seguramente una temática social, si bien aquí se diluye un poco en una serie de temas escasamente cohesionados y que suenan algo planos, algo vacíos de carisma. Sigue vivo el mejor Jarre en algún punto concreto como el divertido Computer Weekend, una fantasía intrascendente; o en Revolution, Revolutions, originalísima composición con arreglos arábicos y la nada habitual inclusión de letras, eslóganes más bien, que son toda una declaración ideológica progresista y pro-democrática.

Revolutions en concierto, editado como video-clip oficial.

A medio camino se queda London Kid, concebida para recrear las ingenuas melodías de The Shadows, cuyo líder Hank Marvin (ídolo infantil de Jarre, por cierto), hace una aparición estelar a la guitarra. Yo creo que le falta algo de sangre en las venas, ya que al final se decanta por una solemnidad amable y demasiado fácil. Su teórica gemela Tokyo Kid es algo más arriesgada, aunque resulta más ambiental que otra cosa. September posee una melodía muy bonita, admirable incluso en su belleza naif, aunque teñida de tristeza: se trata de un homenaje a Dulcie September, activista sudafricana asesinada en París ese mismo año. Por último, The Emigrant cierra el álbum con otro himno grandilocuente y social, un poco maniqueo para mi gusto pero efectivo cuando ha sido utilizado en conciertos con carga afectiva específica (Solidarnosc, por ejemplo).

Hank Marvin y JMJ tocaron juntos en el concierto de Londres, a raíz del lanzamiento del álbum.

Hay buenas ideas, sobre todo en la suite sobre la Revolución Industrial, e incluso en alguno de los demás temas. Ocurre, no obstante, que esta es la primera vez -para mí al menos- que podía coger los cortes de un álbum de Jarre y ordenarlos al azar sin que el resultado se resintiera, incluso si dejaba alguno fuera. De hecho, sigue siendo el único disco de la mejor etapa del músico cuya lista de temas no he logrado aprenderme todavía. Se nota que es una obra bastante personal, pero creo que Jean Michel Jarre nunca ha sido del todo efectivo a la hora de potenciar sentimientos de ternura o afecto en su música, siendo más ducho -repito, para mi gusto- en la recreación de ambientes cósmicos de gran elegancia, no necesariamente fríos, pero sí en otra línea más "fantástica". No es el peor disco de Jarre, ni por asomo, pero tampoco diría que es de los mejores.

Peter Gabriel - NEW BLOOD

2011-11-04T17:08:00.000-07:00

1. The Rhythm of the Heat (5:41)

2. Downside Up (3:52)

3. San Jacinto (6:58)

4. Intruder (5:07)

5. Wallflower (6:25)

6. In Your Eyes (7:13)

7. Mercy Street (5:59)

8. Red Rain (5:16)

9. Darkness (6:10)

10. Don't Give Up (6:40)

11. Digging in the Dirt (4:57)

12. The Nest That Sailed the Sky (3:54)

13. A Quiet Moment (4:48)

14. Solsbury Hill (4:35)

Cuando comentamos la salida de Scratch my Back el año pasado, quedó pendiente la salida del segundo álbum del proyectado díptico de Peter Gabriel, que iba a titularse I'll Scratch Yours e iba a contar con versiones de temas suyos a cargo de otros artistas. Entre que Scratch my Back no cuajó entre los críticos y que sus ventas fueron pobres, la posibilidad del plan inicial se fue disipando, sobre todo cuando muchos de los grupos y solistas con "contrato verbal" comenzaron a rajarse con o sin motivos justificados. Quedan algunos testimonios en YouTube de lo que pudo ser y no fue, sobre todo una versión de Biko a cargo de Paul Simon que es realmente emocionante, pero poco más quedó de aquello. Ahora sale esta suerte de disco de consolación, New Blood ("Sangre nueva"), que es como un Greatest Hits de Gabriel, pero de nuevo con acompañamiento de orquesta sinfónica.

Es posible que los fans del ex-Genesis se hayan alegrado, en el fondo, de que haya sido el propio Gabriel quien cante en New Blood; para los demás, la cosa suena ultraconservadora. Para empezar, este músico es solamente uno de los muchos que han grabado con orquesta últimamente (Sting ha hecho también lo propio hace poco), con lo que la originalidad de la idea es escasa o nula. Y encima se ha acudido al truquito de siempre: seleccionar los temas más transformables de su repertorio, los que mejor funcionan con la orquesta clásica, amén de unos cuantos éxitos populares (demasiado pocos, me parece) para dar lustre al paquete. Sucede, menos mal, que la impresionante calidad de Peter Gabriel como compositor de música más o menos pop convierte su nuevo álbum en una experiencia de reencuentro que merece la pena.

Diseño del interior del estuche del CD.

New Blood recibe su título de la reciente gira que Peter Gabriel ha realizado -y sigue realizando, me parece- para presentar esta idea sinfónica suya. En cada concierto, Gabriel se centraba en los temas de Scratch my Back, aunque incluye un salpicón de canciones propias para que quienes han pagado la entrada no se queden sin Solsbury Hill o Don't Give Up. Como decíamos, son precisamente estos los dos hits estelares que Gabriel entrega en el nuevo álbum, aunque el resto de cortes del CD contiene canciones un poco menos célebres, aunque indiscutiblemente buenas; material del tuétano de cada uno de sus álbumes en solitario como la potente aunque formulaica Digging in the Dirt, la no menos efectiva Red Rain o una de mis favoritas de siempre, la mística y cálida San Jacinto. No menosprecia Gabriel sus últimos álbumes de estudio, y aquí se incluyen también testimonios de estos tiempos irregulares como The Nest That Sailed the Sky de OVO o Darkness, de Up.

Según explica el libreto, todo este romance con la orquesta partió de la idea inicial de grabar canciones con instrumentos de fabricación casera, aunque un encuentro con John Metcalfe, que andaba grabando algo en los estudios RealWorld, dio a Gabriel la idea que aquí se plasma en álbum por segunda vez. También se explica, y el propio disco demuestra, que se ha procurado permanecer lejos de ese sonido como de banda sonora que suele haber en esta clase de álbumes de artistas pop. Parece que Peter Gabriel y su equipo han procurado utilizar la orquesta para realzar el valor sentimental de cada tema, evitando acudir siempre a románticos pasajes de violín a tutiplén. La clave parece estar en que este trabajo no se concibe como un auto-homenaje deificador, sino como un experimento más de cuantos ha realizado este inquieto músico en su carrera, en esta ocasión -admitámoslo- respetable pero algo perezoso en cuanto a que no se ha molestado en componer, sino más bien en "arreglar".

Qué raro es este tío, de verdad.

The Rhythm of the Heat suena casi amenazadora; Downside Up, muy grandiosa y llena de colorido gracias a la participación de Melanie Gabriel; San Jacinto es inquietante y a la vez épica, bastante efectiva a la hora de sustituir sus fondos originales por instrumentación clásica; Intruder es tan alocada y chocante como en el original Peter Gabriel 3, aquí pura esquizofrenia; Wallflower y Mercy Street suenan directas y delicadas, tan sinceras como las originales (la segunda casi parece sacada de The Final Cut de Pink Floyd); In Your Eyes es exquisita por su rica orquestación y sus coros, casi hasta darnos ganas de pedir a Peter que se calle un rato; no se lo ha currado mucho en Red Rain, que es prácticamente igual que la de siempre, y esta vez sí suena a banda sonora; Darkness es otro paso hacia la locura; Don't Give Up, con la extraña voz de Ane Brun, sufre de nuevo este efecto soundtrack, aunque la canción es tan buena que soporta lo que le echen; Digging in the Dirt bien podría ser el remix orquestal más innecesario -y peor enfocado- del disco, si bien algún tramo sinfónico es espectacular; The Nest That Sailed the Sky es un instrumental de lo más agradable, muy evocador y acertado; y A Quiet Moment es precisamente eso, "un momento silencioso", una grabación de ambiente levemente por encima del simple ruido de fondo que da paso a un poco inspirado reintento muy grandilocuente de Solsbury Hill, un tema que para Gabriel no terminaba de encajar del todo en el tono del disco y Peter Gabriel quería dejar más o menos aislado al final, en plan bonus.

Practiquemos nuestro inglés con uno de los vídeos promocionales de la web de Gabriel.

Una feliz idea ha sido la de editar una edición especial con un segundo CD, conteniendo versiones instrumentales de cada canción, además de los temas Blood of Eden, Signal to Noise y Father, Son, las dos últimas en ediciones digitales del álbum.

La verdad es que New Blood me ha ido gustando más y más mientras lo escuchaba, y al final no puedo ser tan cruel como seguramente debería. No se escapa de ese efecto banda sonora que pretendía evitar, y muchos de sus temas parecen limitarse a cambiar guitarras, baterías y teclados por instrumentos equivalentes de la orquesta sinfónica en una ecuación muy lineal, pero vamos, que escuchar estas joyas de Peter Gabriel con un tono nuevo siempre es un placer, pese a que sea uno consciente en todo momento de que podría haber sido mucho más grande. Todavía queda pendiente el asunto I'll Scratch Yours, así que ya veremos.

John Williams - THE ADVENTURES OF TINTIN: THE SECRET OF THE UNICORN

2011-10-29T07:44:00.000-07:00

1. The Adventures of Tintin (3:08)

2. Snowy's Theme (2:10)

3. The Secret of the Scrolls (3:13)

4. Introducing the Thompsons and Snowy's Chase (4:09)

5. Marlinspike Hall (3:59)

6. Escape from the Karaboudjan (3:21)

7. Sir Francis and the Unicorn (5:08)

8. Captain Haddock Takes the Oars (2:18)

9. Red Rackham's Curse and the Treasure (6:11)

10. Capturing Mr. Silk (2:58)

11. The Flight to Bagghar (3:35)

12. The Milanese Nightingale (1:30)

13. Presenting Bianca Castafiore (3:26)

14. The Pursuit of the Falcon (5:44)

15. The Captain's Counsel (2:11)

16. The Clash of the Cranes (3:49)

17. Return to Marlinspike Hall and Finale (5:52)

18. The Adventure Continues (2:58)

De todos los profesionales que han trabajado en las películas de Steven Spielberg, es ya una realidad que ninguno ha repetido tantas veces y de manera tan indiscutida como el compositor John Williams. No sé quién se lo recomendó, pero Spielberg llamó a Williams para su primera película estrenada en cines, Loca Evasión (1974), confirmándose la fuerza del tándem con Tiburón (1975) y convirtiéndose todo ello en idilio con E.T., el extraterrestre (1982). Salvo por la coyuntural contratación del afroamericano Quincy Jones para El color púrpura (1984) y el fragmento que le correspondió dirigir en En los límites de la realidad (1983), con música de Jerry Goldsmith, Spielberg y Williams han establecido una simbiosis creativa sin fisuras. Y eso que el cineasta se ha movido entre géneros muy variados, sean la ciencia-ficción, la aventura pura y dura, el drama histórico, la comedia y hasta el cine bélico. John Williams siempre ha estado ahí, aportando su clasicismo elegante y su particular forma de mejorar la paleta de sensaciones de cada película.

John Williams

John Williams tiene casi ochenta años. Desde hace más o menos una década ha reducido apreciablemente su ritmo de trabajo, cosa que debemos respetar sin poner pegas, teniendo en consideración que desde principios de los años setenta ha sido enormemente prolífico y, en la inmensa mayoría de los casos, una banda sonora suya contenía más trabajo y calidad que diez de cualquier otro compositor. Ahora Williams se centra en sus compromisos personales, tanto en las sagas clásicas de Star Wars e Indiana Jones que han sido retomadas en la actualidad, como en su amistad con Steven Spielberg, en cuya órbita de influencia se movieron sus trabajos para la primera parte de Harry Potter o, por ejemplo, Memorias de una Geisha (Spielberg iba a dirigirlas ambas en un principio, y no dudo de que Williams llegó recomendado).

Imagen promocional.

Una cosa positiva que tiene ser una leyenda viva es el que nadie pone tus decisiones en tela de juicio si son arriesgadas, por no haber absolutamente nada que demostrar. A estas alturas, John Williams puede permitirse el lujo de ser su propia mayor influencia, y en esta adaptación del cómic de Hergé, el músico tira de manual. Tampoco podría haber sido de otra manera; y aun así, hay lugar para los experimentos. Pasando completamente del famoso tema creado para la adaptación televisiva de Tintín en dibujos animados, el norteamericano se monta una banda sonora completamente original, muy suya y a la vez perfectamente única. No sabemos si por el carácter europeo del cómic, o porque el propio Tintín no deja de ser un joven periodista de ciudad metido a aventurero, Williams desarrolla una partitura que se mueve entre el jazz de los temas principales, con pianos, clavicémbalo y clarinetes, y las orquestaciones potentes y aventureras en la línea de las escenas de acción de los filmes de Indiana Jones. Hasta ahora, y salvo que la memoria me falle, Williams ha limitado sus incursiones jazzísticas a alguna comedia, y no a sus películas de acción y aventuras.

Por supuesto, la banda sonora de Las aventuras de Tintín se cimenta en la existencia de varios temas principales, en este caso muy elaborados pero no especialmente cercanos a las fanfarrias y marchas que todos solemos tararear. El leitmotiv de Tintín (sobre todo en The Adventures of Tintin) es el más jazzístico, urbano, parecido -aunque a la vez profundamente distinto- al tema de Williams para los créditos de Atrápame si puedes (2002). El perrito Milou (Snowy en inglés) tiene su propio corte, con un piano virtuoso a cargo de una tal Gloria Cheng que, en resumen, resulta ser una composición perfecta para complementar el tema del periodista.

The Adventures of Tintin.

Hernández y Fernández también cuentan con una pieza para ellos (Introducing the Thompsons), lenta y bobalicona al comienzo, pero más ágil después, con un toque de acordeón muy francés. Y por supuesto, el capitán Haddock se lleva su parte (en Captain Haddock Takes the Oars), con una pieza de sabor marinero, casi pirata. El barco que da título a la película, el Unicornio, tiene también un misterioso tema propio que escuchamos a plena potencia en Sir Francis and the Unicorn. Atención a dos maravillas, dos caprichos clásicos que andan por ahí mezclados: The Milanese Nightingale y su ambiente parisino de violín solista y acordeón; y Presenting Bianca Castafiore, con un fragmento de El barbero de Sevilla de Rossini y el Je veux vivre de Romeo y Julieta de Gounod, el segundo con la voz de Renee Fleming. Esta dama del bel canto aparecía en algún tema de El señor de los anillos, ¿estará recomendada por Peter Jackson?

Hernández y Fernández.

Entre las piezas incidentales, de acción en el sentido Williams del término, destacan Escape from the Karaboudjan, Red Rackham's Curse and the Treasure, The Flight to Bagghar, The Pursuit of the Falcon y The Clash of the Cranes. Una buena parte del álbum puede incluirse en esta lista, pero ojo, porque no estamos simplemente ante un montón de golpes de platillos y trompetas, sino que Williams consigue integrar en cada uno de ellos, sutil y naturalmente, los leitmotivs de los personajes implicados hasta lograr prácticamente mini-sinfonías de acción, incluso más efectivas que las que escuchamos en la -un poco más prosaica- banda sonora de Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008).

El verdadero valor de The Adventures of Tintin no se encuentra tanto en la presencia de melodías épicas memorables como en la detallada elaboración de su música incidental, que es tan genial como la que el músico era capaz de crear en sus dorados años setenta y ochenta. La paleta de colores en la que se mueve, musicalmente hablando, es apabullante. La composición destila frescura y agilidad, quizá también algo de desenfado, lo que no está de más si entendemos que pertenece a una película de animación en 3D imaginativa, estupendamente intrascendente y con altas dosis de buen humor.

Contraportada.

Ya se anuncia una segunda entrega de Tintín, dirigida en este caso por el ahora productor Peter Jackson y que presumiblemente adaptará Las 7 bolas de cristal. John Williams estará ahí sin duda. Y tampoco debemos pasar por alto que en pocas semanas llegará a los cines una nueva película de Steven Spielberg, el drama bélico War Horse, en la que el Williams más templado y solemne vuelve por la puerta grande. La comentaremos en cuando caiga en nuestras manos.

Alguien ha elaborado esta especie de "suite" con imágenes, en YouTube:

Un brevísimo paréntesis.

2011-10-14T02:58:00.000-07:00

Ahora mismo estamos muy ocupados en casa haciendo unas pequeñas reformas, y me temo que mi ordenador estará embalado y fuera de combate unos días (pongamos una semana para redondear), así que no habrá nuevas entradas hasta entonces. Os agradezco por anticipado vuestra paciencia, y os invito a revisar entradas antiguas, donde, como ya sabéis, de vez en cuando hago alguna pequeña actualización.

Nos vemos.

Deep Forest - DEEP FOREST

2011-10-12T11:19:00.000-07:00

1. Deep Forest (5:34)

2. Sweet Lullaby (3:53)

3. Hunting (3:27)

4. Night Bird (4:18)
5. The First Twilight (3:18)
6. Savana Dance (4:25)
7. Desert Walk (5:14)
8. White Whisper (5:45)
9. The Second Twilight (1:24)
10. Sweet Lullaby (Ambient Mix) (3:41)
11. Forest Hymn (5:50)

Los Deep Forest (Eric Mouquet y Michel Sanchez) son un dúo francés que, de forma inteligente y sigilosa, fueron haciéndose un nombre en el panorama de las nuevas músicas, muy a menudo con ayuda del boca a boca, en lugar de con amplias campañas de márketing. También ayudó algo Mike Oldfield, un tipo que suele mirarse el ombligo más de la cuenta y sin embargo los recomendó públicamente en el momento de este primer lanzamiento. El ecologismo les define.

Su primer álbum, titulado simplemente Deep Forest (1992), surgió como celebración musical del Día de la Tierra, en favor de la protección de las selvas tropicales. Si bien la música no supuso un gran avance respecto a los trabajos de corte étnico-electrónico que se prodigaban en aquellas fechas (por parte de Enigma, sobre todo), sí que demostró que el dúo era capaz de abordar el subgénero con eficacia y madurez, y al mismo tiempo con un alto nivel tecnológico. La eficacia y madurez de las que hablo quedan patentes en su uso de sampleados con sonidos tribales (adquiridos de la Unesco) como base de todos los temas, a menudo tan abigarrados de voces como los del Zoolook de Jarre, pero nunca sobrecargados de capas de sonidos "mistificantes" ni "sensuales" en el estilo de lo que hacía Michael Cretu. Deep Forest, pese a dar un peso ineludible a los ritmos de sintetizador por encima de las propias melodías, son especialmente respetuosos con las identidades étnicas de aquellas culturas que inspiran sus grabaciones, y no en vano han colaborado varias veces con Peter Gabriel y otros músicos de renombre de la World Music. No es nada fácil usar a discreción sonidos enlatados sin adulterar sus naturalezas originales.

Singles Sweet Lullaby y Savana Dance.

Para más datos, parte del dinero que se obtiene con las ventas de este álbum va dirigido a ayudar a los pigmeos en sus actividades agrícolas. Ahí es nada.

Algunos de los temas, como Deep Forest ("Bosque profundo") y Sweet Lullaby ("Dulce canción de cuna") se escucharon y se siguen escuchando con cierta frecuencia en la radio, y aparecen en recopilatorios de todo tipo, como de música "relax" como en colecciones de electrónica en general.

Vídeo oficial de Sweet Lullaby.

Sucede que, seguramente porque entonces estaba tan de moda esta suerte de refritos étnicos (muy famoso fue, por ejemplo, Sacred Spirit), la carrera de Deep Forest sigue manteniéndose a un nivel de popularidad moderado, como si fuesen corredores de fondo, alimentando al mismo tiempo una imagen de alternatividad e incluso contracultura que les beneficia bastante. Alegrémonos, porque suele ser el desgaste de la fama absoluta el que mata a los grupos de éxito.

David Bedford (1937-2011)

2011-10-09T04:25:00.000-07:00

Imagen procedente de last.fm

El pasado día 1 de octubre falleció David Bedford, un compositor y orquestador eminente del que ya habíamos comentado un par de álbumes en este blog. Trabajador y discreto, como tantos otros buenos músicos de los que viven de su esfuerzo diario y no necesariamente de las rentas de la fama, Bedford se ha marchado sin grandes alardes, yendo yo a enterarme de la noticia en una de las revisiones rutinarias que hago de las páginas con las que enlazo. No creo que se hayan hecho eco en la televisión de la noticia de su muerte, al menos fuera del Reino Unido. Este mínimo homenaje llega con unos días de retraso, pero no creo que sea tarde para recordarle.

David Vickerman Bedford, de familia de artistas, figura (incluso en cualquier enciclopedia normalita) entre los músicos clásicos más destacados de finales del S. XX en Gran Bretaña. Cultivador de un academicismo que entronca con la gran música del siglo pasado mediante un estilo reconocible, amén de ser discípulo de Luigi Nono, Bedford es reconocido popularmente por sus incursiones en el mundo del pop-rock y las llamadas "nuevas músicas".

Imagen de thewire.co.uk

No solamente realizó orquestaciones para álbumes del grupo underground de Kevin Ayers, The Whole World, formando parte del mismo como teclista, sino que llegó a hacerse acreedor de grandes ventas con trabajos en los que colaboraba como invitado otro "ex" de Ayers, Mike Oldfield. Nurses Song with Elephants (1972), Star's End (1974, inspirado en la saga Fundación de Asimov), The Rime of the Ancient Mariner (1975, basado en el poema de Coleridge), The Odyssey (1976, mi favorito personal, inspirado en la obra de Homero) e Instructions for Angels (1976, sobre poemas de Kenneth Patchen) son sin duda las obras más conocidas de las firmadas por David Bedford, álbumes conceptuales en una línea estructural parecida en mayor o menor medida a los superventas de Oldfield en los '70, aunque con grandes variaciones de un disco a otro respecto al uso de arreglos sinfónicos o instrumentación electrónica. A continuación, un fragmento de Instructions for Angels:

También fue David Bedford quien realizó la versión orquestal de Tubular Bells y Hergest Ridge, la segunda todavía inédita oficialmente, además de tener un peso más que notable en la banda sonora de Los gritos del silencio (1984), de nuevo junto a Oldfield, y quién sabe si superándolo en implicación. En su vertiente pop, decir que Bedford también trabajó con gente como Elvis Costello, Frankie Goes to Hollywood y -creo- Enya. Además, participó muy activamente con Ennio Morricone en la dirección orquestal de la banda sonora original de La misión (1986), nada menos, en cuyos créditos figura en lugar destacado.

Imagen procedente de telegraph.co.uk

Dentro de sus trabajos más vanguardistas suelen citarse Star Clusters, Nebulae and Places in Devon y With 100 Kazoos (ambos de 1971), de las primeras entre muchas otras obras en las que Bedford experimentaría tanto con la participación activa del público como con diversas ideas respecto a la posición de los músicos sobre el escenario o el tratamiento de las voces líricas. También es digna de reseña (y de elogio) la labor que realizó en la composición de piezas musicales educativas para niños, y sus múltiples obras por encargo para diferentes actos e iniciativas.

Para terminar, uno de los temas de Nurses Song with Elephants ("canciones de enfermera con elefantes"), y Speak (Tho You Only Say Farewell), una divertida ocurrencia en la que David Bedford se desgañita junto a su amigo Mike Oldfield:

La culpa podría ser de György Ligeti.

2011-10-07T05:32:00.000-07:00

¿Y ese quién es? Pues uno de los más eminentes músicos de mediados del Siglo XX si nos ceñimos objetivamente a su repertorio académico; y me apuesto a que uno de los más conocidos de todo el siglo, dentro de la un tanto extraña música clásica de esa época reciente, atendiendo a su impacto cultural. Hay argumentos que incluso podrían relacionar algunas de sus obras más conocidas con la eclosión de lo que hoy llamamos "nuevas músicas", para las que Ligeti habría sido incluso más decisivo que músicos clásicos de alcance popular como, por ejemplo, los fundadores del minimalismo.

György Ligeti (1923-2006)

¿Por qué? Porque György Ligeti logró algo casi imposible para la mayoría de creadores de su campo: que su música fuese utilizada a discreción y con impresionantes resultados en una superproducción cinematográfica, 2001: una odisea del espacio (1968), que a su vez se convirtió en uno de esos clásicos del cine que casi todo el mundo ha visto o verá alguna vez en su vida. Como suele ocurrir, solamente los más cinéfilos o melómanos se han molestado en conocer a los autores de la música contenida en la película, y se habrán dado cuenta de que, aparte del Bello Danubio azul de Johann Strauss, el Así hablaba Zarathustra de Richard Strauss y una suite para ballet de Khachaturian, los demás temas son de Ligeti. Los más misteriosos, los que mejor parecen encajar con el carácter enigmático de la película, son obra de este compositor húngaro.

Las composiciones de Ligeti contenidas en 2001 son Atmospheres, Lux Aeterna, Adventures y parte de su Requiem. Este último es utilizado durante la escena en que los hombres-simios de la secuencia inicial descubren el monolito y se atreven a tocarlo; Atmospheres es la pieza que suena durante el famoso viaje hipnótico más allá del tiempo y el espacio que realiza el astronauta protagonista; Lux Aeterna aparece durante el viaje a la Luna y el monolito hacia el final de la primera mitad de la película; y Adventures es la música -que en la película casi parece una secuencia de efectos sonoros- que suena cuando el astronauta Bowman se encuentra consigo mismo en esa extraña habitación de hotel de estilo neoclásico. Atmospheres, por cierto, se escucha también durante varios minutos antes de que la película comience con el león de la Metro, a modo de obertura que debió poner en situación a los espectadores en los cines, aunque en los pases por televisión de la película siempre la omiten.

Es decir, que salvo quizá el Zarathustra (atención, usuarios de Ares y Emule: no es obra de John Williams ni de Vangelis, elmilenarismovaaallegaaarcojonesya), la música de Ligeti está tan íntimamente ligada a la película 2001 que prácticamente podría pasar por su partitura original. Los lectores del blog saben que no es así, más que nada porque esa partitura original a cargo de Alex North no fue finalmente utilizada, reemplazándose por piezas que en teoría iban a usarse solamente en una primera fase del montaje de la película. Tampoco es que Kubrick se preocupase demasiado por contar con el beneplácito del propio Ligeti, teniendo en cuenta que el segundo demandó al primero, costándole al cineasta la simbólica cifra de un dólar el haber utilizado la música del húngaro sin su permiso.

No tengo muy claras las auténticas intenciones de Ligeti cuando compuso estas piezas, ni parece que haya mucha documentación al respecto en la Red, salvo tal vez ciertas teorías que surgen como producto del sentido común: buena parte de la familia de Ligeti -judía- pereció en Auschwitz, y de ahí lo sombrío de las piezas. Esos Requiem o Lux Aeterna con sus estáticos coros polifónicos que parecen ascender hacia el cielo como las bóvedas de una gigantesca catedral gótica, conjugan grandiosidad épica con un sentido avasallador de la angustia, llegando el primero a inspirar incluso pavor, lo que bien podría estar inspirado en los horrores de aquellos años de juventud.

No sé muy bien si Ligeti entendía estas obras como música conceptual inspirada por alguna realidad extra-musical o si simplemente se trata de brillantes ejercicios de estilo, pero es evidente que el espacio interestelar nunca ha sido el mismo desde que lo vimos en una sala de cine (yo en un reestreno, claro), escapándose en su enormidad más allá de los límites del y escuchamos estos lamentos abismales surgiendo de la negrura del infinito. Nada de tonadillas electrónicas como de películas de marcianos verdes, sino voces humanas sin apoyo rítmico, escalando hacia tonos imposibles en una mezcla de cántico y alarido. Parecen sonidos que brotasen de la propia naturaleza, más instintivos que meramente improvisados, y que despliegan una fuerza evocadora incomparable.

Los más grandes músicos vanguardistas de los primeros años 70, los que de verdad constituyeron el actual estado de cosas en las "otras músicas", tienen sí o sí entre sus influencias primigenias aquella película de Stanley Kubrick y su música de las esferas. Algunos como Jean Michel Jarre o Mike Oldfield lo han declarado a las claras, y no me cabe en la cabeza que otros como Tangerine Dream, Vangelis o Klaus Schulze sean capaces de negar el peso que 2001 y su música tuvieron en sus inicios. Escuchar discos de la época rosa de la banda de Edgar Froese como Zeit, o trabajos antiguos de Schulze como Irrlicht o Cyborg es escuchar, de alguna manera, émulos espirituales de esta música absoluta de György Ligeti. Incluso músicos de ámbitos más diversos, como por ejemplo David Bowie, cambiaron radicalmente el rumbo de sus carreras tras ver y escuchar 2001: una odisea del espacio. Que alguien me corrija en los detalles si me equivoco, pero creo recordar una anécdota según la cual un reportero iba recorriendo las calles de Nueva York, preguntando a los transeúntes si habían visto la extraña película y qué opinaban sobre ella. Un hombre de aspecto bohemio, que resultó ser John Lennon, aseguraba que la veía todos los fines de semana.

Segundo aniversario. ¡GRACIAS!

2011-10-02T10:44:00.000-07:00

Mañana, 3 de octubre, se cumplen dos años desde que comencé con esto de los blogs. Debo dar las gracias por el descubrimiento a mi amigo y compañero en trabajo y ocio José Miguel, co-autor del blog hermano El Desierto Carmesí; solo un rato después de que me enseñara cómo se pone en marcha un blog ya tenía yo en mente algo como lo que es hoy Otras músicas. Otros mundos, aunque debo admitir que me costó trabajo dar con un título que me gustara (y todavía no me convence del todo el elegido, pero ya no hay marcha atrás).

Pero hay un motivo principal por el que sigo aquí dos años después: las personas que seguís el blog, los que comentáis, los que me dais enhorabuenas o tirones de orejas cuando toca cada cosa; incluso algún capullín aspirante a tecnócrata cuyo nombre prefiero no recordar, que se quiso pasar de listo con el tema de los insultos... debo decir que son precisamente esa clase de malos momentos los que más ganas dan de huir hacia adelante y hacer las cosas cada día mejor.

El blog no ha cambiado demasiado, aunque quienes lo seguís desde el principio habréis visto que ha sido durante el último año cuando más me he esforzado en profundizar en cada crítica y en hablar un poco más sobre actualidad y nuevos lanzamientos. Al principio metía una entrada al día, y en muchos casos me bastaban diez o doce líneas para decir que el disco era bueno o regular, y por eso sigo regresando de vez en cuando a entradas antiguas, para completarlas con la información que deberían haber contenido desde el principio y, de ese modo, ofrecer al internauta una guía musical que, aunque modesta, pueda ser medianamente útil a la hora de descubrir nuevos -o viejos- artistas y sonidos. El blog se sigue actualizando en todas direcciones.

Lo único que echo en falta es conocer vuestras opiniones sobre cómo mejorar el blog, cómo expandir sus posibilidades. ¿Creéis que hay algún género musical que deba ser tratado más o mejor? ¿Qué hay de ese artista o grupo que parezco ignorar deliberadamente? ¿Interesan realmente las reflexiones que meto de vez en cuando? Sigo tan abierto a sugerencias como siempre, así que os invito a susurrarme algo al oído en forma de comentario a esta entrada, a ver si se me ocurre algo interesante que desear mientras soplo las velas.

¡Muchas gracias!

Pink Floyd - THE DARK SIDE OF THE MOON

2011-09-26T11:01:00.000-07:00

1. Speak to Me (1:30)

2. Breathe (2:49)

3. On the Run (3:30)

4. Time (6:53)

5. The Great Gig in the Sky (4:45)

6. Money (6:30)

7. Us and Them (7:34)

8. Any Colour You Like (3:24)

9. Brain Damage (3:50)

10. Eclipse (1:45)

Hoy se ha publicado la primera tanda de remasters de Pink Floyd dentro de la campaña Why Pink Floyd? y, aunque no hace mucho comenté un disco de la banda, no me he resistido a analizar el disco estrella de esta tanda: The Dark Side of the Moon, la gran obra maestra -que no la única- del cuarteto británico. Se trata de uno de los dos o tres álbumes más famosos e influyentes en la historia de la música popular, uno de los mayores iconos de esta, y a todo el mundo le suena en mayor o menor medida (esa portada, por ejemplo); por lo que no pretendo arrojar sobre él más luz que la que críticos y expertos de todo tipo han aportado desde su publicación en 1973. No obstante, tratándose de una obra fundamental y que se ajusta perfectamente a los contenidos del blog, viene muy bien darle un repaso general para quienes todavía no la conozcan.

Roger Waters, David Gilmour, Nick Mason y Rick Wright.

The Dark Side of the Moon sigue siendo un relativo misterio a casi cuarenta años de su publicación. A menudo se ha dicho de él que supuso un antes y un después en la música, y estoy bastante de acuerdo. A mediados de los setenta ya habían salido al mercado algunos álbumes de "art rock" de gran peso, a cargo de gente como Jethro Tull (Aqualung, 1971; Thick as a Brick, 1972) o Genesis (Trespass, 1970; Foxtrot, 1972), y también podemos citar a The Beatles, cuyo Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) viene a ser considerado el primer gran álbum conceptual de la historia, si bien es un antepasado algo discutible de lo que se hizo en los setenta.

Fotografía interior de una de las ediciones en CD.

Algo tenía The Dark Side que lo hacía distinto, peculiar y muy innovador. Es verdad que con los años la música pop-rock se ha vuelto en general bastante prosaica, monótona, pero no podemos olvidar que en los setenta era el entretenimiento número uno a nivel económico, por encima incluso del cine o la televisión, y el éxito de discos como este tuvo un gran calado a nivel generacional. Hablamos del disco como obra total, como expresión artística máxima de la cultura de masas, y The Dark Side of the Moon fue una revolución técnica y creativa que aupó al rock progresivo a la cresta de la ola de los gustos populares.

Imagen de la contraportada original.

Si bien otros álbumes conceptuales poseían una cualidad algo opaca, como para gente muy preparada, este álbum de Pink Floyd debió resultar francamente accesible para el público medio, cosa sorprendente al venir precisamente de una banda un tanto hermética que había dado a luz obras bastante enrevesadas y psicodélicas. No hay en él suites de rock progresivo tan ampulosas como la de Atom Heart Mother, ni inventos tan arriesgados como el disco de estudio de Ummagumma, aunque la complejidad técnica de The Dark Side of the Moon fue enorme. El grupo y su ingeniero de sonido en los estudios Abbey Road, Alan Parsons (el del posterior Project), se centraron en dos líneas a este respecto: la perfección sonora en cuanto a nitidez del sonido por un lado, y la experimentación con nuevas tecnologías por el otro. The Dark Side es conocido entre otras cosas por lo compleja que fue su grabación, intercalada con giras promocionales, la famosa película-concierto del grupo en Pompeya e incluso una banda sonora editada en LP como Obscured by Clouds, todo ello mezclado con la obsesión habitual por la afinación de los instrumentos y algunas paradas -más de la cuenta- para ver la tele y, supongo, echar un cigarrito de los sabrosos. Tampoco faltarían las discusiones sobre el contenido conceptual del trabajo, que Wright, Mason, Gilmour y sobre todo Waters terminaban convirtiendo en diatribas filosóficas considerables.

Contraportada de una edición en CD.

Lo sorprendente de The Dark Side of the Moon es que, a pesar de todo el trasiego que supuso su gestación tortuosa, funciona como la seda a la hora de entrar por el oído a la primera de cambio. Mientras que esos álbumes conceptuales que comentábamos antes (e incluso obras anteriores de Pink Floyd) eran como hermosos coches clásicos tipo Rolls-Royce, llenos de emblemas cromados y de aspecto imponente, The Dark Side of the Moon resultó ser un deportivo negro y brillante, una bala aerodinámica cuyas únicas filigranas quedaban ocultas bajo el capó, en un motor inimaginablemente complejo. Perfecto.

Vídeo oficial de Money.

Y aquí el de Time.

¿Y en qué consiste el álbum? Corto el rollo. The Dark Side of the Moon es un trabajo conceptual sobre la condición humana y sus aspectos más negativos, como son la apatía, la avaricia, la discriminación y la locura. Cada una de las dos caras del vinilo puede entenderse como una composición unificada, con todos los temas enlazados hábilmente unos con otros, y con interludios instrumentales que le dan empaque. ¿Es un álbum vocal con amplios pasajes instrumentales? ¿O se trata realmente de una obra de rock progresivo instrumental con pasajes cantados? Ambas posibilidades pueden ser defendidas con la misma vehemencia y con argumentos a los que asirnos, pero yo opto por la mezcla. Creo que The Dark Side of the Moon es una obra musical sin etiquetas que no contiene estrictamente canciones ni suites instrumentales, sino que utiliza el lenguaje del rock y todas sus posibilidades, desde guitarras y baterías a varios tipos de voces, pasando por sintetizadores de los de entonces y muchísimos sampleados de voces y sonidos (¿música concreta?), poniéndolo todo a un mismo nivel para completar una experiencia musical de unos 45 minutos que se disfruta al escucharla de cabo a rabo sin pausas.

po-pom

Abre el álbum Speak to Me, con un corazón latiendo de un modo parecido al sónar de Echoes. En un instante nos metemos explosivamente en Breathe (in the Air), una pieza de rock más o menos convencional cuyo ambiente melancólico va estableciendo el tono del álbum. On the Run es el primer experimento de gran calado, con el sonido de alguien corriendo y jadeando mezclándose con efectos sonoros sintéticos casi propios de los Tangerine Dream; su final nebuloso concluye con el tic-tac de varios relojes en los que suena el despertador de forma atronadora. Estamos en Time, una de las claves del disco, un tema vocal bastante potente con solos de guitarra antológicos por parte de Gilmour y una introducción instrumental-cósmica que podría ser precedente del siguiente álbum Wish You Were Here y su joya Shine On You Crazy Diamond. La orgásmica The Great Gig in the Sky cuenta con la sensual voz en grito de Clare Torry (que es blanca, pese a lo que pueda parecer) en lo que podría ser, según he leído, una evocación musical de la muerte.

po-pom, po-pom

La segunda cara se abre con el que fue primer single, Money, un tema muy popular que incluye efectos sonoros de cajas registradoras y monedas, y que versa sobre las posibilidades de consumo -que no de plenitud personal- que otorga una buena cartera. Como su nombre sugiere, Us and Them ("Nosotros y ellos"), cumbre del disco para mi gusto y obra de Rick Wright, trata sobre la mala costumbre que tenemos las personas de distinguir entre estos y aquellos, los que son como nosotros y los que no. Aplíquese si se quiere a las clases sociales, las razas, las ideologías, etc. Any Colour You Like, obra casi exclusiva del batería Nick Mason, emplea tanto solos de guitarra muy psicodélicos como efectos electrónicos logrados con el sintetizador EMS VCS 3. El álbum concluye con dos temas que bien podrían haber sido uno solo: Brain Damage y Eclipse. El primero es una descripción musical bastante curiosa de la locura, con carcajadas sonando aquí y allá por gracia del sonido estéreo y en homenaje a Syd Barrett; y el segundo, que lleva el título que se barajó en principio para el álbum, es una especie de himno grandioso y conclusivo que, siento decirlo, para mi gusto concluye el disco de una manera que sabe a poco. Está muy bien, pero podría haber estado un poquillo mejor.

Portadas de dos ediciones en CD y HDCD.

The Dark Side of the Moon es uno de esos discos que hay que oír por lo menos una vez en la vida. ¿Por qué? Por la cantidad de detalles que oculta en forma de sampleados dispersos por todas partes, por las leyendas que atesora, como su extraña sincronización con algunas escenas de la película El mago de Oz, y sobre todo porque incluso hoy en día sigue siendo un ejemplo apabullante de producción musical y calidad de sonido. La nitidez de las guitarras y baterías es tal que parece que van a salir David Gilmour y Nick Mason de algún túnel secreto tras los muebles de la habitación donde tienes el equipo de música, y esto se implementa con las muchas remasterizaciones que se han llevado a cabo sobre él, algunas incluso en 5.1, que deben ser impresionantes. La edición aparecida hoy, en su formato Experience contiene un segundo CD con el álbum completo grabado en directo en Wembley. Muy buen concierto, aunque es tan fiel al disco que quizá habría sido mejor añadir al pack un compacto con demos o piezas eliminadas, para aportar algo más original. Veremos qué tal está la edición mega-carísima-completísima Immersion, que lleva merchandising de todo tipo para los absolutamente fanáticos. Menos mal que en un par de días se habrá filtrado de lo lindo a la Red.

Michel Huygen - EN BUSCA DEL MISTERIO

2011-09-21T10:39:00.000-07:00

1. En busca del misterio (Titles) (2:13)

2. Apertura de consciencia (3:02)

3. Túneles misteriosos (4:49)

4. Ahus (2:53)

5. Más allá (2:37)

6. Isla de Pascua (2:59)

7. Arqueología futura (2:30)

8. Cirujanos del más allá (2:31)

9. El ombligo del mundo (2:46)

10. Los desencarnados (4:00)

11. Moais (3:41)

12. ¿Qué sucede? (2:12)

13. Atlantis (1:33)

14. En busca del misterio (Theme) (3:19)

En 1989, los célebres ufólogos y expertos en lo desconocido Fernando Jiménez del Oso y J. J. Benítez rodaron un programa documental a lo largo del continente americano que se tituló En busca del misterio, y que debió ser algo parecido a lo que años después realizaría el autor de Caballo de Troya bajo el título de Planeta encantado: una serie que venía a abarcar distintos misterios de esos que tanto gustan a los aficionados a lo paranormal, y supongo que en la línea algo "imaginativa" de las teoría de Erich Von Daniken sobre el origen extraterrestre de algunas antiguas culturas. No lo he visto, y eso que estos temas suelen despertar mi curiosidad. El encargado de poner música al programa fue Michel Huygen, líder absoluto del grupo Neuronium y representante de máximo nivel de la música electrónica vanguardista española. No sé si fue a raíz de este trabajo, pero el belga afincado en España y el Dr. Jiménez del Oso hicieron buenas migas, y hasta colaboró el segundo en un trabajo posterior del primero.

Michel Huygen, en una foto del interior del CD.

Ya hablamos en su momento de la música que utiliza el sucesor natural de ambos, Iker Jiménez, en sus emisiones radiofónicas. Vangelis, Jarre y compañía aparecen por allí en abundancia, dejando constancia una vez más de la extraña conexión que siempre ha existido entre la música electrónica-new age y el mundo de lo inexplicable. No sé si es por las resonancias cósmicas de estas músicas, o por el cierto regusto misterioso que casi cualquier obra instrumental suele dejar en el oyente (recordemos hasta qué punto se considera popularmente terrorífico el Tubular Bells cuando nada en su contenido lo pretende), muchos programas de televisión o radio cuentan con artistas de estos géneros para dar sabor a los reportajes. La elección de Michael Huygen está plenamente justificada en En busca del misterio.

Huygen emplea sus sintetizadores para dar forma a unas partituras que suenan mitad espaciales mitad "de safari", como en el tema inicial y sus bases de percusión. Apertura de consciencia suena como un eco simplificado y un poco indígena, con claroscuros, del anterior. Túneles misteriosos es bastante envolvente y evocador, un corte bastante logrado. Ahus emplea diversos sonidos sintéticos, aunque no tengo muy claro si con intenciones tribalizantes. Más allá resulta casi terrorífica por su inclusión de voces sintéticas sampleadas, como emulando psicofonías o algo por el estilo que parecen emerger de un fondo inquietante. Coros sintéticos, mucho más solemnes, se emplean en Isla de Pascua. Arqueología futura posee un aura cósmica muy lograda, todo un acierto pese a ser un tema con poco o ningún desarrollo melódico. Cirujanos del más allá (toma título) parece emular con los sintes el sonido de una trompeta solista en una especie de pequeña fanfarria con más coros electrónicos. El ombligo del mundo regresa a la etnicidad de los cortes iniciales del disco, aunque mejor conseguida y de mayor calado. No sabría muy bien como definir algo tan raro como Los desencarnados, pero en cualquier caso se mantiene al nivel de lo oído hasta ahora. El sonido que proporciona Huygen a las figuras monolíticas de Pascua en Moais solamente puede calificarse de perfecto. ¿Qué sucede? es un favorito instantáneo por su uso de un sonido de piano y una atmósfera cristalina que consigue un efecto hipnótico perfecto al superponerse sobre una melodía clasicista muy lograda. Atlantis tampoco se queda atrás, aunque su descriptivismo submarino es algo más convencional. Y finalmente volvemos a encontrar la melodía inicial del álbum, seguramente la correspondiente a los créditos finales, más lenta y profunda.

Portada alternativa, posterior.

No creo que En busca del misterio vaya a pasar a los anales de la música electrónica, ya que ninguna de las soluciones sonoras que contiene fue especialmente rompedora en aquel año 1991 en el que se publicó, y tampoco es un álbum que suene demasiado comercial o con pretensiones de éxito instantáneo. Sin embargo, sí que parece el fruto minucioso de un artesano del género que supo involucrarse perfectamente en los contenidos del documental al que su partitura acompañaría, y que, dentro de la paleta de sonidos más o menos limitada y al mismo tiempo rica que podían ofrecer aquellos sintetizadores, ofrece un viaje variado y evocador que apetece realizar de principio a fin. No es una maravilla, pero es un muy buen trabajo.

Tristemente, no existen grabaciones disponibles en Goear, y en Youtube solamente he podido encontrar los documentales. Os dejo con uno de ellos para que sirva de ilustración.

Alexandre Desplat - THE TREE OF LIFE

2011-09-15T09:26:00.000-07:00

1. Childhood (3:41)

2. Circles (11:23)

3. Clouds (2:59)

4. River (3:35)

5. Awakening (3:29)

6. Emergence of Life (3:55)

7. Light & Darkness (8:17)

8. Good & Evil (3:15)

9. Motherhood (2:04)

10. City of Glass (3:36)

11. Fatherhood (2:49)

12. Temptation (6:47)

13. Skies (5:18)

La última película del norteamericano Terrence Malick fue merecedora de la Palma de Oro de Cannes de 2011. Se trata de El árbol de la vida, y quienes la han visto -pese a que ha dividido a los críticos- afirman que es una de esas pocas películas que realmente son capaces de revolucionar el lenguaje visual cinematográfico. La música tiene un papel preponderante en ello.

Alexandre Desplat

Al parecer, los primeros montajes de la película carecían de piezas originales, y Alexandre Desplat fue contratado en una fase algo inusual de la post-producción. Además, al final ha resultado que sus composiciones han encontrado muy poco espacio en el montaje final del filme, que abunda en piezas clásicas. Por ejemplo, aparece el tema El Moldava de Smetana, en el tráiler. Dudo muchísimo que El árbol de la vida tenga muchos puntos en común con 2001: una odisea del espacio, pero todo esto suena a que Desplat ha estado a punto de pasarle lo mismo que a Alex North.

No es su música la única semejanza con 2001.

El caso es que el álbum del parisino Alexandre Desplat ha sido publicado sin incluir composiciones ajenas, y es uno de los discos más interesantes que he escuchado últimamente. Seguramente uno de los motivos sea que el músico no trabajó con imágenes de la película mientras componía, sino que se basó en una serie de conceptos generales (la vida como un río que fluye, sobre todo) que le comunicó personalmente el director. El resultado es un trabajo que entronca con el minimalismo de Philip Glass en obras como Koyaanisqatsi (1983), y sobre todo con músicos clásicos anteriores como Berlioz y Ligeti, a los que Desplat reconoce como fuente de inspiración. El resultado es una banda sonora que suena autosuficiente, como si no fuese un trabajo musical "de acompañamiento" sino dirigido desde el principio a su interpretación independiente.

Son varios conceptos los que se manejan en este trabajo, reunidos todos ellos bajo el hilo conductor del ya mencionado río. Hay piezas sobre la primera infancia, su inocencia y fragilidad; sobre la niñez, sus juegos y sus pequeños descubrimientos; sobre la paternidad y la maternidad, sobre el paso a la vida adulta y sus responsabilidades. También hay otras capas bajo éstas, que ilustran la grandiosidad de las escenas de Malick sobre el universo, los planetas y nebulosas; e incluso importantes trazas religiosas, como alguna melodía que podría estar conectada con los valores tradicionales del personaje que en el filme encarna Brad Pitt.

Fotograma de la película.

Desgranando los temas del CD, debo decir que el primer tercio me ha impresionado más que el resto. Parece que los cuatro primeros cortes están mucho más enlazados entre sí, que son más coherentes musicalmente dentro de esa idea del río, comenzando por la delicadísima Childhood hasta llegar a River, cumbre compositiva del álbum, y pasando por las también excelentes Circles y Clouds. Awakening ("despertar") tiene una estructura muy apropiada para su título; Emergence of Life es oscura e inquietante (¿aparecerá en esa supuesta escena donde vemos a los dinosaurios?); Light & Darkness y Good & Evil son también bastante descriptivas en sus claroscuros, y la primera tiene un segundo tramo muy romántico; Motherhood es puro clasicismo, y Fatherhood algo más sobria pero muy parecida, como no podía ser de otro modo; Temptation es otro tema desasosegante a base de cuerdas sostenidas; y el álbum concluye con la angelical y algo misteriosa Skies.

Imagen extraída del libreto digital del álbum.

Como último apunte, es muy importante tener esto en cuenta si alguien decide adquirir esta obra musical por lo legal: debe comprarse el CD, ya que la versión transferida al formato mp3 para su venta online tiene defectos en el sonido. Estos pequeños ruidos y brevísimas interrupciones se notan especialmente en una música tan horizontal como esta, así que la diferencia debe ser decisiva a la hora de decidirse. En Spotify. Para terminar, una preview oficial de la B.S.O. en imágenes:

Incantations Deluxe: punto final.

2011-09-13T04:33:00.000-07:00

Como la palabra dada hay que cumplirla, y a pesar de lo mucho que me quejé sobre el famoso error en el primer CD de este lanzamiento veraniego, todavía estaba pendiente de comentar al completo la nueva edición de Incantations, el álbum de Mike Oldfield de 1978. Obviaré el famoso saltito de la Part Four, que se ha convertido en un segundo saltito menos notable en el compact disc reparado que me enviaron a casa ayer mismo.

Como ya comenté Incantations en su momento en este blog, solamente decir que se trata de uno de los álbumes más ambiciosos y extensos de la carrera de Oldfield, el último de su épica etapa inicial y seguramente uno de los más infravalorados por el público general. El hombre-orquesta británico materializó en él su propia visión del minimalismo de sus admirados Terry Riley y Philip Glass, aunque dándole su propio toque espectacular y totalmente accesible, resultando en una mezcla de rock progresivo, música clásica y una especie de folk imaginario que mezcla el mundo celta y medieval con algo de la música ritual de los nativos americanos.

El primer CD contiene el Incantations de siempre, en una enésima remasterización que suena muy nítida, si bien ese leve pitido que ya se escuchaba en las primeras ediciones sigue ahí. Parece que Oldfield y Mercury Records no han podido hacerse con el máster original, así que han trabajado con alguna copia alternativa, así que el disco no ha sido deconstruido y vuelto a construir como ocurrió con Tubular Bells en 2009. Por eso, esta remasterización no es nada del otro mundo y no aporta demasiado sobre las últimas tandas editadas por Virgin. Guilty, el célebre hit de música disco que Mike Oldfield grabó en Nueva York, aparece como tema extra, aunque suena descafeinado, como si le faltasen un par de capas del proceso de producción que sí tenía el tema en el momento de su lanzamiento en el '78. No parece sonar tan discotequero como el de siempre, y el ritmo parece acelerarse y ralentizarse sin ton ni son. El vídeo original del tema:

El segundo CD, disponible en la edición "Deluxe", es el de la polémica, siempre y cuando recordemos que hemos obviado el saltito del primer disco. Aquí Mike Oldfield no nos ofrece las demos de Incantations como sucedía con sus tres anteriores álbumes épicos (ya hemos dicho que no había máster, así que de las demos mejor ni hablar), sino unos cuantos fragmentos del álbum remezclados y retocados en consonancia con sus actuales gustos musicales. Suenan demasiado espaciales, demasiado tecnológicos, y especialmente Diana Desiderata es una ida de olla, con la voz robótica de Stephen Hawking sonando en lo que parece una teórica buena idea que termina por no funcionar. También contiene el segundo CD algún tema inédito de los tiempos de Incantations, como los interesantísimos Piano Improvisation y Northumbrian. El primero es un solo de piano muy muy sobrio en el que entrevemos antecedentes directos de su álbum Platinum (1979), y el segundo una pieza celta bastante desligada de la órbita Incantations. Canon for Two Vibraphones parece un simple extracto de la parte más hipnótica de Incantations Part Four, y no sé muy bien qué tiene de especial incluirlo aquí; y lo mismo ocurre con Hiawatha, en la que Oldfield retoca digitalmente la voz de la vocalista, restándole mucha naturalidad. Un batiburrillo, definitivamente.

Evidentemente, lo más satisfactorio para los fans de siempre es encontrarse aquí recogidos los temas de singles The William Tell Overture y Cuckoo Song, y sobre todo Pipe Tune y Wrekorder Wrondo, inéditos hasta ahora en CD. Hay también una remezcla extendida de Guilty. La mera inclusión de todos ellos justifica sobradamente la presencia de este segundo disco. A continuación, el vídeo oficial de "La Obertura de Guillermo Tell", con múltiples Mikes versionando a Rossini. Tiembla James Cameron.

El tercer CD-DVD contiene versiones en 5.1 de los temas remezclados del CD 2, así como videoclips de The William Tell Overture y Guilty, y otros dos vídeos con Incantations en directo en el Wembley Conference Centre, nada nuevo para quienes poseemos el DVD Exposed que se lanzó hace un par de años, si bien hará las delicias de quienes no lo tengan. Ese concierto vale su peso en oro, tanto por la interpretación en sí como por la estética de otros tiempos. Aquí el comienzo:

Valoraciones: por una parte, creo que hay que romper una lanza en favor de Mike Oldfield y su compañía discográfica. Mientras que lo normal en este tipo de ediciones de lujo es incluir solo temas antiguos y/o inéditos, aquí encontramos también que el músico se ha molestado en juguetear un poco con sus clásicos, y eso es loable por mucho que los experimentos no le hayan salido bien. Por supuesto, los más enterados echamos de menos el tema cumbre del documental Reflection, que era una toma alternativa de un pedacito de Incantations Part Four; y el llamado "coro chino" o "Spacevocation", otro pedazo de la Part Four que debió suprimirse de Incantations pese a que se coló -para nuestro consuelo- en el documental The Space Movie. Me habría encantado encontrarme ambas piezas en esta edición "Deluxe", pero respeto el hecho de que un artista reniegue o rechace composiciones suyas que no considere dignas de figurar en su catálogo. Aun así, creo que Mike se ha equivocado. Aquí podemos verlas y escucharlas ambas en YouTube:

En fin, que, fallos aparte, Incantations Deluxe tiene mucho que ofrecer, tanto nuevo como inédito. No obstante, hay alguna cosa que me preocupa a medio y largo plazo. Quizá sea yo un poco paranoico, pero creo que incluir los singles de Mike Oldfield como temas extras de cada álbum puede significar que los estupendos recopilatorios que lanzó Virgin (The Complete Mike Oldfield de 1985, o la caja Boxed de 1976) no volverán a ver la luz salvo que tiremos de eBay. Lo mismo puede pasar con ese genial DVD Exposed, cuya inclusión un poco tímida en este Incantations Deluxe no es halagüeña si consideramos que Tubular Bells Deluxe no incluyó su mitad correspondiente del concierto de Wembley. ¿Se lo van a tragar como hicieron con ese segundillo de Incantations Part Four? Tal vez me preocupe demasiado pronto, pero da la sensación de que estas reediciones de Oldfield, aunque correctas en general, están resultando algo caóticas a la hora de seleccionar/descartar el material incluido. En Spotify.

Enya - A DAY WITHOUT RAIN

2011-09-09T08:27:00.000-07:00

1. A Day Without Rain (2:38)

2. Wild Child (3:47)

3. Only Time (3:38)

4. Tempus Vernum (2:24)

5. Deora Ar Mo Chroi (2:48)

6. Flora's Secret (4:07)

7. Fallen Embers (2:31)

8. Silver Inches (1:37)

9. Pilgrim (3:12)

10. One by One (3:56)

11. Lazy Days (3:42)

"Un día sin lluvia" es como tituló Enya a su quinto álbum, publicado en el año 2000. Cinco añazos habían pasado desde su anterior The Memory of Trees, justificados por el lanzamiento en el '97 del bonito recopilatorio Paint the Sky with Stars y su hermano mayor A Box of Dreams, que sirvieron un poco como excusa por tanta tardanza. Ya comentamos en su día que Enya se había estancado bastante con The Memory of Trees, un disco un poco irregular que no presagiaba grandes sorpresas en el futuro de la irlandesa en forma de una evolución artística clara. A Day Without Rain, sin embargo, fue una agradable sorpresa.

Enya, en una foto promocional no muy conocida.

Se trata de un álbum claramente conceptual inspirado en las cuatro estaciones del año, un poco corto aunque enormemente inspirado. Es uno de los discos más bonitos de Enya (quizá mi favorito, y me siento un poco culpable si pensamos en esa maravilla que es Shepherd Moons), si bien es cierto que su belleza radica mayormente en el carácter bastante aperturista y comercial de la mayor parte de su contenido. En A Day Without Rain hay, como siempre, temas rápidos y lentos, temas instrumentales y cantados en inglés y gaélico, aunque hay menos claroscuros que en, por ejemplo, Watermark, si exceptuamos la tenebrista y épica Tempus Vernum. El que nos ocupa es un trabajo mucho más luminoso y optimista, aunque algo más desligado de la raigambre folk de sus primeros trabajos, y eso que ya The Memory of Trees iba muy en esa línea. Y en el desarrollo de su concepto sobre las estaciones funciona muy bien, con composiciones muy evocadoras de cada estación del año, empezando -si no me equivoco- por el otoño hasta abarcar el ciclo completo como si de un calendario ilustrado se tratase. Buena idea.

Portadas de los singles Only Time y Wild Child.

Sin embargo, este disco tuvo un pequeño problema en el momento de su salida: la elección de un single bastante insulso para su promoción en televisión y radio. Only Time es una balada de Enya no especialmente brillante aunque sin duda hermosa, pero palidece en comparación con temas mucho más potentes y comerciales como Wild Child (el segundo corte del álbum, normalmente el primer single de todo disco de Enya) o Floras's Secret. De todos modos, el álbum no tiene desperdicio al ser muy cortito y no haber espacio para material de relleno. Lo que nunca he comprendido es por qué un disco breve como este se permite el lujo de incluir un tema extra para Japón, Isobella y otra para Canadá, The First of Autumn. Solamente se explica algo así como una forma de hacer que los fans más acérrimos se tengan que comprar las tres ediciones, gastándose por supuesto el triple, para tener el álbum "completo". Encima, los singles de Only Time y Wild Child contuvieron temas inéditos como The Promise, Midnight Blue, Song of the Sandman y Willows on the Water, así que a comprar se ha dicho. A Day Without Rain, sin demasiado ruido, pasó a engrosar el catálogo de Enya y languideció en los estantes de los centros comerciales...

Vídeo oficial de Only Time.

... y el de Wild Child.

...hasta que un martes cualquiera, a mediados de septiembre del año siguiente, se produjo el más importante ataque terrorista de todos los tiempos. En directo y ante la estupefacción de todo el planeta, tres aviones de pasajeros que habían sido secuestrados por terroristas se estrellaron contra las torres del World Trade Center de Nueva York, y el Pentágono, causando una enorme cantidad de víctimas civiles y desencadenando el mayor despliegue informativo que se recuerda. Las televisiones no pararon de emitir reportajes sobre la tragedia a todas horas, y la CNN, uno de los más prestigiosos canales de noticias de los Estados Unidos, contó con el casi olvidado Only Time para acentuar el carácter solemne (y un poco lacrimógeno) de los vídeos de homenaje. La canción de Enya tuvo tal calado que el álbum ascendió al top-ten norteamericano de la noche a la mañana, e incluso salió a la venta un remix que contenía el tema mezclado con sonidos reales de los sucesos del 11-S, incluyendo a George W. Bush dando la noticia. En 2002, A Day Without Rain ganó el Grammy al mejor álbum New Age, y en 2001 fue el quinto disco más vendido en todo el mundo.

Contraportada del estuche del CD.

No sé qué le parecería a una mujer tan dulce y pacífica como Enya el que la salvajada de Osama Bin Laden y Al Qaeda, aun muy indirectamente, le proporcionasen el mayor pelotazo de ventas de su carrera. Es una buena pregunta para una hipotética entrevista. Definitivamente, tras este álbum y su también exitoso trabajo en la primera película de El Señor de los Anillos (2001), Enya tocó techo. Después vendrían otros discos con temas buenecillos y regularcillos y más ventas masivas, pero A Day Without Rain sigue siendo su último gran disco. Hay que escucharlo.

Moebius / Plank / Neumeier - ZERO SET

2011-09-05T06:23:00.000-07:00

1. Speed Display (5:13)

2. Load (5:20)

3. Pitch Control (6:23)

4. All Repro (3:28)

5. Recall (8:34)

6. Search Zero (8:38)

Pensemos en el Krautrock de toda la vida. La cosa va de texturas musicales superpuestas, experimentos con secuenciadores, escasos atisbos de melodía, ambiente cósmico. ¿Qué pasa si a todo eso le añadimos unas percusiones de batería mondas y lirondas? Se llama Zero Set y salió a la venta en 1983.

Me lo encontré por ahí mientras me documentaba para la entrada que escribí sobre Conrad Schnitzler, y en cuanto vi el nombre de Moebius, Dieter Moebius el de Cluster, no me lo pensé. El disco me ha sorprendido, debo admitirlo. Hay quienes se han quejado amargamente de que algo tan excelso como la música electrónica alemana experimental de los setenta derivase -por esta rama- hacia algo parecido a una extravagante música de baile muy machacona. Proto-tecno lo han llamado, y quizá acertadamente si tenemos en consideración que en 1983 no se hacía nada parecido ni por asomo a la electrónica de club actual.

Moebius, Plank y Neumeier, no sé en qué orden. (Imagen extraída de exclaim.ca).

También hay que decir que Zero Set es algo mucho más sutil y artístico que un mero ejercicio de chunda-chunda. Hay una intención, quizá no del todo lograda, de dar al trabajo un aire africano, como de danzas tribales pasadas por el filtro de la vanguardia europea. Mani Neumeier, procedente del grupo Guru Guru, es quien se encarga de tocar esa frenética batería que define el concepto del álbum, y Conny Plank (que seguiría en contacto con Moebius en otros trabajos) aporta las tareas del productor, que en esta clase de grabaciones hacen digno al mismo de figurar como coautor en la portada. Además, uno de los temas, Recall, contiene letras cantadas en sudanés por una/un tal Deuka.

Sinceramente, Zero Set es refrescante por su originalidad y debería ser bastante más popular de lo que es (por cierto, existe al menos una secuela) gracias a su carácter innovador, aunque su escucha de un tirón se hace un poco indigesta. Se disfruta mucho mejor si se escucha poco a poco, un tema de vez en cuando, ya que la hipnótica batería de Neumeier puede llegar a taladrarnos las sienes si abusamos. Dosificándolo un poco, disfrutaremos de un gran trabajo musical, accesible y hasta divertido, cosa inimaginable en otros álbumes del género. En Spotify.

Roger Eno - BETWEEN TIDES

2011-09-01T07:55:00.000-07:00

1. Dust at Dawn (The Last Cowboy in the West) (3:54)

2. Field of Gold (3:35)

3. Prelude for St Joan (3:30)

4. Ringinglow (2:10)

5. The Frost (4:30)

6. One Gull (3:22)

7. The Silent Hours (3:30)

8. Between Tides (2:05)

9. Winter Music (4:09)

10. While the City Sleeps (4:20)

11. Sunburst (3:13)

12. Autumn (7:34)

13. Almost Dark (3:54)

En 1854, el escritor y filósofo norteamericano Henry David Thoreau se refugió durante meses en una cabaña en mitad de una enorme extensión de bosques a medio explorar. Como resultado dio a luz una de las obras cumbres de la literatura de su tiempo, Walden, en el que relata sus vivencias en íntima comunión con los elementos. Escuchar Between Tides (1988) supone una clase de experiencia cercana a ese abandono absoluto del asceta ante los ciclos naturales, en muchos sentidos.

Roger Eno

Su autor es Roger Eno, un hombre que, lejos de acomodarse en un rol de hermanísimo e ilustre colaborador del célebre Brian, logra aquí un trabajo que justifica de cabo a rabo cualquier otra cosa que haya hecho o haga en el futuro con su propia carrera. No sabría explicar muy bien, a corazón abierto, en qué consiste el mérito de Between Tides ("Entre mareas"), pero sí que soy capaz de dar una opinión con la cabeza: es ambient y música clásica, todo al mismo tiempo, mezclado pero no agitado como diría James Bond. Los temas tienen un corte y una estructura clásicos, en la línea de algunos compositores que en su día recrearon con formalidad académica melodías más o menos folclóricas de sus respectivas tierras. La gravedad y ejecución instrumental de los temas es clásica, pero su alma es popular. Y es música ambient rabiosamente vanguardista, porque cada una de las notas que escuchamos parece esconder un pequeño universo de sensaciones en su interior, lo que en manos de gente como Brian Eno y Robert Fripp llamaríamos "soundscapes", es decir, paisajes sonoros que son capaces de plasmar en nuestra imaginación imágenes con una cualidad más geográfica que meramente sentimental. Lo que hace aquí Roger Eno es pintar amplios horizontes y puestas de sol con música, y el resultado es apabullante.

Versión estadounidense de la portada, levemente distinta.

Todo el asunto Walden con el que pedantemente comenzaba esta entrada viene al caso precisamente por eso, porque los paisajes sonoros de Roger parecen fluir de forma natural, como lo haría el viento sobre las grandes praderas o un bucólico riachuelo, con la enormidad telúrica de lo que no es obra humana y está sujeto a ciclos cósmicos que se nos escapan; y al mismo tiempo poseyendo todo ello una sencillez campechana inexplicable, tanto que somos capaces escuchar una obra tan seria y a la vez tan amable como Between Tides como si llevásemos oyendo (digo oyendo, no necesariamente escuchando) algo parecido desde la cuna. Roger Eno logró tocar una fibra universal que todos debemos llevar dentro como parte de nuestra naturaleza, invitándonos de paso a convertirnos un poco en ermitaños en nuestra propia mente mientras escuchamos el álbum.

Contraportada del CD.

También los títulos de los temas nos hacen pensar en esta estrecha conexión con lo esencial, con lo natural, aunque hay referencias claras hacia el lejano oeste bastante obvias en el inicial Dust at Dawn (The Last Cowboy in the West), un corte que recuerda a lo que haría después Angelo Badalamenti en The Straight Story. Los temas del álbum no parecen especialmente diversos en una primera escucha, aunque luego van tomando forma propia. Domina en todos ellos la presencia del violín y el piano, este último en manos del propio Eno, y en algún caso recordando sin tapujos alguna melodía clásica que invito a los oyentes a buscar cuando lo escuchen. Algo más originales que el resto de temas son Winter Music y su ambientación invernal, el minimalismo exquisito de The Frost y la sobria The Silent Hours. Un disco brillante que hay que escuchar a solas, aunque en lo más profundo de un bosque quizá no haya Spotify.

Kraftwerk - TOUR DE FRANCE SOUNDTRACKS

2011-08-25T05:35:00.000-07:00

1. Prologue (0:32)

2. Tour de France Étape 1 (4:27)

3. Tour de France Étape 2 (6:41)

4. Tour de France Étape 3 (3:56)

5. Chrono (3:20)

6. Vitamin (8:10)

7. Aéro Dynamik (5:05)

8. Titanium (3:21)

9. Elektro Kardiogramm (5:16)

10. La Forme (8:41)

11. Régéneration (1:17)

12. Tour de France (5:13)

Creo que hablamos hace tiempo sobre la íntima y algo rebuscada conexión que hubo, durante los años ochenta sobre todo, entre la música hecha con sintetizador y las diversas vueltas ciclistas europeas. Así de pronto, me acuerdo de Azul y Negro (Me estoy volviendo loco) y Jean Michel Jarre (Magnetic Fields 2, creo que también Calypso I) sonando en las retransmisiones de la Vuelta a España, y de nuevo Jarre prestando Chronologie 4 al Giro de Italia, ya en los noventa. No recuerdo nada específico del Tour de Francia, pero por ahí andarían los tiros. ¿Por qué se hacía esto? Supongo que las grandes competiciones de ciclismo europeas eran un buen escaparate de nuestros paisajes para espectadores de todo el mundo que las seguían por televisión, y nada más representativo en aquellos tiempos que el llamado "europop", mejor todavía si era instrumental y funcionaba como banda sonora extraoficial. Es de suponer que en algún caso contarían con Kraftwerk, líderes de lo suyo desde siempre, para que prestasen sus temas al pedaleo, los maillots y los puertos de montaña, logrando -como siempre- que todo el mundo fuese por la calle tarareando clásicos electrónicos sin tener jamás la menor idea de quiénes eran sus autores.

Trasera del libreto del CD.

Tour de France Soundtracks (2003) es hasta el momento el último disco de estudio de los alemanes, un álbum bastante tardío -el anterior salió en 1986- que causó una impresionante expectación, ya que a los Kraftwerk se los consideraba en estado de hibernación voluntaria, prestos para algún concierto aislado a regañadientes y muy lejos de cualquier estudio de grabación. Pero no era así, porque se metieron en su eterno Kling Klang de Düsseldorf y grabaron este trabajo en homenaje a los 100 años del Tour de Francia. El disco posee carácter oficial, pese a que su publicación no coincidió exactamente con la ronda gala de aquel año. Tampoco se trata de una obra totalmente original, ya que en 1983 habían lanzado un single titulado Tour de France cuya melodía se recupera en este álbum, amén del diseño "vintage" de su portada. Apuntan mis fuentes habituales wikipédicas -esto no lo sabía- que es uno de los pocos álbumes de Kraftwerk que no se publicó en varios idiomas, sino que mezcló en una única edición el francés, el alemán y el inglés.

Portada del maxi promocional.

Ralf Hütter, Florian Schneider (los Ralf y Florian de siempre), Fritz Hilpert y Henning Schmitz crean aquí una obra conceptual muy chill-out, adaptándose bastante bien a los cambios que década y media después de Electric Café habían afectado a la música electrónica. Todo está muy filtrado y suena suave de verdad, casi nada que ver con aquellos simpáticos sonidos de maquinaria robótica de antaño, pero con esas voces modificadas y esos ritmos industriales que no dejan lugar a la duda sobre su autoría. Ya se veía venir el tipo de música que Kraftwerk utilizaría en el álbum cuando tres años antes lanzaron el single Expo 2000 con motivo de la Exposición Universal de Hannover. Los Kraftwerk del Siglo XXI.

Vídeo oficial.

El brevísimo Prologue del álbum nos pone en situación, y en seguida empieza el pedaleo con tres temas entendidos como etapas del Tour, muy rítmicos y más o menos parecidos en espíritu, aunque no iguales en ejecución. Luego viene la Chrono, claro, que viene a ser una extensión de la tercera etapa. Los corredores se toman una Vitamin (nada dopante, claro) en un bonito tema con algo de letra muy de los Kraftwerk de siempre, como si no hubiesen pasado los años. Aéro Dynamik va en la misma línea retro, expandiéndose en el siguiente corte, Titanium. Elektro Kardiogramm es más papista que el papa, kraftwerkiano a más no poder, con un ritmo que parece emular en un principio al latido de un corazón. La Forme es bastante largo, y desde luego queda patente que el cantante no está en este álbum para cantar, sino para soltar frases robóticas que se repiten hasta la náusea. Régéneration es cortita y ambiental, y todavía queda Tour de France a secas, con un tipo jadeando como si fuese en la bici y una melodía muy bonita, totalmente distinta de la de las Étapes anteriores. Se trata de una versión no muy distinta del single original de 1983.

Tour de France, en vivo.

Por aportar una valoración personal, empezaré diciendo que Tour de France Soundtracks es con todo derecho un álbum de los míticos Kraftwerk, aunque quizá su carácter tardío -y quizá por encargo- lo hace un poco frío. Además, tal como decíamos, el grupo ha limado mucho las asperezas de su sonido y, aunque es indudable que siguen ahí presentes, da la sensación de que al disco le falta un poco de chispa. También puede ser una impresión mía, nada más. Puede escucharse en Spotify, tanto el álbum como un maxi promocional del mismo.

Gabriel Yared - L'AMANT / THE LOVER

2011-08-22T12:54:00.000-07:00

1. A Kiss on the Window (1:45)*

2. Blue Zoon (2:46)

3. One Day on the Mekong (3:32)

4. One Step Dance (2:10)

5. Promenade (3:34)

6. A Man from Cholon (1:26)

7. Helene (2:37)

8. Valse a L'Etage (1:50)

9. The Problems of Life (2:26)

10. Foxtrot Dance (2:27)

11. The Lover (3:12)

12. Habanera (1:47)

13. The Barricades (0:58)

14. Nocturne (3:50)

15. La Marseillaise (1:13)

16. The Departure (3:44)

*He preferido incluir la lista de títulos en inglés para mejor comprensión.

Cuando comento una banda sonora en este blog siempre lo hago por dos posibles razones: 1) que haya sido tan importante e influyente en su momento como para, de algún modo, repercutir visiblemente en trabajos posteriores; y 2) que sea obra de un artista o grupo vinculado a los géneros musicales que tratamos por aquí. Creo que L'Amant (1992), banda sonora de la película del mismo título, no cumple ninguno de los dos requisitos. Sencillamente vi la película y me gustó mucho su música, pero no la consideraría ni un clásico ni una obra especialmente relevante. Me apetecía comentarla y basta.

Gabriel Yared

Gabriel Yared, el autor de esta partitura, no era un novato ni en la composición clásica ni en el mundillo del sintetizador, aunque se puede decir que esta fue su primera grabación que logró una cierta repercusión internacional, cosechando varios premios. El franco-libanés Yared, desde entonces -y seguramente a raíz de esta obra- ha sido contratado en varias ocasiones para embellecer películas de ambientación exótica o sentimental a las que ha otorgado partituras delicadas y sensuales, nada ruidosas, siendo el mejor ejemplo su oscarizado trabajo para El paciente inglés (1996). También es bastante conocida su banda sonora para la megaproducción Troya (2004), de Wolfgang Petersen, que fue rechazada en favor de un muy inferior trabajo de James Horner.

El amante es una película que en su momento, en parte por una mala comprensión por parte de los críticos norteamericanos, en parte por una promoción equivocada que la vendía como el no va más del erotismo explícito, se ha quedado un poco en ese cajón de sastre del que quizá se la rescate con los años como obra de culto. Su director, el generalmente estupendo Jean Jacques Annaud (El nombre de la rosa, El oso, Enemigo a las puertas...), se afanó por contar una historia mucho más definida por un sentimiento de melancolía y desarraigo que por sus dos o tres escenas de cama, contenido todo ello en un envoltorio tan cuidado estéticamente que resulta arrebatador, aunque se lo pone muy fácil a quien quiera criticarla como una película superficial y maniquea. Gabriel Yared tuvo mucho que ver en este sentimiento de deleite sensorial con un tema central que está entre los mejores de su carrera, y que se repite en múltiples variaciones a lo largo de todo el disco. En realidad, este álbum contiene básicamente eso, variaciones sobre el tema principal de la película y música de época -no original- de la que aparece en escenas de baile y similares.

Otra edición en CD, con los títulos en inglés.

El tema principal es el primero que escuchamos en el CD, en el corte titulado A Kiss on the Window, aunque su aparición más representativa está en la pista 11, The Lover. Para entender un poco la naturaleza de este tema, pienso yo que hay que retrotraerse al contenido de la película. El amante cuenta la historia de una joven francesa afincada pobremente en el sureste asiático cuyo nombre no conocemos, que conoce a un adinerado hombre chino también anónimo. Con él, iniciación sexual aparte, entabla una relación en principio aséptica que finalmente acaba marcando toda su vida con los ecos de la nostalgia de aquellos días de juventud y desengaños. La autora de la novela, Marguerite Duras, admitió que la chica era ella y la historia fue real.

Escena cumbre de la película, también en lo musical.

El caso es que el tema de Gabriel Yared contiene tres sonidos, tres colores primarios que vienen a representar los tres sentimientos descritos: el sintetizador, que personifica el exotismo asiático; el clarinete, encarnación de infancia e inocencia; y el piano, un toque de erotismo y picardía. Yared consigue fusionar los tres elementos para crear una melodía que, por sí misma e incluso en las variaciones que no utilizan la misma instrumentación (pongamos la alucinante Promenade), tiene exactamente el mismo efecto nostálgico, y en su parte final recuerda lejanamente al tono que utilizó Francis Lai en películas como Bilitis. Es un tema magistral que justifica la escucha completa del disco, y si me apuras, el visionado de esta menospreciada película. Búsquese en Spotify.

Explosions in the Sky - THOSE WHO TELL THE TRUTH SHALL DIE, THOSE WHO TELL THE TRUTH SHALL LIVE FOREVER

2011-08-15T10:03:00.001-07:00

1. Greet Death (7:19)

2. Yasmin the Light (7:03)

3. The Moon Is Down (10:02)

4. Have You Passed Through This Night? (7:19)

5. A Poor Man's Memory (6:04)

6. With Tired Eyes, Tired Minds, Tired Souls, We Slept (12:04)

Toma título: "Los que digan la verdad morirán, los que digan la verdad vivirán para siempre". Es el nombre del álbum más celebrado de Explosions in the Sky, la banda tejana que poco a poco parece haberse colocado a la cabeza del movimiento post-rock, del que hemos hablado alguna vez por aquí, esporádicamente. Se trata de un grupo instrumental que descubrí por haber compuesto la banda sonora de una serie de televisión, Friday Night Lights, y que me venía interesando desde hace algún tiempo, ya que las referencias que encontraba por ahí eran magníficas. Me han dejado un poco frío.

Los cuatro miembros de Explosions in the Sky.

No es que haya sido una gran decepción, ya que todo lo que no esté manido o sepa a rancio suele producirme cierta satisfacción, pero habiendo escuchado este disco tengo la sensación de haber estado ya ante algo prácticamente igual. Me refiero a otro grupo del subgénero, Godspeed You Black Emperor, sobre los que ya escribí una crítica hace tiempo. A menos que alguien llegue de pronto y me sorprenda, no me quitará de la cabeza la idea que temo se me forme sobre esta corriente musical: que es como todas las íntimamente ligadas a la juventud (entendida la "juventud" como concepto elaborado tras años de marketing agresivo en todos los medios posibles), original y diferente en cuanto a no ser lo típico que suena en las radiofórmulas, pero totalmente homogéneo en cuanto a que los representantes del género a penas se diferencian entre ellos. El género es nuevo, pero dentro de él todos podrían perfectamente publicar su música bajo un mismo nombre.

Actuación en vivo, con el tema The Moon Is Down.

Este disco, cuyo título no pienso volver a escribir, está constituido por seis temas largos que, más o menos en palabras del grupo, son pequeñas sinfonías autoconclusivas. Es cierto que cada tema contiene diversas variaciones en su desarrollo, y no se puede negar que Explosions in the Sky poseen un muy buen manejo de las guitarras, la batería y el bajo, pero sus composiciones resultan bastante predecibles. Para no entrar en detalles, puede decirse que consisten en lentas introducciones ambientales, agradablemente profundas y maduras, que siempre -absolutamente siempre- desembocan en estruendosos solos de guitarra eléctrica muy distorsionada a lo grunge, y en golpetazos indiscriminados a la batería, sobre todo a los platillos. A veces hay también un nuevo movimiento ambiental antes del final. Es como si los componentes del grupo estuviesen en buena forma en cuanto a inspiración a la hora de grabar y se dejasen llevar por sus instintos hacia el mejor rock progresivo, para darse cuenta de pronto de que se deben a un público post-adolescente que va a festivales y exige caña guitarrera. Explosions in the Sky son interesantes cuando imaginan, y tremendamente rutinarios cuando arrojan su carnaza indie.

Contraportada.

El grupo, por qué no decirlo, tiene cierta aura que debe volver locos a sus fans. Por una parte, este álbum -el segundo de su carrera- salió a la venta poco más de una semana antes de los atentados del 11-S en Nueva York, en 2001, y con todo el trajín conspiranoico y nostradámico que se montó, ese avión de la portada, ese nombre para un grupo, ese título tan ominoso para un disco y algún otro detalle que os invito a investigar por la web llevaron a las autoridades a investigar muy en serio si esta gente tenía algo que ver con lo que pasó. Sin quererlo, unos malotes. Y existencialistas, por supuesto, con líneas de diálogo extraídas de la no menos existencialista película La delgada línea roja (1997) en el tema Have You Passed Through This Night?. Además, como sucedía con los Black Emperor, aquí también tenemos una cierta filosofía de extrema izquierda impregnando la imagen pública del grupo, por ejemplo manteniendo contra viento y marea la idea del grupo como asamblea creativa en la que nadie es el líder y todos lo son a un tiempo.

¿Una portada alternativa? ¿Un single? ¿un EP?

Lo mejor: que tras escucharlo la primera vez se queda uno pensando que quizá te guste más la segunda, que quizá te has perdido algo o no estabas de humor.

Lo peor: que seguramente termines confirmando la primera impresión a la segunda escucha. O no...

Fripp & Eno - EVENING STAR

2011-08-12T07:11:00.000-07:00

1. Wind on Water (5:30)

2. Evening Star (7:48)

3. Evensong (2:53)

4. Wind on Wind (2:56)

5. An Index of Metals (28:36)

Ya hacía tiempo que no teníamos por aquí a Brian Eno y sus proyectos paralelos. Me salté adrede su reciente Drums Between the Bells, sobre todo porque muchos de los mejores blogs que conozco ya se hicieron eco, y en bastante profundidad. En el futuro todo se andará, pero de momento nos quedamos con uno de los clásicos, un disco que había que comentar sí o sí y que parece encajar bastante bien con estos días de asueto veraniegos.

Evening Star (1975) es todo un favorito entre los álbumes imprescindibles de los inicios del ambient, y de todas las mal llamadas "nuevas músicas" en su momento de emergencia. Robert Fripp, hombre inquieto como el que más, ampliaba sus horizontes musicales habiendo realizado ya las más importantes hazañas de su banda eterna, King Crimson. Brian Eno, por su parte, ya andaba decidido a la búsqueda de sus particulares fuentes del Nilo, aunque todavía no había ideado su mítico Ambient 1: Music for Airports. Es muy importante tener en cuenta, en este sentido, que Eno grabaría el no mucho menos célebre Discreet Music inmediatamente después de Evening Star, en parte como respuesta a éste.

Eno y Fripp, en plan bohemio.

En Evening Star tenemos un total de cinco temas, cuatro más o menos cortos y uno muy largo que ocupaba la cara B del vinilo. En general, el álbum es producto de la evolución de las ideas plasmadas en No Pussyfooting (1973), algo más hermético. Musicalmente hablando, los ingredientes son la guitarra de Fripp y los arreglos de estudio de Eno, a base de experimentación con cinta magnética para crear loops (repeticiones cíclicas del sonido) y pinceladas muy sutiles de sintetizador. Pese a ser la guitarra el instrumento principal, no pretendamos encontrar aquí alardes propios de un "guitar hero" al uso. Robert Fripp, que en efecto merece el calificativo de "guitar hero", utiliza su guitarra como herramienta sonora no necesariamente afín al estilo del rock, sino de una manera mucho más sutil que no desentona con el carácter planeador del álbum. La verdad es que el único tema en el que la guitarra de Fripp parece decir "sí, soy una guitarra" es el que da título al disco.

Wind on Water es el primer tema de Evening Star. Es una composición muy relajada y horizontal que, pese a su ausencia de un ritmo definido o una melodía, cala en el oyente y convence a la primera escucha de que no estamos ante una música al uso, sino ante algo bello y distinto. Evening Star, el segundo corte del disco, es la pieza más melódica del mismo, la más accesible, toda una delicia para dormitar bajo la sombrilla al atardecer. Evensong es algo más difícil de describir a causa de su carácter repetitivo, aunque no rompe en absoluto el tono de la obra. Y Wind on Wind es la composición que cierra la primera mitad del álbum, ahondando en las sensaciones más placenteras y hermosas que ya hemos experimentado con los temas anteriores. Al parecer, la idea original de Brian Eno era que Robert Fripp improvisara con la guitarra sobre una serie de composiciones suyas, aunque al final se optó por componer algo nuevo y aportar creatividad a partes iguales entre ambos. Las bases sonoras descartadas se convertirían en los cimientos de Discreet Music, aunque este Wind on Wind -cuyo autor es Eno en solitario- sobrevivió como integrante de Evening Star primero, y de Discreet Music después. Qué haría yo sin la Wikipedia...

Portada de la edición en CD.

Toda la segunda cara la ocupa An Index of Metals, un exhaustivo desarrollo minimalista de punteos de guitarra tratados electrónicamente sobre un pedal (drone), pura fascinación ambiental pese a que la pieza es bastante larga y puede llegar a hacerse algo pesada.

En resumidas cuentas, se puede afirmar con rotundidad que Evening Star es una obra maestra seminal del género, uno de los álbumes imprescindibles que no pueden pasarse por alto si queremos conocer la evolución de la música instrumental y experimental contemporánea. Y para colmo, como ya decía, es un disco muy accesible y fácil de disfrutar para prácticamente cualquier melómano. Lo retomaremos estos días y nos sumergiremos en su bonita y muy adecuada portada, obra de un tal Peter Schmidt.

¡Más de 100.000 visitas!

2011-08-12T06:49:00.000-07:00

Más o menos cien mil, si contamos con que yo mismo he debido inflar bastante los números con mis auto-visitas. Aun así, es una cifra bastante bonita que merece la pena celebrar. Mientras soplo mi matasuegras os informo de que he puesto en los enlaces de la derecha una dirección de contacto, por si queréis hacerme sugerencias, críticas mordaces, amenazarme, proponerme matrimonio, enviarme dinero (que gustosamente gastaré en chorradas), vales de descuento en gasolineras o spam de todo tipo. Advierto que no pienso reenviar ningún e-mail para que algún pobre chaval de un país en desarrollo obtenga milagrosamente una silla de ruedas por ciencia infusa, ni tampoco para librarme a mí mismo o a mis allegados de alguna maldición tribal transmitida vía Google. En fin, casi cualquier cosa que se os ocurra.

Gracias a todos y a todas.